Series a la parrilla

Doctor Who 5, Moffat toma el mando

2012-01-30T00:24:00.002+01:00

Lo he hecho. Después de tomarme unas semanas de luto por la marcha de Russell T. Davies y David Tennant de Doctor Who, tocaba ponerse con la quinta entrega de las aventuras del Señor del Tiempo, en la que Steven Moffat organiza historias, mientras Matt Smith se sube por primera vez a una TARDIS renovada por fuera y por dentro. No voy a negar que me enfrentaba a la temporada con ciertas reticencias y hasta prejuicios, todos ellos motivados por el excesivo 'hype' que parece envolver a toda obra de Mr. Moffat, y de los debates Moffat el Inteligente vs. Davies el Cabra Loca que se dan entre los fans. Al final, ni Davies es tan chapucero, ni Moffat resulta ser la quintaesencia del cálculo en Doctor Who, al menos no en este volumen.

Pero vayamos por partes. Parémonos por ahora en a la undécima reencarnación del Doctor en el rostro particular de Matt Smith, el actor más joven de cuantos han dado vida al gallyfreyano. Las transiones de actor a actor siempre son difíciles, y, personalmente, me costó adaptarme a muchos de los manierismos exagerados de Smith y siendo franca, a esa pintas a lo Crispin Glover 2.0., que a mí me inspiran lugares muy tétricos. En los primeros capítulos, a Smith se le nota demasiado ese mal del novato, de estar forzando demasiado la máquina para que realmente nos creamos que esa pajarita que ahora lleva el personaje es "cool", pero después consigue transmitir más cosas que excentricidad en un ser de más de 900 años que ha vivido y visto de todo. Y, cuando por fin lo hace, es cuando logra hacerse con el papel definitivamente y que lo reconozcámos como el Doctor, ofreciendo un retrato del personaje muy por encima de las expectativas.

También ayuda que la química de Smith con Karen Gillan sea tan estupenda. Gillan se encarga de interpretar a la nueva 'companion', la pelirroja Amy Pond, sin duda, una de las sorpresas más gratas que deparan estos treces episodios. Como Rose Tyler y Donna Noble, no sólo es una chica corriente, sino que su existencia está directamente conectada con el devenir de muchas de las cosas que ocurren en el universo. En el caso de Amy, esto se muestra de una forma mucho más extrema, gracias a ese vínculo disfuncional que la une al Doctor desde que era una niña ("The Girl Who Waited"), y que sirve para hilar todos los episodios de la temporada. En Amy tienen cabida la independencia de Martha Jones, la ilusión soñadora de Rose y ese punto basto e impulsivo de Donna Noble. Además, el guión deja muy claro que Rory Williams (Arthur Darvill), su novio, no es otro Mickey (la pareja pseudocornuda de Rose), mientras que la relación de Amy con el Doctor poco a poco va tomando un cariz muy paternal, sobre todo, teniendo en cuenta que Pond es huérfana.

En serio. No.

En general, esta nueva etapa de Doctor Who ofrece más indicios de ruptura que de reforma de lo visto en las temporadas anteriores de la serie moderna. El cambio de aspecto de la TARDIS y la sustancial mejora de los efectos especiales y de todo el diseño de producción es sólo la capa más superficial de una pintura en donde subyace una mano gorda sobre la personalidad del protagonista, más alienígena y menos empático, lo cual se aleja de la evolución que sufre el personaje entre su novena y décima encarnación. También se han oscurecido de la atmósfera de la serie, un aspecto muy engañoso que, en mi opinión, erróneamente lleva a pensar que la serie ha tomado derroteros más adultos, cuando todo se reduce a que se ha apostado por dar un poco más miedo (ahora es cuando encaja cualquier mención a Crispin Glover...).

Sin embargo, y pese a que sí se aprecia un esfuerzo más claro por reforzar la serialización de la serie por parte de Moffat y su equipo de guionistas (entre los que se encuentran nombres como el de Toby Whithouse, creador de Being Human, o Mark Gatiss), con esa grieta amenazadora que interviene en todos los episodios, la estructura global de la temporada no dista mucho de esa combinación de capítulos sueltos con dípticos de las entregas anteriores. La típica marca moffatina que tanto éxito tuvo en los capítulos de las cuatro temporadas anteriores, de sembrar para recoger luego, y sus caracterísiticas paradojas temporales terminan de hacerse evidentes en una doble season finale, 'The Pandorica Opens'/'The Big Bang' (5x12-13) cuya resolución, curiosamente, no se aleja demasiado de los criticados 'deux ex machina' en el último segundo de la era Davies.

Además, las muestras por ahondar en la mitología y personajes ya presentados por el guionista escocés en sus capítulos de las temporadas anteriores junto con otros episodios de gran originalidad conviven con una terna de historias muy olvidables, lo que da como resultado una entrega muy irregular. Así, sobresale la brillantez de episodios como 'The Time of Angels'/'Flesh and Stone' (3x04-05), en los que se nos actualizan las presencias de los Ángeles Llorones de 'Blink' (3x10) y la de la carismática y misteriosa River Song (Alex Kingston) de 'Silence in the Library'/'Forest of the Dead (4x08-09). También, motivan la frescura de 'The Eleventh Hour' (5x01) y 'The Beast Below' (5x02) y la emoción vibrante de 'Vincent and the Doctor' (5x10), para mí, el mejor capítulo de todo el volumen, con ese Van Gogh en plena explosión artística. Todas estas aventuras contrastan con sopores absolutos como 'The Vampires of Venice' y The Hungry Earth/Cold Blood (5x08-09), un díptico al que no salvan ni los Silurians; y con capítulos discretos como 'Amy's Choice' (5x07), 'The Lodger' (5x11) y 'The Victory of the Daleks' (3x03), donde esa coloración a lo parchís de las némesis por excelencia del Doctor no merece ningún comentario.

Si bien algunos de los enemigos históricos del Doctor son meras sombras de lo que fueron, el Doctor, Amy, Rory, River y todo el potencial de las historias que se abren ante ellos a ritmo de la épica de Murray Gold son una poderosa razón para avanzar con este nuevo Capítulo en la vida de nuestro viajero del tiempo y el espacio favorito.

Downton Abbey 2, días de guerra

2012-01-18T22:15:00.001+01:00

ATENCIÓN SUELO FREGADO: Spoilers frescos sobre la segunda temporada de Downton Abbey que pueden hacerte resbalar si no la has visto.

El Globo de Oro que Downton Abbey logró el pasado domingo en la categoría de mejor miniserie o película para televisión ha confirmado, peculiaridades de criterio aparte, el fenómeno en el que este 'costume drama' se ha convertido al otro lado del charco. Las chicas de ByTheWay hacen una curiosa recopilación de una buena cantidad del merchandising y eventos que suelen acompañar a este tipo de casos, mientras que en Vaya Tele! nos desvelan la verdad detrás de algunas de las tramas culebronescas con las que la serie de Julian Fellowes nos enganchó en su temporada de debut.

Frente a los siete episodios de la primera entrega, a esta segunda se le suman uno más y un especial de Navidad de dos horas, que, en lugar de funcionar como un acto separado, continúa y deja la historia lista para el tercer volumen que arrancará el próximo otoño. Tenía la sospecha de que el especial iba a ser la auténtica season finale, de ahí que esperase hasta ahora para dar mis impresiones sobre una temporada, en líneas generales, mucho más intensa en sus planteamientos de género y catártica para algunos de los personajes.

Muchas quejas ha habido acerca del exceso de giros novelescos, deudores todos ellos del jabón de O' Brien, que la producción ha tomado este año, como esa aparición del supuesto primo Patrick Crawley, cuya igual de supuesta muerte en el Titanic daba inicio a la historia de la serie; el embarazo de la criada; el amago de adulterio de Lord Grantham con otra criad a mientras Cora se debatía entre la vida y la muerte; y la milagrosa recuperación del primo Matthew, al que el combate en la trinchera había dejado paralítico; o la oportuna muerte de Lavinia, prometida de Matthew y rival de Mary, a causa de la gripe española. Las críticas a tanto suceso junto son en parte acertadas si las miramos desde el punto de vista la dosificación de los acontecimientos. Así, lo que en telenovela al uso puede abarcar una gran cantidad de episodios, aquí se condensan en apenas cuatro, lo que puede provocar una saturación importante. Además, si unimos esto al festival de elipsis desenfrenadas (nada menos que se ventilan cinco años en nuevo episodios) que se marcan en esta temporadas, parece que todo transcurre a la velocidad del rayo sin apenas dar tiempo a digerir tanto drama. Demasiado, incluso para el ritmo casi siempre vertiginoso de las ficciones británicas. Sin embargo, objetivamente no se puede decir que la serie haya derivado en el culebrón más absurdo, puesto que ya había dado muestras de ello el año pasado, y no hay nada en su propuesta que la haga avergonzarse de su naturaleza de 'soap'. Es más, su factura técnica sigue subrayando que estamos ante una 'opera' majestuosa.

Las inmundas elipsis permitían tener a Matthew sentado más tiempo en el salón de la casona que en el taburete de la trinchera, y presumiento de la pelirroja Lavinia (apodada Ginger Lavinia por los fans) frente a las narices de Mary, episodio sí y episodio también. La evolución del personaje de Lady Mary es de lo más destacable de una temporada, enfocada en mostrarnos los cambios que la Gran Guerra estaba empezando a implantar en la sociedad de la época y en los habitantes de la abadía. La interpretación de Michelle Dockery, muy apoyada en las miradas, logra una transición perfecta de niñata testaruda y orgullosa a mujer arrepentida de sus propios errores y prejuicios. Así, Mary va dejando ver su lado más vulnerable y la profundidad de sus sentimientos a través de sus interacciones con Matthew y con su prometido Sir Richard Carlyle, magnate de la prensa amarilla interpretado por Iain Glen (Sir Jorah en Game of Thrones). Un tipo sin escrúpulos, Carlyle se erige como el auténtico villano de la función. Despreciado por una Condesa Viuda estelar y con la lengua más desatada que nunca por su condición de hombre hecho a sí mismo (o en otras palabras, por ser un nuevo rico sin abolengo ni valores), Sir Richard no sólo representa una amenaza para la reputación de Mary (conoce el infame suceso de Pamuk), sino que también esconde secretos relacionados Lavinia, un corderillo de personaje a la que es imposible odiar pese a ser un obstáculo entre Matthew y Mary. La muerte probablemente fue la salida más digna que le pudieron dar a este personaje, aunque ello causara una vez más espasmos a la conciencia de Matthew y Lady Mary antes de, por fin, sellar su compromiso en un especial navideño que compensó de un plumazo todas las desgracias pasadas en episodios anteriores

Si Sir Richard fue el azote de la pareja central de la serie, la exmujer de Bates también hizo acto de persencia para amargarle las perdices a él y a la sufrida Anna, y hasta a Mary, ya que a sus oídos llega el escándalo del turco. Mary Doyle Kennedy, conocida por ser la Catalina de Aragón que chapurreaba español en The Tudors, no se prodiga demasiado, pero ella sola se basta para enchironar a Bates, acusado de envenenarla en otro de esos requiebros 'bigger than life' de este tipo de producciones. Menos mal que antes dio tiempo a que Bates y Anna se casaran y tuvieran su noche de bodas escalaras arriba. Está claro que éste será uno de los centro del drama en la temporada venidera, pues mientras los tortolitos Crawley prepararán su boda (aunque seguro que con algun problema), estos dos van a tener que luchar por sacar a uno de ellos de prisión. ¿Alguien creía que la felicidad iba a durar así como así en la casona?

Por su parte, Lady Sybil y Branson han protagonizado el romance por escenas de la serie, sólo que dichas tomas parecían un calco de la anterior y así sucesivamente. Los actores debieron aburrirse de lo lindo recitando sus frases, que además servían para poner a la audiencia al corriente del contexto histórico y social del momento (la proactiva Sybil incluso se pone a trabajar como enfermera profesional), ya que el resto de las subtramas no se molestaban demasiado en semejantes menudencias cronológicas, salvo las relacionadas con la contienda mundial. Total, incluso el tiempo no parece pasar por los rostros de ninguno de los personajes, aunque el departamento de vestuario haya hecho los deberes a la hora de mostrar unos trajes más auteros, acordes a las circunstancias (¿Cuántas veces repiteel modelito granate Lady Mary?).

Menos que Sybil ha sido Lady Edith, cuya historia con el supuesto Patrick acababa antes de empezar, pero la hermana mala ha tenido su buena dosis de crecimiento gracias a la guerra, y ha acabado por convertirse en alguien mucho más comprensiva, menos caprichosa y más consciente de lo que sucede fuera del patrimonio de Lord Gratham. De todas formas, el tema con el falso Patrick se ha quedado en el aire y podría volver en cualquier momento para darle más vidilla a un personaje que ha quedado muy en segundo plano en comparación con las otras hermanas Crawley.

De robar planos y soltar 'one liners' sigue viviendo la Condesa Viuda Violet, que ha ido deslizando alianzas como quien desliza una aguja por la tela. Ha sido divertidísimo verla conspirar contra la prima Isobel en compañía de su nuera Cora, a la que no le hace mucha gracia que su consuegra disponga a sus anchas en el hospital miilitar que se ha habilitado en Downton Abbey. Por no hablar de los mencionados choques con Sir Richard, al que humilla a las primeras de cambio, y sus habilidades como celestina entre Matthew y Mary cuando por fin se da cuenta de que su nieta no puede encontrar un pretendiente más idóneo.

Las tensiones entre Cora y Robert resultaron muy forzadas y sin fundamento alguno, y vinieron a coronarse con ese affair con la criada que para nada encajaba con el tipo de personaje sin mácula que representa el Earl. Se nota el esfuerzo por querer humanizar al símbolo del honor de la casa, pero se ha hecho de una forma muy burda y apresurada. Sabemos que se trata de un matrimonio de conveniencia con sus claroscuros al prinicipio, por lo que Fellowes tiene humus desde donde trabajar si quiere crear verdadero drama. Sin ir más lejos, yo tengo una sospecha alocada de que el cariño de Carson, el mayordomo, hacia Lady Mary se debe a se trata en realidad de su hija (WTF lo sé).

Este post está quedando muy largo de por sí, pero prácticamente todos los personajes de la casa, incluida la servidumbre, han tenido más o menos una intervención importante en el desarrollo de la segunda temporada, lo que da una idea de la densidad de la historia y de lo rápido que sucede todo. Ahí tenemos a la señora Hughes ayudando a Ethel, la criada embarazada del oficial del ejército herido; o a Daisy sintiéndose culpable por casarse con un William moribundo sin desearlo realmente. Ambas tramas vienen a dejar patente que la guerra también ha tocado de alguna forma al servicio, aparte de sacar a Thomas de su puesto de lacayo para ascenderlo a encargado del hospital montado en la casa. La baja que se autoprovoca en el frente y que lo lleva de regreso a Downton fue la primera piedra para suavizar un personaje de por sí chulesco y despreciable, pero nadie imaginaba el timo en el que se ve envuelto, algo que lo devolvió definitivamente a la tierra. Una circunstancia parecida ocurre con O' Brien, con muchas menos ganas de malmeter que antes y dispuesta a redimirse con lealtad del incidente del jabón.

"No seas derrotista, querida, es muy de clase media".

Puede criticarse el retrato que la serie hace de las relaciones ente servidumbre y señores sea excesivamente buenista o paternalista, pero la interdependencia entre los dos extremos de la escalera era innegable en esos tiempos por unas razones o por otras (una propiedad podría dar de comer a medio pueblo), y no era extraño que se pudiesen establecer vínculos de confianza como el que vemos entre Lady Mary y Anna, o entre el Earl y Bates. La fidelidad a la Historia no es el fuerte de la producción, aunque eso tampoco es motivo para condenarla cuando se trata de jugar con situaciones posibles en la época que pueden chocar con nuestra mentalidad moderna.

Con la Gran Guerra terminada y gran parte de los conflictos sentimentales cerrados, me aventuro a pensar que la tercera temporada, que abarcará los años 1920 a 1922, tendrá a Sybil como vórtice de los conflictos. No en vano, el personaje partió para Irlanda felizmente casada con su Branson, y encima está esperando un hijo en un tiempo en que la isla de San Patricio estaba a punto de librar su guerra por la independencia. Puede que, después de todo, venga otra batalla a Downton Abbey.

Inadaptados en tierras extrañas

2012-01-15T23:30:00.000+01:00

Ya comenté que durante estas fiestas recién terminadas, lo que se dice seriar, poco, pero me dio tiempo a dar carpetazo a un par de temporadas cortas ofrecidas, en primer lugar, por uno de los estrenos más esperados del año (que ha resultado en relativa decepción) y, en segundo lugar, por la tercera entrega de una de las citas ineludibles del género superheroico en televisión, que ha venido cargada de cambios sustanciales en su elenco. Obviamente estoy hablando de Terra Nova y de Misfits.

A la serie de los dinosaurios pixelados producida por la factoría Spielberg ya la caté hace unas semanas. Y si de aquella ya decía que a la cosa le faltaban unos cuantos hervores para que funcionara, no parece que en los últimos episodios se hayan visto cambios de peso como para pensar que los personajes no eran meros monigotes de papel o la vida en la colonia fuera un quiero-y-no-puedo de documental del Discovery Channel. Los Shannon continuaron su periplo de familia sin matices mientras que el interés se dirigía hacia personajes más secundarios como el Comandante Taylor, cuyo pasado ayudó a construir esa tensión y conflicto que urgían tanto en la serie.

Sin embargo, el giro de timón vino demasiado tarde en una doble season (¿series?) finale muy por encima del resto de episodios anteriores. Con unos datos de audiencia que para nada se encuentraban en las esferas de 'hit' que preveía la FOX, y a expensas del rendimiento de Alcatraz en esta midseason que acaba de empezar, los guionistas han lanzado un órgado de optimismo con un cliffhanger chocante que promete una revisión de todo lo establecido en el mundo de Terra Nova hasta el momento. Un efecto suficiente para retomar la serie el año que viene. Al menos la season premiere, si es que la hay.

Más 'extreme makeover' va a ser el caso de Misfits. Estaba visto que la marcha de Robert Sheehan, que daba vida al ínclito Nathan, odiado por unos y amado por otros tantos, iba a suponer algunos cambios. Al final, ni su marcha (solucionada en un webisodio por debajo de las expectativas), su ausencia ni su sustituto han sido para tanto. Rudy, interpretado por Joe Gilgun, que básicamente era una versión de váter del propio Nathan. Escatológico hasta el absurdo, el diálogo con ese yo tímido que producía su poder de desdoblamieto fue de lo poco interesante que aportaba el personaje, centro de los peores episodios de una volumen compuesto de siete episodios.

Kelly con su relación con el traficante de poderes, tomo el relevo de Simon en la temporada anterior, y se confirmó como la guía que iba a llevar arco argumental de la serie este año. Aunque, claro está, el conjunto final dista de ser satisfactorio. No sólo todo se orquestó de manera deslabazada, sino que la resolución pareció apelotornarse en los dos últimos episodios. Viendo lo cortas que son las temporadas británicas el tiempo sí que no está apra ser desperdiciado. Era lógico que con ese 'mini-reboot' propiciado por el intercambio de poderes, la serie de Howard Overman iba a necesitar de minutos para explicar la nueva situación de los personajes, de ahí que se volviera a una estructura de capítulos más propia de la primera temporada, lo que afectó a esa trama horizontal que no era demasiado consistente por sí sola.

Los nuevos poderes, en general, dieron poco juego, salvo el de Curtis y Simon, que al mismo tiempo tampoco fueron aprovechados en demasía. Entre penes rotos y nazis ('leit motivs' de los episodios más flojos de esta entrega), se comió tiempo para otros desarrollos más rompedores que duraron apenas un suspiro antes de ser desechados en favor de la débil trama principal.

El problema de Mifists este año no estuvo en la marcha de un personaje en concreto, sino en una falta de historias que contar o en un desgaste de las que ya había. Renovada para una cuarta temporada, y con Iwan Rheon (Simon) y Antonia Thomas (Alisha) diciendo adiós, la serie se enfrente a un nuevo terremoto sobre cuyos escombreos va a intentar el más difícil todavía.

Great Expectations, la fábula del niño de la forja

2012-01-04T14:14:00.000+01:00

Muchos nos las prometíamos muy felices con el parón navideño y el tiempo que este receso deja para ponerse al día con capítulos atrasados o con viejas cuentes pendientas. Un deseo muy bonito hasta que te encuentras con la BBC y sus maliciosas miniseries... Ahi todos tus planes se van al traste. En este año que acaba de empezar se conmemora el bicentenario del nacimiento de una de las primeras grandes superestrellas de la literatura universal, el prolífico Charles Dickens. Y digo superestrella porque sus novelas publicadas en formato folletín creaban un 'hype' equivalente en la época victoriana al creado por cualquier serie salida de la factoría de un productor como J.J. Abrams (mejor no hablemos de su amor por los giros endiablados en sus tramas...). Para iniciar los festejos de la efémeride, la casa británica ha sacado de la estantería una de las obras más famosas de este autor, Great Expectations, para ofrecerla a los espectadores en tres exquistos episodios de adaptación literaria.

Como otras tantas obras de Dickens (donde abundan las pinceladas autobiográficas), Great Expectations va directamente a las clases más bajas del Londres de mediados del S.XIX para narrarnos de una forma más categórica una historia de ascenso social salpicada de personajes retorcidos y desalmados, pero también de soñadores humildes con aspiraciones cumplidas y arruinadas a partes iguales. El pequeño Philip 'Pip' Pirrip (Oscar Kennedy/ Douglas Booth) vive en la forja que su cuñado y su hermana tienen en las marimas del Támesis, un lugar en donde su destino no puede ser otro que el de convertirse en herrero, hasta que como también le pasa a David Copperfield y Oliver Twist, una serie de circunstancias cambian su camino vital para siempre.

A partir de este momento Pip se encontrará con una terna de personajes encabezados por la misteriosa Miss Havisham, una rica novia cadáver entre repugnante y trágica, interpretada con acierto y sorprendente mesura (veremos lo que hace Bonham Carter en la adaptación cinematográfica) por una estelar Gillian Anderson, toda una catedrática en este tipo de papeles (ahí tenemos la madame de burdel de The Crimson Petal and The White), que repite con Dickens tras Bleak House y que últimamente vive un idilio con las adaptaciones literarias de la corporación. También destaca el interés amoroso y motor de gran parte movimientos del protagonista: Estella, la hija adoptiva de Havisham, o la niña de la eterna cara de asco, que en su versión adulta está encarnada por una irreconocible Vanessa Kirby para quienes la hayan visto antes en su pequeña aparición en The Hour. Y como colofón se encuentra el amigo de Pip, el desheredado Herbert Pocket, al que da vida el carismático Harry Lloyd (Doctor Who, Viserys en Game of Thrones).

Me reservo comentar el menudo pero clave papel del otro gran reclamo del reparto, que no es otro que Ray Winstone, un veterano secundario de muchas producciones británicas. Pero, en resumidas cuentas, el plantel actoral, como es costumbre, soporta gran parte del peso de la adaptación. Y aquí hay que destacar el satisfactorio trabajo del monérrimo Booth como Pip adulto. Los prejucios hacían pensar que un modelo curtido en campañas de Burberry junto con Emma Watson y con perspectivas de salir en el remake de LOL con Miley Cyrus y Demi Moore no iba a hacer nada con el rol, pero Booth aporta una vulnerabilidad e ingenuidad que casan a la perfección con el personaje.

Para los que nos sabemos el cuento al dedillo, el guión escrito por Sarah Phelps va muy de la mano con el original novelesco, cambiando sólo detalles que para nada modifican los motivos de personajes y el sentido de las situaciones, e imprimiendo un ritmo muy fluído en la narración. Quizás le falta más riesgo a la hora de quitarle obviedad y darle más capas a algunos personajes como Orlick y Drummle, que quedan demasiado villanos de manual. Con una factura técnica incontestable que hace justicia a la atmósfera dickensiana original, potenciada por un diseño de vestuario y unos decorados milimétricos, la miniserie también puede ser captada perfectamente por ojos nuevos.

El fondo de la historia se mantiene muy fresco, ya desde esos cuidados títulos de crédito contando el desarrollo de una mariposa, el insecto de la plenitud efímera. Las grandes esperanzas humanas son imperecederas a los tiempos, pero a la par se siguen dando crónicas de estancias en la cima y súbitas caídas al barro de lo común, y más en medio de una situación como la actual. De ahí que esta nueva versión del clásico, adquiera un leve punto de oportunismo, si bien la crítica al paisaje social de la época quede en un segundo plano en favor de los objetivos personales de Pip y el romanticismo de la puesta en escena.

Unas escasas tres horas de buena televisión para empezar el año con buen pie.

Homeland, el enemigo es doméstico

2011-12-28T19:23:00.002+01:00

En este informe no hay censura, así que te vas a encontrar unos cuantos spoilers entrelíneas.

La mejor serie de estreno del año. Ya pueden venir la Guardia de la Noche desde el Muro y todos los Lannister con todo su boato, que una sola mirada perturbada de Claire Danes en modo Carrie Mathison los derrite cual llamarada de legendario dragón Targaryen. Personajes fascinantes, actuaciones de 10, y un manejo desquiciado (y desquiciante) de la tensión dramática son lo que dan a Homeland ese honor en mi escalafón privado. Y estas cualidades pueden darle premios si los que votan al otro lado del charco se arriesgan con un producto que no se casa con nada ni nadie.

Gran parte de las cosas que han hecho grande a Homeland en su temporada de debut en un Showtime que le está dando fuerte al drama las expliqué en un post, que escribí cuando había visto los cinco primeros capítulos. Más o menos en el ecuador de esta entrega. Me preguntaba si Carrie o Brody, almas perdidas y repudiadas, se perseguían el uno al otro, o eran los dos objetos de persecución. Al final ha resultado ser un poco de ambos. Carrie tenía razón en su caza y captura del marine convertido en terrorista, pero para demostrar esa verdad, ha tenido que pagar un peaje a los infiernos de su ser bipolar y paranoico, que se ha desatado. Ahora su enemigo ya no sólo el otro, el otro del que se había enamorado y que delata su enfermedad al ínclito Estes, sino la parte más oscura de ella misma que persigue y amenaza con cargarse su carrera, exponiéndola frente a unos jefes con mucho que esconder, y que no dudan en cortarle los hilos a una marioneta que, además de no servirles, puede resultar una amaneza a largo plazo.

Porque, a veces, las verdades llevan a otras, y ahí es donde Carrie cierra estos doce episodios. Ella ya sabe la verdad del comportamiento extraño de Brody, pero no sabe toda la verdad sobre Brody, la que le llevó a pasarse al bando de Abu Nazir, y en última instancia, lo que lleva a éste a trazar un plan maestro para destruir a los responsables de la muerte de su hijo, Issa. Carrie se ha quedado a las puertas, otra vez víctima de sí misma, y suplica a su mentor Saul que no le permita olvidar antes de que un electroshock borre esos recuerdos. Pero, ¿y Brody? Se trata de otro personaje dañado hasta el fondo, que, a diferencia de Mathison, se sabe una marioneta de fuerzas que le superan, aunque abraza sus funciones hasta sus últimas consecuencias... de momento.

Si la debilidad de Carrie es su condición de bipolar, la de Brody parece ser su condición de padre. No en vano esta circunstancia está en las dos crisis de fe que parece tener el personaje. La primera, la que lleva a la conversión a la causa de Nazir, vista en 'Crossfire' (1x09), y la segunda, la de las escenas frenéticas en el búnker, en 'Marine One' (1x12-13), la estupenda season finale. Brody entabla una relación muy paternal con Issa, mientras que empieza a reconectar con Dana, esa adolescente a ratos abofeteable, a ratos con más ojo que un lince, que se da cuenta de que algo no anda del todo bien con su padre. Ya no tiene tan clara su misión de volar al Vicepresidente Walden, último responsable de la masacre de la escuela de Issa, y último responsable de que todo el asunto sea censurado de los propios informes de la CIA, los mismos sobre lo que Carrie pasaba horas y horas, con o sin bolígrafo verde.

Puede que el lance del búnker (primero haciendo que el chaleco-bomba fallase y la llamada in extremis de Dana) resultase excesivo por utilizar dos recursos claramente en un intento de alargar la tensión. Hubiera bastado con uno, el segundo, el más orgánico de acuerdo a la evolución del personaje, pero si había que dar alas a la segunda temporada de la serie, no resultó una salida para nada impostada. Brody tiene una nueva misión, una incluso más complicada que la tenía en un principio (intrigar desde las altas esferas gracias a su nueva posición de congresista y hombre de confianza de Walden), igual que la tiene Carrie. El contador a cero, otra vez, solo que ahora el depósito está más cargado. Y la única salida es que acaben juntox haciendo frente a sus demonios, y verdades, tal y como se vislumbró en ese maravilloso 'The Weekend' (1x07).

A la nueva situación también se ha visto arrastrado Saul, un personaje sobre el que existía la sombra de una posible traición a Carrie, y de motivos turbios (ese polígrafo atacado de 'The Good Soldier'-1x06-) pero que ha probado una lealtad sólida a su brillante pupila, incluso con movimientos sorprendentes como ese chantaje al mismo Walden. La duda constante y la crítica sobre las actuaciones y métodos del gobierno y departamento de seguridad estadounidense después del 11-S (en este caso, presentándolos como una panda de mediocres y cobardes burócratas) no es nueva pero en Homeland toma vida gracias a unos personajes que se ponen a prueba a si mismos en lo que entienden como lealtad a su patria. ¿O es que nadie quería que a Brody no le fallase la bomba? El gris se apodera de la serie en toda su extensión y es imposible no comprender los motivos de uno y otro terrorismo: el del Estado y el de Al-Qaeda.

Pocas máculas se le pueden contar a Homeland salvo en el plano familiar con el personaje de Jessica y Mike, que después de la catarsis de la barbacoa, aparecen muy desdibujados. Ella parece cambiar de chip completamente a pesar de que no pocas veces se nos aclaró que estaba enamorada de su amante, mientras que éste desaparece para volver en una ocasión puntual. Puede que sea un juicio prematuro porque las apariencias siempre engañan, pero es un cuadro que, al menos en esta primera temporada, contrasta con lo bien armados que están el resto de personajes. Otro tanto también encontramos en el lado de la conspiración, con un Tom Walker del que no sabemos nada sobre su 'resurrección' como tampoco su proceso de conversión tal y como vemos con Brody

El recital de locura ofrecido por Claire Danes son el pase que le va a reportar con mucha probabilidad un racimo de galardones bien merecidos. Damien Lewis, más contenido, se postula también como premiable, y es una lástima que Mandy Patinkin no haya cerrado la trinidad en nominaciones recientes. Lo cierto es que el cada miembro del reparto está en su sitio, brindando uno de los más gratificantes espectáculos que se pueden ver en televisión actualmente.

La segunda temporada tiene el reto de hacernos recordar esto.

La esposa sigue viva y rabiosa

2011-12-18T21:17:00.000+01:00

ATENCIÓN: Spoilers de la fall finale de The Good Wife.

Que nadie se piense por el título que estoy escribiendo bajo el influjo de una Shakira trasnochada y disléxica pero, justo cuando los Globos de Oro la acaban de ignorar en su (siempre) cuestionable lista de nominadas a mejor serie dramática, The Good Wife se ha ido de vacaciones navideñas desmostrando que retiene esa bestialidad que la hizo grande en mayo. ¿Estaban los periodistas de la prensa extranjera de L.A. ebrios y bailando 'feats.' de Pitbull en un bar de mala muerte cuando hicieron las nominaciones?

Todos aquellos que la acusaban de haber perdido sus zarpas en esta tercera temporada, y de que Alicia resultó no ser la leona de los pósters promocionales, han escuchado un rugido de Lannister bastante fuerte con ese 'What went wrong' (3x11) con el que el matrimonio King ha vuelto a atacar y a dejar claro quién manda. Estos primeros capítulos no han continuado la intensidad de los la recta final del anterior volumen, pero es que después de una buena tormenta, siempre ha de llegar la calma. Y tampoco es que las cosas hayan estado muertas en el bufete de Will y Diane. Sí, no pasaba nada a gran escala, pero la tensión seguía recorriendo los pasillos con rencillas y ambiciones escondidas en la sombra. The Good Wife nunca ha sido una serie que se caracterice por una claridad en todas las motivaciones de sus personajes, y mucho menos por un afán de resolver sus conflictos cuanto antes y por la vida más rápida. En esto es una serie sutil, real, compleja y hasta opaca como su protagonista y, por tanto, va pareja a su forma de actuar. Cuando Alicia esconde sus emociones (que es muy a menudo) también lo hace el resto. Incluso cuando duda, todo el entorno se agazapa en la trinchera, pero sin que eso signifique que paren las maquinaciones.

Alicia ha jugado a un excitante juego de seducción prohibido con Will, pero en el fondo sigue dando un segundo pensamiento a sus acciones. No iba a cambiar de la noche a la mañana por acostarse con su jefe y antiguo colega de la universidad. Will es sólo una de más de las conquistas de esta mujer desde que empezó la serie, y cuando se caparan tantos territorios a la vez, empiezan los debates internos sobre a qué darle prioridad. Ése el precio de la liberación y el temor de Alicia es ser negligente con lo que más le había costado conquistar: su imagen como profesional y la confianza de sus hijos tras la separación de Peter. La complicada situación con Will ponía en jaque todo esto. Estos primero capítulos han sido el periplo realista de una Alicia presionada por muchos frente abiertos, a punto de convertirse en alguien importante dentro del bufete, y sin nadie con quién compartir el peso de la presión. Traicionada por Kalinda, la 'wifey' estaba sola.

Parece que ahora Diane se ofrece como apoyo, pero Lockhart, como todos los personajes en esta serie, tiene su propia agenda bajo el brazo. Esta mujer tiene tanto olfato para los tratos como para oler movimientos a cinco kilómetros a la redonda, y enseguida fue consciente del tema Will-Alicia. Y como buena capitana del barco, vio el iceberg que esto supone. Diane ve la amenaza de un Peter Florrick recién rencaramado a su puesto de Fiscal del Estado sobre su bufete (su objetivo no es otro que Will) y hace lo que tiene en su mano para protegerlo. Nunca ha quedado muy clara cuál es la consideración que Diane tiene hacia Alicia, pero más allá del respeto que poco a poco ha ido sintiendo por su empleada, lo cierto es que Alicia nunca ha podido sacudirse ese halo de Caballo de Troya a ojos de Diane. Y viendo cómo de serio está el asunto, Diane ha decidido apostar fuerte y ahora la quiere tener cerca como socia del bufete, brindando a Alicia una de esas butacas que ésta acarició en la segunda temporada.

Peter, por su parte, también se ha acercado a sus enemigos para lograr sus objetivos de la forma menos notoria posible, pero lo que él no sabe es que detrás de la sonrisa radiante de su rival en las elecciones, Wendy Scott-Carr, duerme una perra del infierno vengativa que está dispuesta a cavar lo más profundo posible hasta derrotarle. La sorpresa del undécimo episodio es de esos 'game changers' de los que tanto se vanagloria Shonda Rhimes y que aquí no son motivo de chascarrillos.

Wendy aka 'Te-vas-a-acordar-del-día-en-que-naciste' Scott-Carr

Anticiparse a unos Cary y Dana, pajes oficiales de Peter, actuando a su vez de títeres de Scott-Carr, una vez descubiertas las verdaderas intenciones de ésta, puede ser un auténtico festival. Y más siendo testigos de ese juego a tres bandas con Kalinda, del que todavía estamos viendo los primeros compases, pero que ha sido suficiente para poner en guardia a Lockhart & Gardner gracias a la información que ha ido consiguiendo la investigadora. Kalinda, a nivel individual, por fin, ha empezado a recontruir los puentes con Alicia. Ese 'Parenting Made Easy' (3x10) que sirve de prólogo a 'What went wrong' fue un prólogo de todo lo que es capaz de hacer este personaje del que, como siempre, sabemos menos de lo que pensamos.

Eli Gold ha encontrado también en Kalinda una 'partner in crime', enviándola a descubrir la morralla de clientes y rivales, que ha brindado escenas entre los dos que se estaban esperando desde hacia tiempo, y puede que haya más. Eli en solitario no ha terminado de estar aprovechado todo lo que debería, salvo unos casos (como el de los quesos contra las verduras) que han servido de acicate cómico en contraste con lo que se estaba cociendo entre la Fiscalía y el bufete. No se ha visto mucha de la influencia que, como asesor de Peter, pudiera tener en la firma, aunque inevitablemente Eli se va a ver involucrado en la lucha y no desde el bando que todo el mundo pensaba. Lo que haga a partir del ofrecimiento de Will, es cosa del señor Gold.

Todo este potaje se ha estado cociendo a fuego lento al calor de unos personajes, principales y recurrentes que siguen en plena forma, y son el mayor tesoro de The Good Wife junto con sus guiones. Ahora ha comenzado a entrar en ebullición... Y todavía queda gas de sobra para que alcance el punto máximo de temperatura, diga lo que diga una lista de nominados.

Tramposillos estresados, adjetivos explotados

2011-12-10T17:12:00.000+01:00

Pocas veces este blog ha sido dado al comentario 'meta' u ombliguista, es decir, sobre el propio placer u oficio de analizar y comentar casualmente series de televisión. Hoy, sin embargo, me gustaría tocar el tema. ¿Por qué? Pues del mismo modo que hace unos días Miss MacGuffin reflexionaba sobre la pérdida de perspectiva de las críticas televisivas semanales, he venido notando en mis lecturas (y en mí misma), una tendencia a explotar ciertos adjetivos, haciendo que pierdan todo su valor en cada uso, además de resultar muy irritantes cuando se aplican a productos que no han tenido tiempo para hacerse merecedores de tal calificación.

Comenté en Twitter que, si por mi fuera, elimininaría 'tramposo' del vocabulario seriéfilo. Es de esas palabras que más se asocian a esta epidemia de impaciencia y de adelantarse a los acontecimientos que asuela el criterio de muchos aficionados. Hoy en día, cualquier giro en una serie, es suceptible de considerarse una trampa, o eso parece. ¿Acaso no cualquier narrativa no es en el fondo un maravilloso plan maquiavélico en el que picar? ¿Hemos perdido, como aficionados exigentes, capacidad de inmersión en el relato o de confianza en los autores? ¿O es que hemos olvidado de que somos unos meros espectadores que no sabemos más que el narrador acerca de esos personajes? Y, en última instancia, qué más darán ciertos efectismos mientras no se rompa la coherencia interna del relato y del universo que se ha creado (y más si se trata de un relato que demuestra vivir de las "trampas" desde el principio). Sin mecanismos que fuercen el drama, o pongan en jaque planteamientos con cierta frecuencia, no estaríamos hablando de ficción, sino de rutina de la más aburrida. Bajo mi punto de vista, no se puede disfrutar de una serie si se va todo el rato tan a la defensiva, y menos calificar a las de estructura más serializada de traicionera cuando ni siquiera se ha llegado a final de temporada. Observemos en qué acaba la historia antes de emitir juicios, de sentirnos insultados y, por tanto, gritar con todo el derecho: ¡Tramposa, me has engañado!

Mientras estudiaba la carrera, los profesores nos machacaban con el uso de expresiones, adjetivos o comparaciones manidas. En esta conversación que mantuvimos unos cuantos compañeros salieron joyas del tipo 'pretencioso', 'sobrevalorado' o 'es demasiado familiar', pero quisiera pararme en otra expresión cuyo abuso también denota ese estrés seriéfilo tan extendido en esta era de Internet, los spoilers, las filtraciones y las explosiones a lo Michael Bay: la inagualable 'de relleno'. Cuando estamos ante esos episodios embotellados en la que la trama avanza de cero a nada, y en su lugar vemos desarrollo de personajes sin parar... Ese capítulo musical 'Brown Betty' de la segunda temporada de Fringe, el polémico 'Unfinished Business' de Battlestar Galactica o, por poner un ejemplo reciente, el 'Crossfire' de la temporada de debut de Homeland. Esa clase de episodios, que, siendo trabajos muy buenos, desatan tembleques porque no traen consigo subidones. Para no terminar prendiendo fuego a tu propia obra, y dosificar la metralla, a veces, este tipo de entregas son necesarias. Que Ryan Murphy esté obsesionado por conseguir orgasmos en cinco segundos, no quiere decir que el resto tengamos que seguir su ejemplo. No niego que existan auténticas zorzas para rellenar chorizo ahí fuera pero, en algunos casos, hay un trecho largo a calificar un episodios como del montón por tener un carácter más pausado que los que le preceden.

Luego están esos traumas de diván que siempre regresan a casa por Navidad. Como bien dijo @keitza, mentar a Lost o su final en cualquier conversación sobre series es digno de la Ley de Godwin. De verdad, lo que pasó, pasó, hay que superarlo. Aquí reconozco que no soy muy imparcial, porque la susodicha no es santo de mi devoción, pero utilizar esta serie como piedra de comparación para toda producción venidera comienza a resultar muy cansino. Por eso, no muy lejos de este camino anda 'la nueva/el nuevo', otro quiste en el teclado o la lengua muy difícil de erradicar. Ya es sufuciente con que el departamente de márketing de las series utilicen este título como para que también nosotros le hagamos la ola (y, claro, luego vienen las decepciones...). Comparar viejos amores con sucesores nunca sale bien.

Cortar estas y otras coletillas odiosas cuesta lo suyo, pero ahí voy trabajando. Y vosotros, ¿tenéis algún adjetivo o expresión en particular que os ponga de los nervios cuando leéis o habláis de series?

Fresh Meat, una sobre novatos

2011-12-02T23:02:00.000+01:00

Las fusión entre los dos grandes macrogéneros de ficción, el drama y la comedia, no es nada nuevo. Hoy en día, puedes encontrarte con comedias con trazos de dramón, y viceversa, en las parrillas de cualquier canal. Igualito que en algunas tiendas Bershka (pronunciado 'breska', 'breshka', 'freshka', según la zona), territorio histórico de la moda chonil, donde desde hace unos años existe un reducto de género entre pijo-rockerillo (para ellas) y friki (para ellos) de lo más curioso. Una podría pensar que la marca está intentado reconciliar en un sólo local tribus urbanas en las antípodas las unas de las otras, del mismo modo que las series ya no tienen miramientos por mezclar géneros y formatos. El último éxito llegado del Channel 4 británico, Fresh Meat, además de poner a convivir risas y lágrimas, se toma en serio lo de las especies urbanas y nos presenta un clúster de personajes cada uno de su padre y de su madre.

Con un formato al parecer bastante utilizado en las comedias de la islas, a razón de 40 minutos por episodio, Fresh Meat nos cuenta en ocho entregas las vidas de seis estudiantes universitarios que comparten casa en Manchester: Howard (Greg McHugh), Josie (Kimberley Nixon), Kingsley (Joe Thomas), Vod (Zawe Ashton), JP (Jack Whitehall) y Oregon (Charlotte Ritchie). Ninguno de ellos son amigos, y todos menos Howard son estudiantes de primer año de carrera, lo que da título a la serie. Los chicos estudian todos geología, mientras que Vod y Oregon le dan a la literatura y Josie a la odontología.

Hasta aquí llegarían los posibles puntos en común entre los personajes, porque cada uno de ellos representa un estereotipo diferente como si fueran parte del cast de una edición de Big Brother: Howard es el freak escocés; Josie, la buena chica que no ha visto nunca más allá de su ciudad, Cardiff; Kingsley, el virgen pagafantas enamorado de Josie; JP, el niño rico insoportable; Vod, la fumada, y Oregon, la alternativa.

Sin hacer grandes aspavientos y sin ser nada del otro mundo, tantos a nivel de escritura como de estética, la serie resulta un entretenimiento bastante simpático, quizá porque no pone grandes pretensiones sobre sí misma, ni busca los gags constantemente. Por el contrario, explota ese humor 'awkward', escatológico tan propio de los productos británicos, que ayuda a que los personajes tengan un aura de patetismo y de poco glamour que los hace mucho más cercanos. A medida que vemos a los personajes convivir en esa casa de locos, de montar fiestas de dudoso éxito, de forjar amistades o encajar en el grupo de los guays de la facultad, se va desmontando poco a poco esa imagen con la que se los nos presentó en un principio de forma bastante efectiva y nada artificial.

Fresh Meat ya está renovada para una segunda temporada que viene caída del cielo si se piensa en cómo se dejan algunos cuestiones convenientemente sin resolver en el último episodio, algo que también ocurre con Sirens, otra serie del mismocanal que, por desgracia, no tendrá continuación.

Torchwood 3, Children of Earth

2011-11-23T21:43:00.000+01:00

De todos los que hemos visto Torchwood es bien sabido que el ritmo cardíaco de esta serie nunca ha sido muy regular. Ya lo demostró en la primera temporada, con episodios brillantes mezclados con entregas bastante olvidables, y con una segunda entrega que corregía errores pasados, aunque se apreciaba todavía ciertas limitaciones que impedían a la trama y los personajes desarrollar todo que lo que podían dar de sí. Por suerte, estas barreras no estuvieron presentes en el momento de cerrar aquel volumen de trece capítulos, y todo lo que viniera después de esa season finale podría significar el fracaso más estrepitoso o la confirmación de que la serie, por fin, había descubierto la veta que debía explorar desde su concepción como 'spin-off' de Doctor Who para el público adulto. Para alegría del espectador fiel, Torchwood: Children of Earth vino a demostrar lo segundo y mucho más.

Russell T. Davies y su equipo anduvieron muy inspirados entre 2008 y 2009. El final de legislatura 'whovian' y el ejemplo de alta ciencia-ficción que muestran en la tercera parte de las aventuras de los inqulinos de la base Torchwood Three de Cardiff (Gales) son los testimonios que nos dejan de ese período, que no es poco. Si bien con Doctor Who no hubo muchos cambios con respecto a la estructura y tono de otras temporadas, en Torchwood se produce una transformación radical. De los trece capítulos habituales, en los que se combinaban casos procedimentales con arcos argumentales cortos, pasamos con Children of Earth a cinco episodios con una única premisa argumental que se desarrolla a lo largo de cinco días (a día por episodio). Una miniserie con un gran reto que resolver que es el que da título a la temporada. Tan serializado es el carácter de Children of Earth que la BBC decidió emitir un episodio por día durante una semana de julio, y viendo la calidad y riesgo del producto, no extraña para nada que la hayan programado nada menos que en el primer canal de la cadena.

No exagero cuando digo que estos escasos cinco capítulos están ya en el altar de la ciencia-ficción más cruda y social junto con mi adorada Battlestar Galactica (SyFy, 2003-2009). Del mismo modo que ésta es una metáfora de la política, religión, sociedad y supervivencia (entre otras cosas) en el mundo post 11-S, la tercera temporada de Torchwood se alinea en esa parcela y centra su discurso en una crítica feroz de la podredumbre de la clase política, de la arbitrariedad con la que se toman ciertas decisiones vitales para el bienestar de la población y la cobardía con la que se oculta información relevante a la misma. Y todo ello lo muestra a partir de una amenaza extraterrestre, los llamados '456', que llegan a la Tierra reclamando niños como tributo (a lo Minotauro) a cambio de la no destrucción del planeta. Dicho así, la trama suena muy simple, pero no voy a entrar en más detalles porque sería desvelar demasiado acerca de las dimensiones del problema y, en especial, sacrificio al que se ven sometidos los personajes.

El guión no deja títere con cabeza, con unos diálogos nada complacientes y horriblemente honestos, y tampoco duda en poner al Capitán Jack Harkness y compañía en situaciones límite como nunca antes habían experimentado. El tono y la atmésfera no deja de oscurecerse conforme pasan los episodios, lo cual también afecta a la gran constante y enigma del universo Torchwood: Jack. De éste seguimos sabiendo detalles de su pasado que, en esta ocasión, regresa para darle de lleno en ese entrañas inmortales suyas. Children of Earth también supone un viaje distinto para los compañeros de Harkness que se ven presas de circunstancias inesperadas y de los que conocemos algo más de sus vidas personales.

¿Se pueden dejar de lado las dos primeras entregas y ver directamente la miniserie? La tercera temporadaes el culmen de un viaje que, puede que haya ido a trompicones, pero que cuando ha llegado a su destino ha regalado un producto espectacular en su género y que pone a sus protagonistas en el lugar que siempre han merecido. De no haber anunciado el rodaje de un cuarto volumen, titulado Miracle Day, este Children of Earth hubiera servido como perfecto colofón a toda la serie. El listón está muy alto.

Doctor Who 4, fin de ciclo

2011-11-16T10:00:00.000+01:00

Estos días el 'fandom' de Doctor Who anda un poco revolucionado al saberse la noticia de que la división internacional de la BBC y David Yates (director de las peores películas de Harry Potter, pero aclamado por la miniserie State of Play -2003-) están preparando el asalto a la gran pantalla del legendario Señor del Tiempo. Y cuando digo "un poco revolucionado", igual me estoy quedando corta tratándose de una franquicia transmediática con casi 50 años de historia y de culto fan a sus espaldas. Pese a que los cambios de rumbo son parte de la idiosincrasia de Doctor Who tanto como los repentinos desvíos en el destino de la TARDIS, éstos siempre causan fuertes seísmos en las bases de seguidores. En 2005 lo causó Russell T. Davies cuando tomó las riendas de la resurrección de la franquicia, con opiniones para todos los gustos entre fans históricos y neófitos, y volvió a hacerlo en 2009 cuando cerró su etapa como 'showrunner'. Cuatro años en los que el galés amplió el universo 'whovian' en toda su extensión, adaptándolo a las formas de producción mediática del S. XXI antes de pasar el testigo al guionista más dotado de la sala: Steven Moffat.

La cuarta temporada de Doctor Who emitida en 2008 y los cuatro especiales siguientes suponen el grueso del epílogo de Davies como capitán del barco, pero también suponen el adiós de David Tennant, el actor que dio vida a la décima encarnación del Doctor tras el fugaz pero intenso paso de Christopher Eccleston en la primera temporada de la serie nueva. Tennant se apropió del personaje, dotándolo de unos matices muy diferentes de los de su antecesor (también motivados por la propia evolución del personaje), y terminó por meterse en el bolsillo a gran parte de la platea, por lo que todos los esfuerzos se encauzaron para darle una salida por todo lo alto. Desde el especial de Navidad de 2007 'Voyage of the Damned' (4x00), donde aparece Kylie Minogue hasta el especial navideño de 2009 'The End of Time Part II', el aroma a adiós queda patente, tanto en el guión (con sutiles referencias al final del Doctor que van en aumento conforme pasan los episodios), como en la factura de la producción de la serie nueva, a años luz de esos entrañables maniquís cutrelux de 'Rose' (1x01). El Titanic, los adorables 'adipositos', las ruinas de Pompeya, el planeta de los Ood, el cuartel general de UNIT, la casa de Agatha Christie, las cataratas Safiro, el planeta Biblioteca, el Londres actual, y otros tantos lugares son indicativos de lo ambicioso de la propuesta visual.

Pero no sólo hay que tirar la casa por la ventana con los efectos, sino también se recuperan personajes que han formado parte del periplo del Doctor en esta etapa, en la mejor tradición de los 'crossovers all stars'. Y esta premisa se lleva al pie de la letra en el caso de la acompañante del Doctor que no es otra que Donna Noble (Catherine Tate), la deslenguada protagonista del especial 'The Runaway Bride' (3x00), que abría la tercera temporada. Basta como ella sola e ingobernable, los constantes choques de Donna con el Doctor, al que no quiere en su cama (a diferencia de Rose Tyler y de Martha Jones antes de recapacitar), brindan los momentos más cómicos de la serie, además de forjar una sólida amistad sólo a prueba de Daleks. La gran química entre Tennant y Tate es evidente en todas sus escenas.

Como ya es rutina en la historia de Doctor Who, las peripecias y el destino de las 'companions' dicen mucho del impacto que este alienígena viajero en la vida de aquellos humanos (su raza preferida del Universo) con los que se cruza. En este sentido, Donna y Rose son distintas caras de una misma moneda, de lo que ocurre cuando alguien y, también su familia de paso, se acercan demasiado al Doctor, como bien le previene Martha a Donna en el díptico 'The Sontaran Strategy' y 'Poison Sky' (4x04-05). Y, visto lo visto y sin entrar en detalles spoileantes, Donna tiene menos motivos para sonreir que Rose.

Esto último ya puede dar una idea del halo de trágico que impregna la temporada, la más satisfactoria del ciclo de Davies a todos los niveles. No hay un capítulo, ni siquiera los de la primera mitad del volumen, normalmente los de tono más ligero, que pequen de dejadez en las tramas. Pero lo mejor es que este hecho alcanza cotas antes nunca vistas en el reboot a partir de ese espectacular binomio que es 'Silence in the Library' y 'Forest of the Dead' (4x08-09) firmado por Moffat, en donde éste introduce al personaje de la misteriosa arqueóloga River Song (Alex Kingston), un personaje que al parecer sabe muchísimo sobre el Doctor y que es clave en las nuevas aventuras de la undécima reencarnación interpretada por Matt Smith y comandado por Moffat. Sin duda, otra razón más para no desechar las aventuras del Noveno y del Décimo Doctor si hay que recomendarle la serie a alguien en unas condiciones estándar y asequibles que no impliquen remontarse a los verdaderos inicios de la etapa clásica para hacerse con toda la mitología. En mi humilde opinión, Moffat dejó anclas relevantes de sus futuras novedades ya durante la etapa de Davies como para considerar su visión algo enteramente desligado del periplo de Doctor Who a partir de 2005.

Como hemos dicho, la presentación de River Song abre un racimo de episodios para enmarcar, de un poso dramático y tinte más oscuro que se permean a la perfección con la ráfaga de emociones y con la megalomanía épica y aventuras alocadas que han marcado el paso de Davies por la franquicia. La claustrofobia de 'Midnight' (4x10) las consecuencias nefastas para el mundo si Donna nunca hubiera conocido al Doctor, en 'Turn Left (4x11) hasta llegar a la batalla de las batallas en el doble 'The Stolen Earth' y 'The Journey's End' (4x12-13). Todos estos episodios suponen una maratón de obstáculos que dejan al corredor exhausto, pero también apleado y roto por dentro. Más, más y más... "Run!"

Especiales irregulares.

Con este bagaje el listón estaba demasiado alto para los cuatro especiales que terminan de cerrar el ciclo. 'The Next Doctor', una aventura de un hombre de la época victoriana, encarnado por David Morrisey (State of Play), que asume la identidad del Doctor aburre por momentos y la trama parece tener más pinzas de las necesarias. Algo más interesantes son 'Planet of the Dead' (en los que salen Michelle Ryan la actriz del funesto remake de Bionic Woman y Daniel Kaluuya de The Fades) y, sobre todo, 'The Waters of Mars' que anticipan no sin poca intriga qué será lo que acabe con esta encarnación del Doctor. En el tercer especial, el más sólido de todos es muy curioso como se confronta la naturaleza de semidios del Doctor y su capacidad para intervenir en el transcurso de los acontecimientos, que termina por enlazar con el último de los especiale.

Dividido en dos partes, 'The End of Time' constituye una despedida agridulce. En primer lugar, por su planteamiento, que retoma a cierto enemigo cuyo retrato aquí resulta trasnochado y cansino, y en segundo, por un excesivo metraje en el libreto del propio Davies que lastra todo el conjunto. Los mejores momentos vienen de la mano de Wilf Mott (Bernard Cribbins), el abuelo de Donna, que se llevó buena parte de mi frustración inicial cuando terminé el episodio, y de la aparición estelar de Timothy Dalton como Lord Rassilon, en lo que conforma la guinda a la pasarela de caras conocidas de todo este año. Desde luego, el antiguo James Bond podría haber sido un Doctor muy digno.

Me reservo los detalles sobre la escena final antes de la regeneración porque con pocas palabras y simples gestos encapsula muy bien el carácter de este gran Décimo Doctor construido entre Davies y Tennant, que ahora nos dicen "Allons-y!"... hasta "Geronimo!".

Recordar los cuentos

2011-11-09T21:56:00.000+01:00

La ABC acaba de dar la campanada en la liga de las 'networks' con el producto más inesperado, después de un par de años intentando encontrar una nueva Lost con la que arrastrar audiencias fieles. Los responsables de Once Upon a Time, Edward Kitsis y Adam Horowitz, vienen de la cantera de guionistas de la isla, pero su apuesta se aleja bastante de cualquier intento de fenómeno mediático y narrativo para regresar a las bases mismas del arte de contar historias: los cuentos o fábulas de hadas, enterrados hoy en día bajo capas y capas de lecturas y remixes posmodernos, o eclipsados por otras narraciones a priori más adultas y complejas en sus planteamientos morales. No se trata, pues, de un género que esté muy de moda en una audiencia supuestamente de vuelta de todo, y más tratándose de una serie en imagen real y no animada donde el riesgo de caer en la cursilería y la ridiculez estética es demasiado alto. Con este cuadro, las estacas estaban preparadas desde el momento en que se anuncio el proyecto pero, viendo los resultados, se han tenido que guardar. Aunque cabe preguntarse, ¿por qué tanta alergia y prejuicio inicial?

Lo cierto es que a los cuentos no le sentó demasiado bien su traslado a los medios de masas de la mano de Disney. Lo que se ganó en difusión de estos mitos se perdió en complejidad al eliminarse una figura tan importante como la del narrador físico. Los cuentos provienen de la tradición oral y, aunque autores como los hermanos Grimm o Perrault compilasen en tomos las versiones más populares, siempre mantuvieron ese halo de oralidad que los hacía perfectos para ser leídos en voz alta ante una pequeña audiencia activa frente a la hoguera o en la cama. En esa lectura en voz alta se producía un diálogo en que el narrador, normalmente adulto, explicaba los porqués, completando el sentido didáctico del cuento. Siempre hacían falta al menos dos personas, el lector y el oyente, para contarlo. Al pasar al cine, esa interpretación del narrador adulto se esfumó, no había diálogo, de modo que todo el peso intepretativo recaía en el niño, que podía ver la película en solitario, así que necesariamente para que la moraleja quedara lo más clara posible, la historia y personajes se tenían que hacer más sencillos en su fondo. Los adultos fueron perdiendo responsabilidad en la transmisión de estos cuentos, de ahí que el género pasó a considerarse erróneamente "de niños" en otra simplificación de lo que, en realidad, son historias para todos los públicos.

Teniendo en cuenta este contexto, resulta curiosa la pobre consideración que tienen las historias para todos los públicos, como si esto fuera un síntoma de poca profundidad narrativa. Quizá sean éstos los productos más difíciles de crear por esa aspiración universal que tienen y que implica la construcción de una 'ficción multicapa'. No basta como en Terra Nova (una ficción familiar fallida en este sentido) con que cada personaje apunte a un target específico de la audiencia, sino que la trama debe tener distintos niveles de profundidad que conecten con un amplio espectro de público, desde los más pequeños de la casa hasta sus padres. Y esto, precisamente, es lo que consigue Once Upon a Time, además de resucitar para el medio audiovisual los cuentos de hadas sin traicionar su espíritu original de narración familiar o grupal, olvidándose de cualquier revisión radical de los mitos o de remezclas exhaustivas de la cultura de masas a lo Shreck.

De acuerdo con sus creadores en una entrevista con la crítica Mo Ryan, Once Upon a Time no pretende revisar nada sino intentar conocer aquello que no sabíamos de las fábulas clásicas: "Me gustaría saber por qué la Reina odia tanto a Blancanieves, por qué es mala, por qué Gruñón es gruñón, por qué Gepetto es tan solitario que tiene que construir un niño de madera. No estamos interesados en recontar los cuentos de hadas. Estamos interesados en las partes que tienen agujeros que necesitan ser rellenados, o en cosas acerca de las que quizás nunca se había pensado", subraya Kitsis. Sólo hace falta ver el capítulo dos o tres de la serie para caer en la cuenta de que por aquí van los tiros, pero no sólo eso, sino que a la vez todo esta conjurado en una estructura tan serializada que todavía hace más sorprendente que la ficción esté dando alegrías a los audímetros de los domingos en Estados Unidos (medía de 11,5 millones de espectadores y por encima de 3 en la demo comercial).

La historia de Once Upon a Time comienza cuando Henry (Jared Gilmore), un niño solitario y 'normal' que que, por fin, actúa de acuerdo a su edad sin resultar un adulto en miniatura o un niño pesado, se propone devolver la memoria a unos personajes de cuento anmésicos y atrapados en el ficticio pueblo de Storybrooke (Maine) por obra y gracia de la Reina Malvada (Lana Parrilla, Swingtown), que prefirió condenarse a ella misma y a todos antes de que Blancanieves (Ginnifer Goodwin, Big Love) fuera feliz completamente con el Príncipe Encantador (Josh Dallas). Sin embargo, para poder conseguirlo Henry debe convencer a su recién encontrada madre biológica, Emma Swan (Jennifer Morrison, House), una dura fiadora judicial, de que ella es la hija de Blancanieves y Encantador y, por tanto, la solución del problema. Todo ello, a menos que el rico señor Gold (Robert Carlysle), alter ego del siniestro Rumpelstilstskin, sepa más de lo que aparenta.

Con esta premisa de una realidad donde nadie recuerda quién es, Kitsis y Horowitz logran revitalizar el género, en lo que se convierte en una auténtica búsqueda de los orígenes que es literal en el caso de Henry y Emma, ambos niños que no crecieron con sus padres biológicos, y también metafórica, con todos esos personajes de cuento que viven inconscientemente siendo sombras de lo que fueron en la realidad de fantasía a la que pertenecen (Mary Margaret Blanchard es mucho más apocada que cuando era la intrépida y no tan santa fugitiva Blancanives). Éste es el drama en el que se ven inmersos los personajes y que conforma la capa adulta y no tan amable de la serie, que se hace presente desde los primeros segundos del capítulo piloto. Vivir en esta realidad, parecido a lo que ocurre en la teoría platónica de la reminiscencia, es el castigo, y la única manera de volver al mundo de las ideas, al que de verdad se pertenece, es ir recordando lo que una vez se fue a partir de las pistas que encontramos aquí abajo, en el mundo sensible. Y en el mundo de Once Upon a Time, esas pistas están en los cuentos de hadas, de los que sólo Henry es capaz de captar su significado oculto por su condición de niño, en consonancia con el loco de las tragedias griegas al que nadie hace caso. He tenido algunas conversaciones por Twitter estos días sobre el tema, y con Crítico en Serie llegué a la conclusión de que no importa demasiado el final feliz total tanto como que los personajes tengan pequeños triunfos que les den esperanza y optimismo de que las cosas irán a mejor, que al final del día es lo que mueve incluso al mundo en el que vivimos nosotros.

Once Upon a Time, a pesar de sus efectos especiales un tanto 'cromáticos', es un producto de los tiempos actuales, como prueban sus elecciones estéticas (por ejemplo, los guiños intertextuales a Lost y a todo el mundo de Disney, que para algo la ABC es parte del conglomerado del tito Walt), pero también lo es en cuanto a sus características narrativas (la ya citada realidad sin memoria) y el mensaje de fondo que a través de ellas pretende transmitir en una sociedad que atraviesa una crisis económica escalante, y que conecta con la función original que tienen todas las narraciones en su conjunto. En el episodio piloto, Kitsis y Horowitz se encargan de hacerla patente en boca de la propia Mary Margaret/Blancanieves en una autorreferencia meta para nada disimulada: "¿Para qué crees que son las historias? Estas historias, clásicos, hay una razón para que todos las conozcamos. Son una forma de lidiar con nuestro mundo, un mundo que no siempe tiene sentido".

Homeland, la pitón y la rata

2011-11-06T10:00:00.000+01:00

Una especie de esquizofrenia parece estar sacudiendo a los canales de cable este año, muy parecida a la que padece Carrie Mathison, la protagonista de Homeland, el doble éxito de crítica y público de la casa de los personajes chungos y borderline por excelencia: Showtime. Carrie, con su condición, podría acompañar perfectamente a Jackie, a Cathy o a la Botwin, pero su entorno recuerda más al de un producto serio de la HBO o la AMC sección Rubicon. Con Homeland estamos nada menos que ante un thriller de espías y conspiraciones en el que se relata la vuelta a casa de un prisionero de la guerra afgano-iraquí tras ocho años de cautiverio, y las sospechas que el feliz acontecimiento levanta en una agente de la CIA, para quien, previo chivatazo del enemigo, el aclamado héroe en realidad es una célula terrorista durmiente que Al-Qaeda ha conseguido infiltrar en suelo estadounidense, después de un buen lavado de cerebro. El argumento, adaptado de una serie israelí titulada Hatufim (Prisoners of War), no suena muy Showtime, pero ahí tenemos a la HBO emitiendo Enlightened, otro producto con un personaje extremo 'showtimero' interpretado por actriz de renombre (Laura Dern), o a Starz, el templo del exceso espartaquiano que se ha atrevido con Boss, un drama sobre la corrupción política de Chicago encabezado por Kelsey Grammer, que podría ir también en la parrilla de AMC. Lo dicho, el cable está patas arriba esta temporada.

Para desequilibrada la vida de de nuestra protagonista, Carrie, la agente de la CIA encarnada por Claire Danes. Brillante y pasadísima de vueltas, la actriz pone una mirada gélida, de reptil, al servicio de la paranoia de un personaje que no está para ejercer sus funciones ni mucho menos. Automedicándose en secreto y cuestionada por todos sus colegas y su mentor dentro de Langley, Saul Berenson (Mandy Patinkin, Mentes Criminales), Mathison opta por salirse de los canales y protocolos oficiales, y emprende su particular y obsesiva caza al terrorista, haciendo gala de una temeridad malsana, que está justificada por el estado mental del personaje. Su testarudez y empeño en derribar a Abu Nazir, un alto cargo de Al-Qaeda, hace que llene de cámaras la casa del sargento Nicholas Brody, el soldado rescatado y supuesto traidor de la patria interpretado por un Damian Lewis hermético y turbio, muy alejado de la imagen amable del sargento Winters.

Gracias a esos maratones a lo Gran Hermano que Carrie se pega en el sofá de de su casa (aunque pronto se le acaba la diversión), somos testigos de los primeros momentos de la lenta y dolorosa readaptación del sargento Brody a un hogar que ha cambiado demasiado en su ausencia. Su mujer, Jessica (Morena Baccarin, V), ha encontrado consuelo en los brazos del mejor amigo de Brody, el también militar Mike (Diego Klattehoff), mientras que sus hijos, la adolescente Dana y Chris, lo ven como un extraño. Esta trama se imbrica perfectamente con la de espionaje, ya que a través de las escenas domésticas de Brody (no ésas de sexo crudísimo e incómodo, sino las que Carrie no alcanza a ver), entendemos que la espía no puede andar desencaminada en sus teorías, por más que los hechos y los métodos más ortodoxos la pongan en entredicho.

Se produce un juego de apariencia y conocimiento incompleto que nos impide como espectadores tomar partido en favor del cazador o la presa. En un primer plano más evidente, vemos a Brody como la víctima de las obsesión invasora de Carrie, que no parece tener ni límites ni ética. pero en un segundo plano, los flashbacks de Brody y su comportamiento cuando está solo nos revelan que hay algo más oscuro y complejo por debajo de las cicatrices de guerra del soldado. ¿Quién es la serpiente pitón y la rata? ¿O estamos ante dos pitones disfrazadas de ratas? ¿O dos ratas? Sea como sea, ambos personajes protagonistas, o antagonistas según se mire, tienen más cosas en común de las que saltan a simple vista, y en su duelo psicológico podrían hallar ese entendimiento que claramente no encuentran en sus ambientes. Los dos son unos apestados; una por no plegarse a los intereses más burócratas de unos jefes que la toma por loca en sus indagaciones; y el otro, por ser un aparente pobre alma, al que el gobierno estadounidense utiliza como herramienta para su propaganda bélica. Pero, sobre todo, Carrie y Brody son seres transformados por una guerra global iniciada el mismo día en que cayó el World Trade Center, con todas las consecuencias que esta guerra ha conllevado a nivel personal, de países, y del mundo entero... Y de la industria audiovisual de la última década, como apunta Nahum.

Como buen thriller de manual acabamos montados en una montaña rusa, cuyas cuestas se ven todavía más acentuadas gracias a unos personajes poco fiables en el mejor sentido. No podemos adivinar cuál será el siguiente movimiento de Carrie o Brody lo que hace que asistamos a cada nuevo capítulo con ojos nuevos y preparados para cualquier sorpresa. En cinco episodios emitidos de un total de doce, Homeland, no ha bajado la guardia en ningún momento, encaramándose al podio (si es que no está ya en el cajón más alto) de los mejores estrenos de la actual temporada.

Velocidad de crucero, necesaria crítica sociopolítica e interpretaciones clavadas. Si ésta es la nueva chaladura de Showtime, bienvenida sea.

The Fades, fantasmas con sustancia

2011-10-31T21:16:00.001+01:00

Por si no quedaba claro que la BBC3 es un oasis dentro de la corporación para lo raro y arriesgado (muy en la línea de lo que hace E4, la filial de pago de Channel 4), el canal de Being Human ha vuelto a dar un giro de 360% a las convenciones del género fantástico. En The Fades, las criaturas elegidas han sido los fantasmas y los zombies y, al igual que ocurre con la serie de Toby Whithouse, ha sido un sólo guionista el encargado de repensar y construir toda una mitología en unos escasos seis episodios: Jack Thorne, un tipo que tardó nada menos cinco años en sacar adelante su idea, mientras se fogueaba con algunos de los mejores capítulos de Skins, otros de Shameless, creaba Cast Offs y coescribía This is England '86.

El punto de partida de The Fades es la típica historia de El Elegido que tantas veces hemos visto y escuchado, sólo que esta vez nuestro héroe es patético de verdad. Intentad buscarle un rasgo 'cool' sin contar con su frikismo que no lo tiene. Paul Roberts (Iain de Caestecker, Lip Service) tiene 17 años, se mea en la cama y su único amigo es Mac (Daniel Kaluuya, Pychoville, Skins), un freak de bandera obsesionado con E.T. y recitador profesional de citas cinematográficas. Muchos de los pesares de Paul vienen por ser el hermano mellizo de una de las chicas más populares e insoportables del instituto, Anna (Lily Loveless, Skins) pero, en realidad, el origen de las sábanas húmedas está en las pesadillas apocalípticas que lo asaltan todas las noches y en su capacidad innata para ver a los 'desvanecidos' ('fades'), los espírius de aquellos que nos han abandonado pero no han conseguido completar su ascensión al más allá.

Paul cree que todo esto es un gaje más de lo que conlleva ser un pardillo hasta que en una de sus escapadas con Mac presencia la pelea entre el 'fade' John (Joe Dempsie, Skins... parece que The CW no es el único canal que recicla actores) y Neil (Johnny Harris, TIE '86) y Sarah (Natalie Dormer, The Tudors), que resulta herida de muerte. Es entonces cuando Neil, un tipo turbio donde los haya, le informa de su verdadera condición: es un 'angelic' como él, un combatiente de esos 'desvanecidos' que están intentando romper el muro invisible que les impide relacionarse con nuestro mundo y que, por tanto, los condena a comportarse como meros espectadores impotentes de los acontecimientos que suceden a su alrededor. Los 'desvanecidos' liderados por John están luchando por hacerse visibles, materiales y tocar (vivir) otra vez sin sufrir daño alguno, mientras que Paul es reconocido como la llave maestra que puede acabar con este problema contranatura de una vez por todas. El 'angelic' total.

Estoy harta de que me confundan con la de The Walking Dead

La serie se toma su tiempo para introducirnos en las reglas del juego y en las complejidades de los protagonistas, lo que puede resultar, o bien, demasiada información para un recorrido de seis horas, o bien, un bajada de revoluciones al ritmo de la trama. Ni todos los 'angelics' tienen los mismos poderes, ni los 'fades' resultan ser los monstruos que sus enemigos quieren hacer ver. La idea de que el alma puede llegar a pudrirse mientras está atrapada aquí abajo, dotando a los 'desvanecidos' de un aspecto zombísitico conforme pasa el tiempo, es sólo uno de los detalles que hace diferente The Fades a otras historias de fantasmas del ramo. Esto último y la noción de que no hay más infierno que un mundo en el que no puedes participar crean una cierta simpatía y compasión por los supuestos malos que, en contrapartida, no existe con el personaje de Neil. Lejos de resultar un mentor para Paul, toma el papel del fanático que vive por y para la causa y al que no le importan los efectos colaterales.

El combinar la condición de guerrero 'angelic' con la vida privada es otro de los puntos que toca la producción, quizá con más fortuna en el caso de Paul que en el de Sarah. La búsqueda que emprende el 'fade' de ésta para buscar una forma de decir adiós a su ex marido Mark (Tom Ellis, Miranda), al que todavía quiere, no termina de cuajar con el resto de líneas argumentales, en parte por ciertas incongruencias en el personaje de Mark. Menos chocante es la relación que se establece entre Paul y Jay, la mejor amiga de Anna, pero la interpretación de Sophie Wu no está a la altura en muchas de sus escenas, lo que hace que el tema se resienta también. Los hogares desestructurados de Mac y Paul y Anna, van adquiriendo importancia conforme pasan los episodios, aunque tanto el padre polícia de Mac como la madre de los mellizos quedan relegados a un forzoso segundo plano al final.

Salvo el caso de Wu y un Tom Ellis bastante pétreo, estamos ante otra prueba de la mina inagotable de actores que son las islas británicas. Lo digo sobre todo por Daniel Kaluuya, que sse dedica a robar escenas interpretando a Mac, uno de esos personajes achuchables que tiene las mejores frases de la serie, ya sea como fiel escudero de Paul, o como pretendiente improbable de Anna. Por no hablar de los divertidísimos resúmenes que elabora al inicio de cada episodio, razón suficiente para no saltarlos antes de encontrarse con un 'opening' que en sí mismo encierra parte del concepto de la serie.

The Fades saca petróleo de unos medios aparentemente limitados, lo que no impide una impecable puesta en escena, con una fotografía acorde con la atmósfera de terror en la que se mueven los personajes, y con unos efectos especiales nada sonrojantes, capaces de provocar más de una sensación de asco en la mejor tradición de las historias sobre muertos vivientes.

Tal y como acaba la temporada, la serie pide a gritos la renovación. Las audiencias se han movido alrededor del medio millón de espectadores, lo normal tratándose de la BBC3, así que será cuestión de esperar al día menos pensando a que lo anuncien. De lo contrario, The Fades será otras de esas producciones 'desvanecidas' cuando justo las cosas estaban a punto de pasar al siguiente nivel.

Cuando la 'terra' está demasiado revuelta

2011-10-25T22:44:00.002+02:00

Aprovechando que esta semana Terra Nova se ha ido, como casi todas las series de la FOX, al banquillo a causa de los partidos de béisbol que está retransmitiendo la cadena del viejo zorro Murdoch, vamos a hacer un pequeño balance de lo visto en estos primeros cinco episodios.

Que mis expectativas con la serie se encontraran a niveles que rozaban el centro de la Tierra después de tanto retraso para retocar los efectos especiales y la propia narrativa, fue lo que me hizo acoger el doble piloto con más sorpresa catatónica que otra cosa. Eso, y el pésimo recuerdo de otro de los proyectos televisivos apadrinados por don Esteban Spielberg este año: Falling Skies (la referencia es superior a mí, lo siento). El viaje en el tiempo de una familia desde el apocalíptico 2149 a la época de los dinosaurios en busca de una versión de nuestro planeta más respirable, con Sol y Luna visibles, albergaba la promesa de una epopeya de ciencia-ficción con todas las letras. Epopeya en el sentido más 'cecilbedemílico' o 'camerónico', es decir, un despliegue de dólares en cada plano de la serie. Nada menos que 20 milloncejos costó el episodio de apertura, y viendo la textura de los depredadores digitales que exhibe Terra Nova, mucho me temo que los fajos no consiguieron cruzar el portal a lo Stargate por el que los peregrinos acceden a una nueva que labrar. Los dineros, no obstante, no fueron lo único que se quedo atrás en el proceso de producción.

La propia familia protagonista, los Shannon, parecieron tomar una terapia familiar exprés para solucionar el golpe que supuso que el patriarca Jim, un policía que rompió las reglas de natalidad teniendo otro hijo en secreto con su mujer Elisabeth, acabara con sus huesos en la cárcel durante dos años justo antes de escapar y unirse a la prole en el viaje temporal. Que Jim tardase minutos en reconectar con Elisabeth como pareja y con sus hijos, especialmente el insorportable Josh, en un montaje que gritaba 'corte, corte, corte' por los cuatro costados hacía evidente que desde arriba habían instado a Brannon Braga y compañía a cambiar detalles que oscurecían la trama hacía otros derroteros más terrenales y problemáticas parentales en las que el Spielberg cineasta es un maestro.

Terra Nova se parece mucho a la británica Outcasts en su premisa de autoexilio en busca de un mundo mejor por culpa del maltrato del hombre hacia su propio planeta, pero al incluir quedaba claro que no iba a tener las mismas altas pretensiones del fallido producto de la BBC. Lo cual no quita para que tuviera un potencial de convertirse en un buen drama familiar con todo lo que un drama familiar conlleva, mezclado con una atmósfera de ciencia-ficción. En lugar, de eso, se nos presentó algo totalmente diferente y descafeinado, y muy de postal. Confiaba en que después del piloto esto fuera a cambiar poco a poco, pero los siguientes episodios no han hecho mucho más. limitándose a crear amenazas externas en los que ambos padres, él como agente del orden, y ella como médico brillante ponían a prueba sus habilidades. Los niños son una parte más de la de decoración como las palmeras y se han dado pistas sobre un posible pasado turbio del jefe del poblado, el comandante Taylor, interpretado por el villano de Avatar, Stephen Lang. Poca cosa más

Los supuestos malos, los renegados 'sixers', son un cúmulo de tópicos, claramente representados por el hecho de que no se lavan y se pintan el cuerpo y la cara. Mientras tanto, la mayor amenaza, los dinosaurios, salen 0,3 segundos por episodio y tampoco se ha hecho demasiado por avanzar en la mitología de la serie, en el misterio de esa especie de petroglifos que parecen estar conectados con el comandante.

Con este panorama, los actores, entre los que destacan Shelley Conn (Mistresses) y Allison Miller (Kings) tienen escaso margen para lucirse, prisioneros de unos personajes a su vez constreñidos por una narrativa que no los deja desarrollarse como es debido. Muchos se quejaron de la importancia que se le estaba dando a la familia en la serie como algo negativo y susceptible de convertirse en un medio para lanzar moralina por un tubo, circunstancia que no es tan terrible aquí como en Falling Skies. Pero, en realidad, el problema está en algo tan simple como que esa familia y sus miembros no logran interesar por sí mismos quedándose, como los dinosaurios, en una ilusión de tridimensionalidad. Y, ojo que no me refiero a personajes sacados del tiesto, sino de una familia corriente con sus barreras en el día a día, y más, tratándose de un hogar reunificado en un mundo hostil.

Con unas audiencias estables en la noche de los lunes, pero lejos del bombazo que debería ser, terminaré de ver los trece episodios de esta primera temporada. Si al final es renovada, me lo pensaré a la hora de seguir con esta ficción, a menos que en los capítulos que quedan los productores decidan volver a meter la mano en el barro para cambiar algunas cosas. Otra vez.

Amanda se llamaba la bicha

2011-10-18T20:49:00.001+02:00

La venganza no entraba en mis planes para esta temporada. Con la cantidad ingente de nuevos títulos que ver, había que hacer criba a discreción y, entre las que se fueron al hoyo de forma prematura estaba Revenge (ABC). Sin embargo, los buenos comentarios y el entusiasmo con el que la recibieron algunos, me hicieron repensármelo y darle una oportunidad a esta historia de ricachos situada en la no menos rica zona de los Hamptons en la coste este de Estados Unidos. Y menos mal que no dejé que pasaran demasiados capítulos para empezar a verla porque, de lo contrario, estoy segura de que la serie se hubiera cobrado una 'vendetta' mucho peor conmigo enganchándome hasta límites insospechados y arruinándome el orden de episodios de otras ficciones que llevo en estos momentos.

Oh sí, porque Revenge, como todo buen culebrón, es una droga dura para quien lo prueba. Ya no digo si una tiene inclinación por este tipo de relatos enrevesados donde se pone a prueba el límite de las emociones y se espera cual águila el siguiente giro rocambolesco de la trama. El drama revelación de la noche de los miércoles bebe directamente del agua sucia de las mejores sagas familiares y sus personajes repletos de motivos oscuros que llenaron de entretenimiento horas y horas de televisión hace 30 años. TNT resucitará Dallas el próximo verano, pero Revenge aspira en serio a ocupar el trono de culebrón en el prime time del nuevo milenio. Este año también pulula Ringer en esta lucha de perras, pero la caniche de The CW ha entendido que es mejor dedicarse a la comedia, en lugar de codearse con rottweilers mordedoras. Y no lo hace mal en su nuevo cometido.

Hay mucha mala baba en Revenge, pero se las ingenia para presentárnosla con estilo y escondiendo en la medida de lo posible esa tendencia a la inverosimilitud de los culebrones. Ya que se trata de hablar de venganza, Mike Kelley (creador de Swingtown) aprende del Conde de Montecristo de Dumas y nos trae una historia de hundimientos de reputación, cárcel, regresos amargos, y mucho dinero en el bolsillo que gastar para devolvérsela bien a los que te la jugaron en el pasado. En corto, al padre de Amanda Clarke (Emily Van Camp, Everwood, Brothers and Sisters), David, le traicionaron unas cuantas personas en las que se encontraba su amante, nada menos que la Reina Victoria Grayson de los Hamptons (Madeleine Stowe, El último mohicano). Aparentemete inocente, a David lo enviaron entrerrejas y, usando contactos, lo separaron para siempre de su hija, que fue a parar a los servicios sociales y luego al reformatorio. Más o menos como el conde, Amanda sale de chirona con las manos llenas, en este caso, gracias a un antiguo protegido de su padre, un empresario llamado Nolan (Gabriel Mann) que le regala el 50% de su imperio tecnológico y un memorando de parte de su padre recientemente fallecido en donde le explica la verdad. Llamándose Amanda y siendo rubia, ¿pensaba el pobre hombre que su hija iba a perdonar?

Años de convivir con lo peorcito de cada casa han dotado a Amanda para convertirse en un auténtica máquina de la venganza. Calculadora y helada, se crea una identidad mucho más amable y le pone un nombre adecuado: Emily Thorne, la chica perfecta, estudiada en los mejores centros, joven empresaria de éxito. Durante la serie es una delicia maligna ver cómo la mujer lo tiene todo controlado hasta el mínimo detalle y, aquí otro de los puntos fuertes de la serie, abusa de la tecnología para hacer caer a los enemigos de su padre. No sabemos cuántas horas ha pasado craneando el plan, ni cuántos rotuladores gasta al día tachando cabezas, pero el 'uno por uno' se ejecuta a golpe de clic.

En este sentido, la serie lleva en los cuatros capítulos emitidos hasta la fecha una estructura que combina el serial con el procedimental al centrarse, por un lado, en las relaciones de Emily con los Grayson, y por otro, en el desgraciado al que le tocará sufrir cada semana la ira de Emily ayudada por su fiel Nolan, un personaje del que todavía no quedan claras sus intenciones bajo ese aura de salvador de los oprimidos y humillados. Tampoco sabemos en qué instante a Emily se le irá de las manos la situación, aunque desde el mismo piloto se nos indica que algo se sale de las previsiones de la joven, al abrirse la historia con el asesinato de nada menos, el hijo de Victoria, Daniel, en la misma fiesta de su compromiso con Emily, quien se había encargado de camelárselo, por supuesto. El relato a partir de ese punto viaja varios meses en el pasado para situarnos en la intriga que llevó a esos hechos, con lo que combinado con un ritmo infernal y unas interpretaciones en su punto justo, dan lugar a una serie que ya se ha ganado la temporada completa.

La inexpresividad de Van Camp le va que ni pintada al personaje de Emily, que, si no ha quedado claro con todo lo que hace, es un personaje bastante perturbado. Vive por y para su misión, así que cualquier gesto forzado que pueda aportarle la actriz, como una sonrisa, queda tan falso y espeluznante como las propias emociones del personaje. Nunca me ha gustado hablar de empatías, pero aquí nos encontramos sobre arenas movedizas. Aunque una se lo pasa en grande viendo como el plan de Emily funciona como un suizo, también es posible que la ambigüedad moral del personaje no le garantice un apoyo total. Es decir, ¿ella es la buena de la historia y Victoria la zorra que se merece toda la destrucción? Stowe, que se ha pasado todos estos años sin trabajar en la consulta del mejor cirujano, contribuye con toda su afectación habitual a que se dude de ella en el buen sentido. Al fin y al cabo, el guión deja claro que se trata de un duelo entre una bestia sin escúpulos consagrada contra una novata con tanta hambre que en su deshumanización puede superar a su mentora. El T-1000 contra Hulk: Emily parece un robot vacía por dentro, mientras que Victoria anda desbordada, aunque no precisamente de bondad.

Este intercambio de las emociones que van asociadas a la protagonista y antogonista de todo culebrón, es uno de los aciertos de Revenge, y lo que suaviza cualquier peligro de maniqueísmo en algunas acciones. Sabemos que Victoria es mala persona, pero ¿tan mala persona como para no desear que se haga con la cabellera de Emily si es necesario? Los guionistas se encargan muy pronto de pintarle algo de gris a la malvada, ofreciendo una aventura pérfida y entretenida que le hace un lifting a uno de los grandes géneros de ficción televisiva.

La segunda estación de Cathy Jamison

2011-10-02T22:25:00.001+02:00

ATENCIÓN: spoilers de la segunda temporada de The Big C.

Dicen que la meteorología, a veces, tiene mucho que ver con el estado de ánimo de quienes estamos bajo el cielo, y puede que sea también el caso de la segunda temporada de The Big C. En su momento ya me pareció bastante curioso que sus creadores comentaran que iban a hacer coincidir cada nueva entrega de capítulos de la serie con una estación del año, pero ahora se constata que la jugada no ha podido mezclarse mejor con el tono que ha dominado esta etapa.

Frente a un primer volumen veraniego, donde el buen rollismo conseguía derretir una situación tan adversa como el cáncer de Cathy, este año las temperaturas en el barrio residencial de los Jamison han caído a bajo cero. Ya la muerte de Marlene había avisado que "winter is coming", pero aún así el otoño no pareció tratar tan mal a los personajes de Sean y Rebecca, futuros padres, a Adam que se echó novia y hasta la propia Cathy, a la que el melanoma estaba dando una tregua y la oportunidad de conocer a un amigo como Lee, que resultaba ser una compañía menos espeluznante que la del fantasma de Marlene. Sin embargo, hacia la mitad de temporada Minnesota decidió seguir siendo Minnesota y demostrar por qué sus inviernos son tan conocidos. El tono de lo que veíamos se acercaba más hacia la tragediay todo pareció ir cuesta abajo y sin frenos: a Adam lo dejó su novia por un asunto de ladillas y se hizo amigo con una madura con problemas intepretada por Parker Posey; a Paul, el patriarca, lo despedían de su trabajo poniendo el mantenimiento del seguro médico en jaque; y Rebecca tuvo un aborto y, por tanto, Sean dejó de tomar la medicación. Por si no fuera suficiente, Lee no parecía mejorar y Paul, además de robar de su propio trabajo para llevar dinero extra a casa, se enganchó a la coca. Como he dicho, ¿estamos hablando de un producto que concursa en los Emmys de comedia?

Y aún así se trata de una temporada donde tantos sinsabores no afectan en absoluto al resultado, mucho más convicente que en la primera temporada, en el que todo parecía recaer demasiado en la figura de la protagonista interpretada por una Laura Linney que aquí se luce de lo lindo con el drama. Los personajes van más allá de la mera caricatura, en especial Paul y Sean, mucho más cercanos quizá por todo lo que les cae encima. Incluso novedades como la de Lee (Hugh Dany) hicieron olvidar las interacciones de Cathy con Marlene, aunque parece que Miss Jamison debe ser gafe para sus cercanos o algo. No bastó con la muerte de la vecina que este año también cayó la del recién llegado compañero de cata de vinos y fan de los maratones. Estaba claro que el final de Lee iba a ser ése, pero no se veía venir un último adiós tan emotivo y honesto en el que Cathy estuvo con él hasta el último aliento. Con esa despedida, el apartado de bajas estaba más que cubierto por este año. Sólo hacía falta que una Cathy nuevamente reconciliada con su hermano Sean corriera la maratón que le había prometido a Lee como última voluntad para echar el cierre a una temporada redonda. Cuánta equivocación.

Las señales de la deblace se habían ido mostrando a lo largo de los capítulos anteriores, pero quizá fue la poco misericordia en eliminar otro personaje lo que más chocó en la muerte de Paul, vícitima de un infarto inducido por esa última raya combinada con la desesperación con la aseguradora. La crítica al sistema de salud estadounidense está ahí presente cuando Paul consigue llegar a tiempo para ver a su mujer derrumbarse sobre la meta... en compañía de los fantasmas de los otros dos fallecidos. Y Cathy pensaba que habían venido todos (menos Andrea) a verla...

¿Conseguirá la primavera levantarnos a todos la moral?

Pan Am, un piloto que sí va por las nubes

2011-09-27T20:01:00.000+02:00

Después del fiasco que supuso la apuesta sesentera de la NBC con las conejitas, había que subirse en el jet de la ABC, que también echa mano de los iconos de la época y saca del baúl los uniformes de las azafatas de una de las aerolíneas más famosas del mundo: la Pan American World Airways, la Pan Am, que hace exactamente 20 años fletó su último avión víctima de los números rojos. La compañía vivió después un par de intentos de vuelta, pero Pan Am se centra claramente se centra en su etapa de esplendor, de cuando era la referencia en tecnología aeronáutica y otros competidores, como la TWA del mismísimo Howard Hughes (el de la peli de Scorsese y DiCaprio), se esforzaban en hacer un poco de sombra al monopolio que ostentaba en el espacio aéreo transatlántico.

Pero la serie no pretende convertirse en un retrato fiel de los intríngulis comerciales de la Pan Am, sino evocar a la nostalgia de unos años, los sesenta, en los que reinaba el optimismo gracias a la buena marcha de una economía por fin recuperada de sus achaques tras el fin de la II Guerra Mundial y con unos Estados Unidos que confirmaban su posición de súperpotencia en Occidente. Ese buen ambiente era el caldo de cultivo ideal para la venta de ilusiones y, por entonces, no había mayor ilusión que la de montarse en un avión y ver el mundo. Volar se convertia en un ritual místico y excitante que unos pocos se podían permitir, en el que pilotos y azafatas eran testigos privilegiados y envidiados por los que se quedaban en tierra. Ambas profesiones, además, traían consigo una imagen de progreso, libertad y riqueza atractiva para niños y, sobre todo, niñas (esa imagen de la pequeña frente al puente de embarque). La promesa del glamouroso "hoy me acuesto en Nueva York y mañana me levanto en Tokio" ofrecía una oportunidad de evadirse de la rutina de madre y esposa a la que se veían abocadas las mayoría de las jóvenes con posibles de la época y suponía una buena fuente de ingresos para las más modestas. Convertirse en azafata (y más de la Pan Am) era, en definitiva, el trabajo soñado en la Gran Manzana de 1963, año y lugar de arranque de la serie.

El piloto de Pan Am cumple a la perfección a la hora de presentar este panorama de escapismo y a sus protagonistas, unas azafatas que son reflejo de muchos de los cambios sociales y fantasías de las mujeres de entonces. Por un lado, se encuentran las dos hermanas Laura y Kate (Margot Robbie y Kelli Garner), la primera, una chica dócil recién salida de su burbuja de futura ama de casa de suburbio, animada por la segunda, claramente la oveja negra de la familia por vestir el uniforme azul de la Pan Am y que encima es reclutada por la CIA para actuar como mensajera en plena Guerra Fría. Por otro lado, está la pizpireta Maggie, interpretada por un Christina Ricci recuperada para la televisión tras Ally McBeal, de la que en este primer capítulo se dan pocos datos, pero que aparenta la típica universitaria neoyorquina con inquietudes políticas. Y en último lugar, está el personaje de Colette (Karine Vanasse), una francesa que encarna el viejo mito de la azafata con relaciones sentimentales difíciles.

Usando flashbacks de una forma muy orgánica se nos van presentando estampas del pasado de todas las chicas que ayudan a situarlas en el momento presente a la vez que ayudan a aumentar su interés como personajes. Pero la mirada no sólo se dirige a las reinas de la cabina de pasajeros, sino que también se centra en los mandos del avión. El piloto Dean (Mike Vogel), al igual que Kate, apunta a que llevará el peso de la trama de misterio y espionaje de la serie, que de momento se ve eclipsada por un increíble despliegue técnico destinado mostrar el ritmo de vida de las azafatas y el lujo de los recién estrenados Jet Clippers de la aereolínea. El diseño de producción se eleva a niveles insultantes y se ve animado por una estupenda selección musical plagada de clásicos, con Sinatra a la cabeza, que se funde con el tono alegre de la serie. Sin duda, estamos ante una serie cara (se comenta que el piloto costó 10 millones de dólares), pero que los buenos ratings de su estreno en la ahora infernal noche de los domingos pueden hacer que se mantenga en parrilla. Hacen falta series como ésta en una 'network' y ahora que la cadena del abecedario dirá adiós a Desperate Housewives esta temporada puede aliviar el frente de los costes que le acarrea esta apuesta.

Por ahora, todo resulta muy de color de rosa en Pan Am, pero tampoco se han dejado de lado referencias a la cara menos amable ¿y real? de la situación que se nos presenta en pantalla (esas fajas obligatorias, la renuncia forzosa al puesto de trabajo una vez casadas...). La serie tiene todos los ingredientes de una producción entretenida y ligera, pero cuenta con unos personajes con capacidad para equilibrar la balanza de excesos de la 'beutiful life' en próximos episodios. Pero en un mundo donde las propias aerolíneas se esmeran en recordarnos las miserias de volar, nunca está de más una historia que nos recuerda un tiempo en el que ocurría lo contrario.

El fantasma de Fringe

2011-09-25T17:28:00.002+02:00

Si lees esta entrada sin haber visto la premiere de la cuarta temporada de Fringe, y sin haber terminado la tercera de Alias, puedes quedarte atrapado una dimensión de spoilers para siempre.

Ahora que lo pienso, podría haber hecho un desglose de cada una de las tres primeras temporadas de Fringe, pero el maratón que corrí fue tan duro que quedé exhausta y me ha pillado el toro del estreno de la cuarta entrega. Así que en esta entrada iré un poco por encima de todos los sucesos que han pasado.

No diré nada nuevo si digo que la segunda temporada es mi favorita. Sobre todo, por unos últimos doce episodios que no hacen más que correr hacia adelante llevando a los personajes hasta situaciones que los obligan a enfrentarse a un pasado que ha determinado lo que son ahora. Pensaba que poco más se le podía pedir a Fringe después de esa colección de episodios inciada por 'Johari Window' (2x12) hasta 'Over There Part 2' (2x22), pero la historia cruzó al otro lado y forzó de nuevo a sus protagonistas a luchar, pero esta vez contra versiones paralelas de sí mismos que no son más que una materialización de sus propios miedos, defectos, o carencias. Sin ir más lejos, ahí está esa Olivia pelirroja, desinhibida y muy segura de sí misma que se filtra en la vida de la Olivia que nosotros conocemos, en lucha constante por saber abrirse a los demás, pero también más prudente y compasiva que su alter ego.

La brillante primera mitad de la tercera temporada se encargó de poner la semilla de la duda entre aquí y allá, entre quienes pensábamos que eran los malos y quienes parecían los buenos. Por momentos, me vi apoyando la causa de Walternate, un tipo mucho más maquiavélico que Walter, pero con una buena razón para hacer lo que hace. Tampoco ayuda, claro, que tanto Noble como Torv también lo borden cuando se meten en la piel de los dobles.

Quizá sea la falta de doppelgänger con el que comparar, o más probablemente, un descuido del guión, lo que ha ido lastrando a Peter al contrario de lo que ocurre con los demás. Para tratarse del personaje central, motivo (nada más y nada menos) por el que se ha roto el equilibrio entre realidades, no he visto ninguna evolución en su personaje aparte de la relación con su padre y su progresiva apertura mental con los acontecimientos que sucedína a su alrededor. Ojo, que no es poco, pero tampoco es suficiente para que la palabra 'plot device' no aparezca en escena al mismo tiempo cuando lo hace él y, mucho más, desde que se le ha colgado el cartel de elegido en el giro más Alias que ha tomado toda la serie. Jugar con elegidos supone un riesgo, y es que ése elegido tiene que demostrar algo por lo que es el elegido, de lo contrario, no resulta convincente como tal. Ya que he mencionado la serie de espías, y en Fringe no se cortan con las referencias (ese manuscrito), siempre he pensado que las claves del personaje de Sydney Bristow se han dividido entre Peter y Olivia. Así, el primero obtiene todo el aspecto profético del personaje y la disfuncional dinámica con su padre, mientras que la segunda, además de la pérdida de seres queridos (prometidos y madres), se queda con toda su capacidad profesional y una infancia dura en la que no faltaron los experimentos secretos de los que la niña no se acordaba. En Olivia, incluso, se advierten funciones de 'Pasajero' similares a las de la hermana de Sydney, Nadia.

El problema está en que no hay carisma en Peter que compense el hecho de que Olivia se lleva gran parte de las cualidades, porque aquí queda claro que ser el centro de todo no suma si no has mostrado de antemano que tienes más cosas en la cartera. Hasta la tercera temporada vi a Peter simplemente como el interés amoroso de Olivia, aunque aquí también tengo mis reservas, porque se le intenta dar un sentido de romance épico que no se sostiene porque no hay nada que lo avale en pantalla. Otra vez, vuelvo a Alias. Puede que el personaje de Vaughn no fuera el más interesante por sí mismo, pero adquiría sentido a través de su historia con Sydney, que resultaba muy creíble porque venía refrendada por escenas donde se mostraba una complicidad que iban in crescendo. En Fringe intentan construír esto de forma más sutil (tan sutil que parecen hermanos durante gran parte de la serie), pero no funciona porque no hay picos de tensión que lo preanuncien. Aquí se limita simplemente a pasar y lo hace de forma muy poco natural y, con líneas de diálogo que hablan de algo que no se ve.

Por eso, ahora que la cuarta temporada de la serie ha comenzado reseteando su disco duro de forma prometedora, tengo la expectativa de que la pregunta "Where's Peter Bishop?" no se quede en un simple "Who killed Rosie Larsen?" de excusa. Además de arreglar de forma convincente el borrado espacio temporal hecho por el Observador, y de sacar al personaje del estado fantasma literal en el que se encuentra ahora mismo, los guionistas también podrían aprovechar para darle un poco más de vida a Peter y hacer sudar un poco a la interpretación de Joshua Jackson.

Pilotando The Playboy Club: De exclusivo, nada

2011-09-20T22:37:00.002+02:00

"Don't let the fluffy tail fool you". Hasta el estilo del lema promocional es único.

La NBC nos ha dado la llave del primer club que Hugh Hefner abrió en su Chicago natal allá por 1963 y, contra todo pronóstico, hemos encontrado un local frío, casi helado glaciar. Al tratarse de un drama de network, no esperábamos tampoco que The Playboy Club fuera un fiel reflejo en la ficción de toda la lujuria que implicaban las conejitas del viejo Hef en la época, pero se ha quedado muy lejos de unas expectativas moderadas. El ínfimo aprovechamiento de la erótica, no obstante, es la punta del iceberg de un piloto que hace aguas por todas partes y no es capaz de disimularlo.

Desde el trailer mostrado en los 'upfronts' de mayo, se ha hecho muy difícil deshacerse de la sensación de que algo no estaba bien en el reparto de la serie. Y no me refiero a Amber Heard, que, por físico resulta verosímil como Maureen, la conejita recién llegada al club, sino al portagonista masculino, Eddie Cibrian. A Cibrian le toca interpretar a Nick Dalton, el típico abogado triunfador, archiconocido, con ambiciones políticas y con conexiones con la mafia que, supuestamente, tiene que provocar un coma profundo a cualquier mujer que se cruce en su camino. La seducción se queda en intento frustrado (prueba: estoy despierta) porque la responsabilidad del papel le queda enorme a un actor al que la frente le debe estar doliendo de tanto fruncirla para dar la impresión de tipo interesante con peligro. La sombra de Jon Hamm con su Don Draper de Mad Men es alargada y los responsables de casting debieron quedarse con la peor de las coplas al adjudicarle el personaje a Cibrian. Es probable que en manos de otro actor, y con otro peinado, Dalton no hubiera tenido esa fachada de remedo de Draper, que hunde más la imagen de la serie con vistas a callar bocas en las comparaciones con los publicistas de Matt Weiner. Tampoco está de más destacar que el efecto nocivo se multiplica al ser su presencia bastante notable en este primer capítulo donde, en general, el nivel de actuaciones se mueve en el aprobado raspado.

Maureen se ve envuelta desde los minutos iniciales en una trama de asesinato al cargarse en defensa propia al capo mafioso de la ciudad, que pretendía violarla. Dalton que, claro está, ya le había echado el ojo a la conejita, la ayuda a deshacerse del cadáver, beneficiando de esta forma a su carrera para fiscal del distrito, porque, casualidad, el muerto era también su padrino en la familia y eso no queda bien. A partir de ahí, es natural que los esbirros del mafioso, se pasen por el club a hacer (poca) presión, mientras vemos como se empieza a desarrollar paralelamente una tensión de celos entre la novata Maureen y Carol-Lynne, la conejita estrella y amante de Dalton, que ve amenazado su puesto en las dos madrigueras.

Para lo que exige una historia de este estilo, la ambientación resulta demasiado aséptica. The Playboy Club necesita más suciedad, más garra sitúandose nada menos que en una Chicago heredera de una tradición criminal. El piloto no hace más que insistir en que el club y la mansión representan un bonito escape de la realidad de aquellos años y, aunque se ve un esfuerzo en ver cuál es esa realidad, queda eclipsado por escenas que, por repetitivas, hacen que la fantasía resulte de plástico. Quizá no era necesario que el primer capítulo viésemos fiestas en el club y la mansión animadas ambas por unos jóvenes Ike y Tina Turner. Quizá hubiera estado mejor ahorrarse algunos cartuchos de glamour para más adelante, y así no dejar el tema de la organización clandestina de activistas gays en una subtrama diseñada a conciencia para cubrir de aquella manera la cuota histórica de la serie.

Los pésimos 5 millones de espectadores y 1.5 de rating en la demo levantados por la premiere no auguran mucho margen de mejora a esta producción con la que el pavo de la NBC esperaba lucir plumas tras un lustro de humillaciones en parrilla. Que no se diga que esta vez que la cancelación vino por la controversia de enseñar carne en la franja de las 10 de la noche.

Cromas mágicos

2011-09-17T00:44:00.001+02:00

El otro día comentábamos por Twitter la prisa que se daba The CW en estrenar toda su pólvora en las dos primeras semanas de septiembre en lugar de hacerlo como el resto de networks a finales de mes. Claramente esto obedece a un motivo tan sospechoso como que sus series tienen la calidad de unas gafas de sol del top manta y, por tanto, hay que aprovechar que no pasa todavía ningún poli de paisano por ahí (léase el resto de networks y canales de cable) para hacer negocio antes de tener que salir por patas. Más o menos ésta es la sensación que se confirma tras ver esta semana los dos pilotos de las grandes novedades de la cadena verde para esta temporada recién inaugurada: Ringer y The Secret Circle.

Ringer, el esperadísimo regreso de Sarah Michelle Gellar (o SMG para los amigos, que tu nombre se pueda resumir en siglas es un indicador de tu divismo) a la televisión tras Buffy ha provocado una sucesión de chascarrillos esta semana por razones extranarrativas. O bueno, quizá no tanto si paramos a pensarlo con detalle. El caso es que, al igual que ocurriera con el humo omnipresente del piloto de The Vampire Diaries, el departamento de efectos especiales ha vuelto a ser la víctima gracias a un cromatín parapetado en una escena marítima que debió de haber sido rodada en el jacuzzi de la Gellar, a tenor de la falsedad de las nubes, la ausencia de gaviotas y la combinación de viento desaforado y un aura brillante que rodeaba la silueta de la actriz. Y no, no se trataba de rodar la aparición de una santa. Cuando creíamos que nada podía superar a los cromas en primetime de la nave nodriza de Anna en V remake (ABC, 2009-2011), aquí tenemos la prueba cutre y patillera de que "impossible is nothing".

Más allá de la pantalla verde, de imposible también encontramos bastante en un piloto donde se desafían las reglas del giro de guión por metro cuadrado. Bajo la architrillada premisa de un intercambio de gemelas idénticas (una, Bridget, ex prostituta dogadicta que busca redimirse, y la otra, Siobhan, ricachona con casa en los Hamptons pero mala persona), en el piloto se dan cita todos los clichés a los que podemos asistir extendidos en un culebrón de 200 capítulos. Desde amantes, hijastras rebeldes, embarazos fake, desapariciones hasta situaciones de peligro de muerte... Todo eso se cuela en apenas 40 minutos decorados con espejos que, más que ayudar a una Gellar oxidada a diferenciar las expresiones de una y otra hermana, contribuyen a desorientar el pobre cerebro tras semejante acumulación de hechos.

Quizá la búsqueda de sentido a este desaguisado y, honestamente, la alta y divertida sensación de entretemiento' trash' de sábado 'antenatresero' sea lo que me haga repetir con el segundo episodio. Eso y la duda de si no había nada en la BBC para que Ioan Gruffud (Andrew, el marido magnate de Siobhan) haya tenido que aceptar este trabajo alimenticio. Aspirante a placer culpable (otra más), yo te saludo.

Y me temo que también habrá que hacerle sitio a las brujos adolescentes de The Secret Circle, que, tan sólo por su temática y la ligereza de su primera parada ya han conseguido hacer que me pique la curiosidad, al margen de que el aquelarre lo montan los mismos hechiceros de The Vampire Diaries. Sin embargo, al contrario del repelús que me provocó el piloto de ésta (tanto como para no sucumbir ni siquiera tras los comentarios de que la serie mejora), la llegada de Cassie Blake, después de la muerte de su madre, a la casa de su abuela en el pueblo costero de Chance Harbor para descubrir que pertenece a una estirpe de brujas de 300 años, me ha entretenido lo bastante como para volver. Tampoco es que haya que hacer la cuadratura del círculo para superar a aquel desproposito, pero en este primer capítulo se ponen las piezas para llevar un producto sobrenatural digno dentro de las previsibles tramas y arquetipos que se nos presentan en el frente 'high school' liderados desde el minuto uno por unos potenciales cuernos y la aparición de la siempre necesaria bitch, interpretada por Phoebe Tonkin, una de las (por si no estábamos cargados ya de basura y aires de Antena 3) sirenas de H20.

Tonkin interpreta a Faye, que, además de perra del infierno, también es bruja, como casi todos en el pueblo (si por algo en los libros el sitio se llama New Salem...), y no hace falta decir que el personaje le da cien vueltas de Cassie , a la que aparte de ser buena sin más , tampoco no ayuda que la encarne Brittany Robertson, por eso de que vivimos con el temor de que le salga el ramalazo de la insoportable protagonista de Life Unexpected. Ella dos forman parte de un círculo de seis jóvenes brujos (dos chicos y cuatro chicas, esto no es como la paridad de Friends) que con la llegada de Cassie se ve completo y habilitado para que sus miembros aumenten y controlen sus poderes a espaldas de lo que queda de sus progenitores, que perdieron a sus respectivos en una de esas sesiones y reniegan de la magia desde entonces... Salvo dos de ellos en concreto que tienen unos planes muy oscuros que involucran a ¡sorpresa! Cassie. Por supuesto, que, entremedias, a la novata aún tendremos que aguantarla unos capítulos más con su crisis de "yo no soy bruja" y "no voy a sucumbir a Adam el novio de Diana, la líder, que no se merece que le haga esto porque me trata genial, no como Faye".

Hablando de maromos, el tal Adam no es otro que Thomas Dekker, el amigo de la porrista de Heroes y John Connor en las crónicas de su madre. Decepcionante tratándose de The CW que un cañón en extrañas horas bajas como Gale Harold (Brian Kinney en Queer as Folk), en calidad de villano de la función, arranque más suspiros que el supuesto 'hottie' de la serie por mucha mirada intensa 'cullenesca' que lance. Será el síndrome de abstinencia de Harry Potter pero, por el momento, estoy dispuesta a jugar a adivinar qué artista suena en qué momento con esta serie que ha comenzado con buen pie en los ratings tienendo a los vampiros de Mystic Falls como 'lead-in'.

'Anchounia' de Bon Temps

2011-09-14T01:05:00.002+02:00

Si no quieres beber una sangría de spoilers de la cuarta temporada de True Blood, deja de leer a la de ya.

Si Alan Ball no hizo el conxuro da queimada en su serie en esta cuarta entrega de True Blood es porque, que se sepa, no ha visitado Galicia nunca. De lo contrario, hubiera metido alguna referencia además de colar por ahí a la Santa Compaña en los caminos de Bon Temps. Total, ¿qué más da por añadirle un ingrediente más a la macedonia de lo sobrenatural en la que se ha convertido el hit de la HBO? Vampiros, cambiaformas multianimal, hombres lobos, hombres pantera, hadas y, ahora meigas... Bueno, en realidad, brujas y 'bruhos' que, a tener lo vivido, sólo irían a firmar a un examen de español básico del Instituto Cervantes.

Un dato inaudito teniendo en cuenta que la grandísima villana de esta entrega resulta ser coetánea del padre del Quijote, sólo que en vez de morir en una hoguera de Alcalá de Henares, lo hizo en una de la capital de La Rioja. El espíritu de la nigromante Antonia Gavilán de Logroño se encargó de poseer el cuerpo y compartir consciencia con Marnie (la Tía Petunia de Harry Potter por fin cumple su sueño de soltar maldiciones), una bruja de esas normalillas y que podría salir en un canal echando cartas de madrugada, pero con la que comparte un odio visceral por los chupasangres, que, en el pasado se infiltraban bajo las sotanas inquisidoras que gustaban de asar a las brujas cuales pollos. Antonia se encargó desde las llamas de sacar a los vampiros de sus ataúdes para que todo el mundo supiera de su existencia y, claro, cómo para no ganarse un hueco por derecho propio en la historia vampira...

'Anchounia' ha llevado ella la sola la batuta de una temporada delirante, mucho más consistente (¿este adjetivo es válido para hablar de True Blood?) y choteada de la cabeza que la anterior, donde sobrasalía un tal Russell Edgington, el antiguo rey vampiro de Mississippi y Louisiana, que volverá de entre los cementos el póximo año tal y como se vio en una season finale plagada de promesas y sorpresas en la mejor tradición 'whatthefuckeante' de esta serie. Con todo, la finale no pesa lo mismo que los once episodios que la preceden, donde se fueron acumulando un sinfín de tramas engorde como un buen menú fritanga del Merlotte's.

Digno de abuso de morfina fue todo el tema de la rama 'were' de la serie. A saber: Alcide y su mujer, Debbie, la loba drogata; Sam y sus problemas con su hermano Tom alias Minisam; MiniSam y la madre de Hoyt a la que tima; el triágunlo Sam y la profe cambiaformas y el líder lobo que se lo quiere comer porque le ha quitado definitivamente a la chorbi; Sam y el absentismo laboral de Sookie... Ah, que esto último no era, pero contad cuantas veces aparece el nombre de Sam en estas líneas y será fácil hacerse una idea de cuánto ha chupado cámara él (el pronombre también cuenta) y las movidas que lo rodean. Por supuesto, no nos podemos olvidar tampoco de las panteras chabolistas que violaron a Jason, al que pretendían convertir en semental del poblado, aunque ahora parece que tendrá esa oportunidad el reverendo Newlin remasterizado en vampiro.

El joven Stackhouse poco ha hecho este año aparte de conseguir vía extorsión su licencia de ayudante de sheriff en ese año (o minutos, según se mire) en el que Sookie se pasó en el mundo de las hadas mirando cómo gente se comía bombillas de bajo consumo subvencionadas. Sé que a esa familia le gusta más un vampiro que a un tonto un lápiz, pero True Blood no puede caer en rutinas más allá de la Rutina que interpreta a Tara. Jason es el pichabrava oficial de esta serie y el único fiel a su cuota de enseñar cacho sí o sí, pero ¿liarlo con Jessica? ¿Y más después de que ésta rompiera con Hoyt? Muy forzado por mucha lujuria de sangre y ganas de jugar a los pornodisfraces que hubiera. Además, Jessica lleva pidiendo a gritos un arco alejado de diatribas amorosas como se pudo ver en ese par de capítulos donde hizo equipo con su maestro Bill para combatir la avalancha de Logroño.

Aquí donde lo afirmo, Bill me ha parecido de lo mejorcito de esta temporada desde su butaca de rey pelele de Louisiana, mostrando un lado pseudoautoritario muy distinto de la empalogosidad de lo suyo con Sookie, ahora dedicada a practicar posturas con un Eric desmemoriado por Antonia (lo que ha hecho esta señora por quienes queríamos ver a esos dos juntos...). Incluso ese homenaje a Sid Vicious con eyeliner hasta los colmillos que se marcó en un flashback al Londres punk de principios de los 80. Lo único reprochable es que, dentro del absurdo que se estila por estos lares, ver morir en sus manos a dos vampiras más poderosas que él resultó tan patético como los medios utilizados para ello. Echaremos de menos a la reina Sophie-Anne, personaje desaprovechado donde los haya, y a la Flanagan, que prometía rebelión para el próximo año antes de acabar estacada en un decisión procedente del trasero de Alan Ball en el último segundo antes de meterse en el retrete a pensar.

Eric en modo dulce tiene su aquel como su reverso tenebroso, aunque queda patente que sin polvo de hada en vena, Sookie no se comería un rosco en ninguna de las dos versiones del vikingo. A la no-camarera sólo le faltó ponerse a jugar al 'pito-pito (no pun intended) gorgorito' con los dos chupasangres para ver con cuál de los dos se quedaba. Alcide, desde luego, hace una labor de caridad ayudándola a decidir y fijo que le estará eternamente agradecido por haberse cargado a Debbie después de que ésta (pincha en el link bajo tu responsabilidad. SPOILER) le volase la cabeza a Tara.

Al final, parece que la prima de Lafayette está hecha para sufrir porque ni la novia streetfighter que se echó ni los aquelarres con Antonia han evitado un destino trágico. Esta temporada Tara al igual que Bill, ha estado más soportable de lo habitual, así que me daría pena que se fuera, todo lo contrario a lo que pasó con MiniSam. Más igual me ha dado la muerte del 'bruho' Jesús, al que no le salvó ni la máscara azteca de sus ancestros ante su novio Lafayatte, embutido en seda japonesa y poseído por Marnie.

El cliffhanger del penúltimo episodio, el de la derrota de Marnie, debería hacer sido la auténtica traca final viendo la chusca manera en cómo se resolvió esta última posesión, fantasma de la abuela de Sookie en camisón mediante. De todos modos, el pobre Lafayatte ya había puesto su cuerpo en alquiler a lo Odamae Brown desde que la chica negra, sirvienta de los Bellefleur en los años 30, también se le metiera dentro para perseguir al hijo diabólico de Arlene, a la que rizando el rizo se le aparece René para advertirla. ¿Qué será lo esconde Terry? Con Scott Foley de por medio, nada bueno, seguro. De verdad, voy a empezar a pensar que Shonda le ha pasado el teléfono a Ball para que lo contrate y dé el callo en esta serie también...

Como esta entrada se está haciendo más larga que un capítulo de la serie protagonizado por Sam, vamos a cerrar con el estado de la cuestión con vistas a la próxima temporada. Así de primeras parece que nuestros colocones de 'V' más intensos se pueden hacer realidad viendo la limpia de personajes que nos ha dejado la season finale, pero las preguntas se reproducen por esporas:

¿Cómo la liará Russell?
¿El lobo acabará con el linaje de Merlotte's de una vez por todas y, lo que es peor, Sookie podría heredar la gerencia del bar y llevarlo a la ruina por negligencia?
¿Sookie será "inteligente"y se irá a que la huela Alcide?
¿Veremos a Jason de vampiro?
¿Tara muere de verdad o vendrá sufriendo también como chupóptera? ¿O se atreverán a abrir la veda de los zombis con ella?
¿Morirá el personaje de Scott Foley en el primer episodio?
¿Se creará un ejército de hados descendiente del sheriff Andy que permita por fin ver a hadas más de cinco minutos?
¿Seguirá diciendo Pam aquello de 'fucking Sookie'? Seguro.

...Y así continuaríamos hasta llegar a Logroño.

PD: Recomiendo encarecidamente ver esta serie en compañía o en un chat en línea. El triple de diversión :)

Aquí hay noticia

2011-09-10T00:40:00.001+02:00

- El caso Elms es trágico, pero no es noticia. Es hora de acabar con él.
- ¿Acabar?
- Una historia demasiado personal.
- ¿Qué son las noticias sino algo personal, Clarence?
- Todo es personal, de otro modo, ¿para qué escribir sobre ello?

Reproduzco este extracto de un diálogo de The Hour porque creo que en él se encuentra el quid de lo que ha sido la gran serie de este verano que ya termina. Una producción que la BBC podría haber estrenado perfectamente en otra estación del año o emitirlo en su primer canal, en vez de en el segundo. El relato de lo que ocurre alrededor de un programa semanal de noticias, innovador en sus planteamientos para que lo que estaba acostumbrada la BBC en octubre de 1956, en las medianías del estallido de la guerra del canal de Suez, trae de nuevo a la palestra viejos compañeros de pupitre como son las conspiraciones y el carácter osado de periodistas que las persiguen sin descanso.

Uno de esos periodistas es Freddie Lyon (Ben Winshaw), una especie de 'enfant terrible', lleno de talento, pero desbordado por la pasión e incapaz de mantener el pico cerrado cuando debe, lo que le inhabilita para hacer pasillos y, por tanto, le coloca en la lista negra de cualquier productor cuando piensa en repartir responsabilidades. Sin embargo, su momento de oro llega cuando su mejor amiga Bel Rowley (Romola Garai) tiene la oportunidad de dirigir The Hour el nuevo programa de la cadena, con el que directivos de la misma pretenden ofrecer una imagen moderna de la coporación, empezando por la decisión de poner al cargo a una mujer. Ambos amigos, por razones distintas, tienen la oportunidad de probar lo que valen avalados por la figura paternalista de Clarence Fendley (Anton Lesser), el enlace con los mandamases, que de alguna forma han logrado enchufar a un tipo de la alta sociedad británica con dudosa experiencia llamado Hector Madden (Dominic West, conocido mundialmente como McNulty para los que han visto The Wire) para que presente el informativo. Pero todo se empieza a torcer cuando una vieja amiga de la infancia de Freddie contacta con éste consumida por los nervios justo antes de antes de ser encontrada ahorcada en su bañera.

A partir de este momento, la guionista de la serie, Abi Morgan (también detrás del libreto del 'biopic' de Margaret Thatcher con Meryl Streep), no se da prisa en acelerar la acción en los seis episodios de los que dispone, pero tampoco escatima en llenar la pantalla de detalles (anacronismos lingüísticos aparte) pesa y pequeños progresos que sumergen al espectador en una frondosidad temática en la que tienen cabida el espionaje; el panorama político de la Guerra Fría; las tensiones entre el ansia controladora del poder político y la necesidad de dar una información veraz, justa y crítica; y la ambición y los líos sentimentales del triángulo Freddie-Bel-Hector. Con esa variedad no hubiera extrañado una dispersión en el hilo argumental de la serie, pero las piezas, acaban encajando de un modo mucho más natural del que podría parecer en los dos primeros capítulos. Y todo ello envuelto en una cuidadísima ambientación coronada por un omnipresente bajo de jazz, que, a veces, se nota demasiado y distrae de la escena.

De los tres protagonistas quizá sea Hector el menos atractivo de entrada, pero el hijo de papá consigue interesar por las contradicciones que va revelando su personaje y por las decisiones que se ve abocado a tomar. West, además, cumple con una interpretación comedida, muy en la línea del hombre que tiene que agradar a todo el mundo. Todo lo contrario que la catarata de verborrea de Freddie, al que el histrionismo de Winshaw puede llegar a perjudicar hasta cierto punto, pero se olvida una vez que nos dejamos atrapar por la historia. Poco se desarrolla en estos capítulos sobre Bel, más allá de una relación complicada con su todavía más complicada madre, su estrecha amistad con Freddie y su determinación. Habrá que esperar a la ya confirmada segunda temporada para ver más de lo que es capaz de ofrecer una Romola imparable, aunque de esta etapa me quedo con su química en las escenas con Winshaw.

El citado Clarence encabeza un sólido plantel de secundarios formado por la reportera hecha en mil batallas, Lix Storm (Anna Chancellor), pegada a sus cigarrillos y casada con el trabajo; Marnie (Oona Chaplin, hija de Geraldine, nieta de Charlie) la esposa de Hector, una ama de casa adinerada de manual; Angus McCain (Julian Rhind-Tutt), el representante de Downey Street que vigila todo con lupa menos a él mismo. Les siguen los dos becarios de la redacción, la secretaria Alice (Kelly-Jayne Adams) y el ayudante de Freddie, Isaac (Joshua McGuire). Atención también para los fans de Torchwood porque el rostro de ultratumba de Burn Gorman hace una aparición especial.

Parece que se ha convertido en coletilla crítica comparar con Mad Men cualquier cosa en la que salgan sombreros, humo de tabaco y mujeres con moño impacable, incluso si se desplazan en avión como le está ocurriendo también a Pan-Am, uno de los platos fuertes de la parrilla de la ABC esta temporada. Sin haber visto nada de los publicistas sesenteros de Madison Avenue, lo cierto que es que The Hour tiene sus referentes películas tan idiosincrátimente periodísticos como Good night, and Good Luck (2005) de George Clooney por todos esos rifirrafes entre prensa y poder y por situarse amabas en la década de los 50, y con Al filo de la noticia (Broadcast News, 1988) de James L. Brooks por cómo están configurados los tres personajes principales y la dinámica que se da en ellos.

Torchwood 2, el pasado de Jack

2011-09-04T21:00:00.002+02:00

Es momento de desgranar lo que ha sido el segundo volumen de las aventuras del Capítán Jack Harkness y su tropa de la base Torchwood en Cardiff. Enclavados entre las temporadas tercera y cuarta de Doctor Who, estos trece capítulos se despojan de gran parte de las lacras de las que padecía el paquete anterior, aquejado de momentos de vergüenza ajena pese al manifiesto tono oscuro que se le querían dar a las tramas. No sólo se consigue que éstas transmitan lo que deberían, sino que también se ahonda mucho más en esos personajes secundarios que quedaban un tanto eclipsados por la figura del Capitán.

Pero, claro está, Harkness es la razón de ser de la serie y no nos vamos a librar de una buena ración acerca de su pasado hasta llegar a sus mismísimos orígenes, de cuando vivía en cierta península de la que no daré el nombre para no destripar uno de los grandes misterios de Doctor Who. El pasado es un truco muy recurrido cuando se trata de poner a los héroes en problemas muy serios. Siempre quedan asuntos sin resolver que no sabes cuándo volverás a tratar y el hecho de que la amenaza te conozca antes y mejor que tus actuales enemigos multiplica el peligro. Como ya le ocurriera al mismo Doctor con el Master, esta temporada nos ha presentado la horma del zapato de Jack. James Marsters, el Spike oxigenado de Buffy Cazavampiros, se encargó de darle más chulería si cabe al chulesco Capitán John Hart, otro agente del tiempo como Jack, con el que compartió sus más y sus menos y que viene dispuesto a echarle muchas cosas en cara. Hart funciona como una némesis perfecta y resentida, pero en línea con la personalidad de Harkness posee la misma desvergüenza, carisma y facilidad para embaucar que hace tan atractivo al personaje de John Barrowman, de modo que no es extraño que se le acabe cogiendo un poco de cariño.

Con Gwen Cooper seguimos viajando por esa nueva situación familiar derivada de los acontecimientos ocurridos en la primera temporada y en esa especial relación con Jack, siempre tan ambigua. De Owen, Ianto y Toshiko se nos da una pista en esa pequeña maravilla llamada 'Fragments' (2x12), pero lo cierto es que se van desperdigando píldoras a lo largo del resto de capítulos donde consiguen mostrarse como algo más que trabajadores de Torchwood. Owen, en concreto, nos lo hace pasar muy mal en uno de los arcos argumentales más impactantes de este volumen, y no es sólo por la cara chunga de Burn Gorman o la aparición especial de una 'companion' en particular.

Los arcos de dos episodios siguen mezclándose con casos episódicos mejor labrados en general salvo unas pocas excepciones, donde es imposible evitar más de un bostezo por el poco ritmo que se le imprime al asunto. Pero, por suerte, quedan para el recuerdo el emotivo 'To the Last Man', el terrorífico 'From Out of the Rain' y el sorprendente 'Adrift', todos ellos muestras de cuando esta serie quiere, puede, regalando buenas historias y personajes que crecen en ellas.

Por eso, en un momento en que la serie parecía haber encontrado su camino sorprende el giro que da Russell T. Davies en la season finale, donde decide darle un drástico lavado de cara a su serie. La decisión conforma uno de los puntos álgidos de un magnífico capítulo que corona la buena marcha de la serie en esta etapa. Un shock que deja la casa del revés con vistas a la tercera temporada de Torchwood, subtitulada Children of Earth.

Cinco razones para ir más allá con Fringe

2011-08-30T12:15:00.004+02:00

Cuando Fringe fue estrenada hace tres años en la FOX, lo tenía todo para que no llamara mi atención. Sí, salía Joshua Jackson que volvía a la televisión tras interpretar a Pacey Witter en Dawson's Creek, pero el simple amor no pudo mover las montañas que venían en forma de J.J. Abrams, un piloto de hora y media, y unos episodios siguientes bastante tibios según las críticas. Abrams había caído en desgracia para mí desde el momento en que dejé tirada a Lost en su segunda temporada y me negaba a dejarme seducir por sus ya famosos juegos de 'hype and seek' donde básicamente se trata de buscar la nada. En cuando a la duración de su primer capítulo, bueno, es una fobia que arrastro desde siempre, lo que unido a unos episodios sin más y que, encima se extendian a 50 minutos derivaba todo en una pereza de burro. Total, que se había quedado en esas serie que no iba a ver porque no me daba la gana y, por cosas de la universidad, he acabado no sólo por verla, sino por maratonearla vorazmente. ¿Qué ha pasado para que ahora opine así?

1) Los episodios pesados del principio no lo son tanto. Mucho se le achaca a Fringe la factura autoconclusiva de sus primeros compases y la sensación de no tener ninguna sustancia que dé razón a toda aquellas sucesión de hechos extraños y a aquellos personajes que están ahí para resolverlos. Un procedimental de ciencia ficción y historias paranormales era la definición más frecuente que se le daba, pero no podían estar más equivocados. Si bien los primeros episodios son una escolma de WTF que entretienen de manera desigual dependiendo el caso, alrededor del capítulo 12 la serie corrige su trayectoria y empieza a quitarse el corsé de la fórmula. Se explora a sí misma y a las posibilidades que ofrece el mundo ficticio en el que se desarrolla. En episodios como 'Ability' (1x14), 'Inner Child (1x15) y 'Bad Dreams' (1x17) y, sobre todo, 'The Road not Taken' (1x19) se ponen los cimientos para una sólida trama serializada que continua hasta la tercera temporada, pero que, curiosamente, es muy difícil de asimilar si no se ha pasado por la parte menos buena de la serie, en la que sobresale el cuarto episodio 'Arrival', donde se introduce la figura del Observador. Al fin y al cabo, en estos actos se nos presentan a cuentagotas todas las piezas argumentales y emocionales que intervienen en el puzzle.

2) Unos personajes que van a más. Aunque parezca lo contrario, Olivia Dunham (Anna Torv), la rubia agente especial del FBI, con su supuesta sosez y pose reservada, es de lo mejor de la serie. No estamos ante un personaje extremo construido o bien a base de misterio, sarcasmo o bien a base de una docilidad demasiado cándida, todos ellos caracteres a los que estamos bastante acostumbrados. Se trata de una heroína carente de estridencias que prefiere comerse ellas sola sus demonios, sin la necesidad de crearse una fachada para superarlos, lo cual la hace parecer muy vulnerable y real (no sufre poco la mujer, no). Todas sus energías, malas y buenas, las canaliza hacia su trabajo donde acaba por ganarse la confianza del duro agente especial Broyles (Lance Reddick), responsable de la división Fringe.

En el otro extremo está el doctor Walter Bishop (John Noble), un personaje del que al principio no dan más pistas que el del típico científico chalado. A mí, personalmente, tardo en ganarme porque el estereotipo me cargaba demasiado, pero con el paso de los capítulos y gracias también al giro que da la serie se descubre un personaje entrañable que expía puede sus errores como hombre de ciencia y como padre. Peter Bishop (Joshua Jackson), el hijo pródigo, de pasado más que turbio y reconvertido en colaborador de la justicia tampoco se aparta de nada que hayamos visto antes, pero aporta esa despreocupación que hace falta en un laboratorio donde no hay término medio entre la gravedad de Olivia y la locura de Walter. Entre los tres logran una química que va más allá de la de simple equipo y que bascula más hacia la de la familia, donde Astrid Farnsworth (Jasika Nicole) , una agente junior del FBI que asiste a Walter en sus experimentos, es la niñera que lo cuida, dando lugar a más de una escena cómica por la incapacidad de Bishop de llamarla por su nombre.

Otros personajes como Nina Sharp (Blair Brown), alta ejecutiva de la empresa de tecnología Massive Dynamics, y el mencionado Broyles arrojan sobre sí mismos la suficiente ambigüedad como sentirse intrigados por sus planes.

3) Preguntas con respuesta. Una vez que la serie se atreve a profundizar en el potencial de su propia mitología, encuentra la tecla para ofrecer una sinfonía de conceptos, como el cortexiphan, el Observador o el choque de realidades, que atrapan al espectador y lo guían a través de cliffhangers que sí desembocan en respuestas. Para cuando se alcanza la espectacular season finale de la primera temporada sólo se ha mostrado la punta de un iceberg del que todavía está por saber todas sus características, pero del que se han suministrado los suficientes datos para seguir estudiándolo con éxito. El azar, si existe en los guiones de Fringe, está muy bien disimulado.

4) John Noble y Anna Torv. Ambos actores australianos se hacen con sus personajes a la perfección. Además de una voz muy marcada, la cantidad de registros que Noble da a Walter es inmensa, y hace convincentes los súbitos y numerosos cambios de humor que experimenta el doctor. Por su parte, Torv se encarga de ir imprimiendo cambios sutiles en Olivia conforme el personaje interactúa con sus compañeros y se enfrenta a desafíos, en un papel muy alejado de aquellas adúltera de Mistresses.

5) Bad Robot de la vieja escuela. O lo que es lo mismo, un homenaje a la primera gran creación con la que factoría de J.J. volvió loca a su audiencia, cortes de pelo en Felicity, aparte: Alias. Roberto Orci y Alex Kurtzman, las otras dos mentes pensantes de Fringe, proceden de la cantera de guionistas del show de espías protagonizado por Jennifer Garner y no sorprende que algunos de los trazos de aquella ficción reaparezcan aquí de una forma completamente renovada en un contexto muy a lo Expediente X. Desde el primer minuto la intertextualidad entre ambas series es, pues, evidente para quien se ha empapado de Alias con anterioridad. Es un plus identificar motivos como la protagonista femenina, la premisa del prometido muerto y el resto de palos emocionales a lo que se ve sometida, las difíciles relaciones paterno-filiales y un peligro por encima del entendimiento humano, entre otras cuestiones que van apareciendo conforme avanzamos en Fringe.

Sirenas que suenan bien

2011-08-21T15:05:00.003+02:00

En cualquier ejemplo de entre todo el porrón de series anglosajonas protagonizadas por médicos y cirujanos, los paramédicos suelen tener un papel muy secundario y casi invisible, tanto, que parecen condenados a no pasar del umbral de urgencias. De ahí que producciones como Sirens, estrenada en junio por el canal británico Channel 4, supongan una pequeña nota distinta en ese universo de camillas, sueros, placas reanimadoras y bisturís.

La serie sigue en seis capítulos las vivencias de una unidad de ambulancias formada por tres paramédicos de la ciudad inglesa de Leeds, pero lejos de la premisa espectacularizante de un Trauma miamesco de Jerry Bruckheimer, Sirens suena más en el barrio de las 'buddy movies' y las ralladuras mentales y metidas de pata de sus protagonistas así como de un humor negro plagado de coñas internas que hacen más llevaderas las horas muertas y la vida. El más dado a filosofar y a analizar en exceso es el amigo Stuart (Rhys Thomas), la figura principal del trío, una especie de Meredith Grey en hombre, con la misma torpeza e incapacidad para intimar con sus semejantes, los necesarios 'family issues' de cabecera y con el mismo amor por la voz en off al inicio de los capítulos, aunque con un discurso mucho más incorrecto y mordaz (que esto no es Shondaland, es Gran Bretaña) y con un CV sentimental en la que no hay McDreamys femeninas que calienten la parte trasera del furgón.

Le acompañan en el vehículo Ashley (Richard Madden en todo su esplender después de encarnar a Robb Stark en Game of Thrones), un guapo paramédico gay alérgico a establecer vínculos con sus conquistas y Rachid (Kayvan Novak), el aprendiz de origen pakistaní que tiene el humor menos retorcido de los tres y que busca probar su valía en el servicio. Ambos personajos sirven de contrapunto a Stuart, que puede resultar demasiado reina del drama y cargante según las situaciones, y entre los tres consiguen ofrecer las mejores estampas de esta única temporada a falta de que se anuncie renovación.

Pero los tres paramédicos no son las únicas sirenas de esta producción inspirada en el libro Blood, Sweat and Tea, que recoge las experiencias que Tom Reynolds, un conductor de ambulancias de Londres, vertía en su blog. También entran en juego la pareja de policías locales Maxine (Amy Beth Hayes, la chica-señora que se acostaba con Nathan en Misfits) y Ryan (Kobna Hooldbrook) con la que se encuentran en más de una emergencia laboral... y también personal. A Maxine tampoco le faltan neuras y mala suerte en sus relaciones, de modo que no extraña que las comparta con Stuart, que la atiende en calidad de mejor amigo.

No se trata de historias que no hayamos visto antes, pero en Sirens se muestran con honestidad y sin artificios. El guión no busca de forma insistente la risa, sino que recrea situaciones patéticas de las que nos podríamos reír de forma natural en la vida real. Definir la serie como comedia sería exagerado del mismo modo lo sería tacharla de drama. Probablemente, estemos ante buena mezcla de ambos en la que los diálogos freudianos y ridiculamente analíticos descargan gran parte del drama que se crean los protagonistas, que en su búsqueda por darle un sentido a todo se lían mucho más.

Pese a que tanto acento en diálogos a la velocidad de la luz pueda echar para atrás hasta a los cerebros más resistentes a semejantes chapas, Sirens carece de toda aspiración pretenciosa. Una serie de esas llamadas amables y simpáticas, muy propias de estas épocas veraniegas, en las que, como Stuart, más de uno acabamos haciendo planes vitales tras una sesión terapéutica con los amigos en la terraza de un bar.

The Borgias y las etiquetas

2011-08-12T23:20:00.002+02:00

Decir que True Blood es un drama es uno de los mejores chistes que se puede contar últimamente, porque lo que es drama-drama poco tiene viendo su memorable colección de WTF cómicos. Pero da la casualidad de que la serie tiene que ser encajada en alguna categoría para que el torso desnudo de Alexander Skarsgard y los pechos de la Paquin opten a premio, así que, ya que estamos, vamos a aprovechar su duración de casi una hora para colocarla en el lugar de la reflexión profunda y la lágrima. Desde luego, quien se acerque por primera vez a la serie de Alan Ball se llevará una sorpresa si sólo se fía de lo que digan las listas de los Emmys aunque, en general, el verdadero Belcebú en estas historias de falsas expectativas es el márketing de los estudios y cadenas. Que hoy se lo digan a The Borgias.

Estrenada esta midseason por el canal Showtime, fue vendida como un drama centrado en los chanchullos que se traía la famosa familia de origen valenciano en el Vaticano. Todo muy al estilo de The Tudors, el drama con tintes culebronescos que el canal mantuvo cuatro temporadas en antena. Comenté que su doble piloto adolecía de falta de ritmo, y lo cierto, es que hasta el cuarto capítulo las intrigas del papa Borgia y su prole fracasaban a la hora de entretener. En parte, esto se debió a que el personaje más destacado seguía siendo el pontífice interpretado por un Jeremy Irons muy comedido, que contaba con una línea argumental sin la suficiente solidez, mientras que sus hijos tampoco mostraban nada especial que aportar al conjunto de drama. Y en la cima de todo esto se encuentran esas incómodas patadas a los libros de Historia y al origen de la casa Borgia por parte de los guionistas (no sé hasta qué punto la obra de Mario Puzo en que se basa la serie tiene que ver con esto. No la he leído).

Pero todo da un giro de 180 grados en cuanto se hincha el protagonismo de Cesare, Juan, Gioffre y, muy especialmente, de la "dulce" Lucrezia Borgia, que se convierte en la reina absoluta del baile. Si su contribución como personajes dramáticos era cero, su maestría para lo escatológico quedó más que demostrada. Con ellos The Borgias se destapó como lo que es: un dispiporre situado en el Quattrocento, en el que el exceso y la incorrección política funciona como la única tarjeta de presentación y la Historia es una prostituta al servicio del guión. Las historias en las que se embarcan los hijos de Alejandro VI y cómo están ejecutadas recuerdan a una opereta de vodevil, pero cómo enganchan las malditas. Las carcajadas que arrancan unos diálogos y escenas totalmente alucinadas como ése intento de seducción de Lucrezia en los establos... ¡Jugando a palmas! "¿Neil Jordan tiene un límite?" es la pregunta más recurrida desde 'The Borgias in love' (1x05) hasta la finale 'Nessuno' (1x09). No es exageración.

Los personajes secundarios funcionaron como otro de los grandes agitadores de la temporada, empezando por el asesino Micheletto, una presencia misteriosa a la que siempre acompaña una sombra de desconfianza pese su lealtad declarada a Cesare. Sin embargo, ya que la serie había entrado en una espiral de desverguenza muy clara, otros tipos clamaban por su trozo también. Ahí estan Giovanni Sforza (Ronan Vibert), puesto como un malo malísimo con menos luces que un zulo; Alfonso de Nápoles (Augustus Prew), una locaza heredera de un padre ahora decrépito, otrora sanguinario; Sancha de Nápoles, una ninfómana; el rey Carlos VII de Francia (Michel Muller), un borrachín; y Ursula Bonadeo (Ruta Gedmintas), una que va de pía y las mata callando. Eso, por citar los más importantes, porque todavía hay piezas que faltan para completar este cuadro de serie.

En la mejor tradición del "nunca juzgues un libro por su portada", The Borgias parece lo que no es. Sí, cuenta con unos medios técnicos y una producción de lujo en las antípodas de la calidad de su historia, aunque se notan sus pasos autoconscientes hacia el rumbo que quiere tomar y, con ello, ya ha expresado su deseo acerca de cómo debe ser percebida por los espectadores. La próxima privamera y pasado el trago del debut, sabremos a qué aternernos con lo que pase en el Vaticano tal y como lo hacemos los que veraneamos a la vera de los vampiros de Bon Temps.

Downton Abbey, el señor no se entera de nada

2011-07-31T23:50:00.008+02:00

Cuando se habla de series de época, unas siglas vienen inmediatamente de la cabeza: BBC. No es nada raro pensar que la corporación tiene el monopolio de las historias de damas, caballeros y sirvientes. Como los churros con el chocolate, o como el café con el cigarro, son dos conceptos que van juntos. Por eso, sorprende que otra que no sea the Beeb se meta a bordar cubiertas de mesa con idénticos resultados, pero si se trata de la ITV no debería causar tanto extrañamiento, ya que la operadora privada tiene a sus espaldas un rosario de clásicos respaldados por grandes nombres como Brideshead Revisited (1981) y Upstairs, Downstairs (1971). Dicen que mucho de esta última bebe Downton Abbey, el exitazo global que la cadena tuvo el otoño pasado (una media de 10 millones de espactadores sólos en las islas y unos nada despreciables seis millones en la PBS estadounidense) que ha sido responsable de un rechute de 'period dramas' en las agendas de los aficionados a las series, por un lado, y de la locura compradora y productora de Antena 3 alimentada por las buenas audiencia de la serie en España, por otro.

Creada por Julian Fellowes o , mejor dicho,por el barón Fellowes de West Stafford, esta coproducción de la ITV y de NBC Universal (lo cual no la hace más norteamericana, como bien comenta Crítico en Serie), la producción británica para televisión más cara de la historia, destila oficio, lujo elegancia por todos lo poros. No en vano, este hombre, además de por su abolengo, sabe de qué va el tema como así lo atestigua su currículum como escritor (y también como actor) en algunas muestras del género tanto en cine y televisión. De su pluma han salido Gosford Park (2001), otro de los grandes referentes de Downton Abbey; Vanity Fair (2004); y una miniserie sobre el hundimiento del Titanic, que se estrenará el año que viene coincidiendo con el centenario de la tragedia. Pero Fellowes también ha sido capaz de parir The Tourist, aquella cosa con Johnny Depp y Angelina Jolie que fue la mofa de Ricky Gervais en los últimos Globos de Oro.

El destino del fomoso "buque insurmergible" en abril de 2012 pone la historia de Dowton Abbey en marcha, al morir en el viaje un primo pretendiente de Lady Mary, la mayor de las tres hijas de Robert Crawley, conde de Grantham y señor de la casona y los terrenos que que conforman la propiedad. A lo largo de los siete capítulos de esta primera temporada (dos años en la ficción) se nos da un cursillo acelarado sobre el estado de la aristocracia inglesa en los primeros años del S. XX, con sus matrimonios de conveniencia con ricos burgueses que estaban ahí para salvar el status del cónyuge a cambio del título, como se ve en la figura de Cora la esposa estadounidense del conde y todo el asunto de la jugosa dota que ella había aportado y que, en esos momentos, causa tantos quebraderos de cabeza a la familia para que todo no vaya a parar a un joven varón ajeno a los Grantham... Si Lady Mary no accede a casarse con nadie del clan.

Entrar en más detalles supondría desvelar demasiado, pero no pueden faltar los típicos prejuicios de clase del aristócrata al plebeyo y viceversa, que lejos de funcionar como desencadenantes de la trama más seria, regala muchos de los momentos cómicos de la serie. Muchos de ellos están protagonizado por una Maggie Smith haciéndose tan inmensa como el ego de la Condesa Viuda Violet que interpreta, y que no pierde oportunidad en lanzar dardos envenedados contra Isobel (Penelope Wilton), la viuda recién llegada. El reparto coral se desenvuelve a las mil maravillas, como no podía ser de otra forma, y no hay actor que de la sensación de no encajar con unos personajes que encarnan muchos de los cambios históricos y sociales que iban a suponer la entrada del mundo en la Modernidad.

Si bien Downton Abbey aparenta ser una serie de señores en cuanto a que éstos gobiernan el devenir de los acontecimiento, pronto se nos informa de que no es así. Los criados suben a la categoría de protagonistas, mostrando dinámicas que se podrían ver perfectamente escaleras arriba. Las mismas intrigas y envidias, la misma mala idea y un sentimiento nulo de hermandad entre ellos se respira en esa cocina de lobos, un lugar donde sobran las cortesías con tal de mantener el puesto de trabajo. Allí, O'Brien, la doncella de cámara de Cora, y el lacayo Thomas conspiran como los perros del infierno que son. Ni que decir tiene que estos dos personajes son los que manejan al espectador como una marioneta y lo obliga a regresar capítulo a capítulo.

La condesa viuda quiere entrar en Pottermore, ella no sabe lo que es un fin de semana.

Con todo, no es todo maldad en la servidumbre y también se presentan personajes más en la línea del buen sirviente que hemos visto en un sinfín veces en otras producciones como pueden ser el ayudante de cámera de Crawley, Mr. Bates y la jefa de sirvientas, Miss Anna; los jefes de todo el personal, Mr. Carson y Mrs. Hughes; William, el segundo lacayo; o los sirviente con ambiciones, como el chófer Brason y la criada Gwen. Pero también encontramos figuras mandonas y como la cocinera Mrs. Patmore y su asustadiza ayudante Daisy. Sin duda, la variedad de la se dota al personal doméstico es una verdadera delicia, y ayuda a añadir un gris muy interesante al conjunto de la ficción.

Sin más misterio que ofrecer para enganchar que el de los propios dramas que existen en lugares cerrados con demasiada gente viviendo y trabajando entre sus muros, y el de unos señores que empiezan a sufrir los primeros sudores de una época agonizante, Downton Abbey es la muestra de que a nadie le amarga un culebrón. La primera temporada se resuelve de una forma un tanto precipitada y hasta chusca en un lance concreto, pero todavía quedan muchas cosas por descubrir en la abadía de los Grantham, y más cuando los verdes pastos dejarán paso a barro de trinchera a partir del próximo 18 de septiembre, fecha del estreno de la segunda temporada.

Una comedia y la nada

2011-07-23T23:50:00.001+02:00

Estas semanas he estado ausente por visitas familiares, maratones veraniegos, e interrupciones siempre inoportunas así que, a lo tonto, se me han ido acumulando series de las que tenía que haber hablando hace tiempo. El dos por uno que hago hoy, sin embargo, no viene motivado por una lógica de rebajas, de quitarme stock de encima, sino porque una de las producciones de las que voy a hablar no merece una entrada para ella sola. ¿Por qué? A eso vamos ahora mismo.

Me pregunto de cuánto dinero para producción de ficción disponen en Showtime para permitirse derroches tales como el de la tercera temporada de Nurse Jackie. Supongo que debe ser bastante, porque dedicar semejante esfuerzo para contar nada, no pasaría desapercibido en otros lugares. De un total de doce capítulos, sobran once, y no es que la finale haya tampoc ha sido un dechado de virtudes. La segunda etapa nos había dejado con una promesa de que podría haber una interesante evolución en el personaje en los nuevos episodios. Mentira todo. La enfermera seguía en sus trece, incluso al borde de poner su trabajo en verdadero peligro, y aunque no era lo que nadie esperaba, quedaban todavía los personajes secundarios. Crac. Otro chasco.

Las gracias de las entrañable Zooey y Akilitus llegaban a destiempo al igual que los dramas de ese niño grande que es Coop. O'Hara, por su parte, estuvo ausente durante todo el volumen, compartiendo escenas con Jackie carente de toda finalidad dramática. Lo mismo se puede decir de los otros dos vértices del triángulo del mal, Eddie y Kevin. Lástima que lo único destacable de este año, esa arista que Brixius y Wallem se ha atrevido a sacarle al marido, quede tapado por el último paso de gigante hacia atrás de la señora Peyton. Aún así, la serie ha sido renovada inmerecidamente para una cuarta entrega (gracias a las rentas y privilegios de ser chica Showtime, seguro), pero ya digo que aquí no vuelve hasta que haya evidentes y contrastados signos de mejora.

Síntomas de bienestar que no ha demostrado Modern Family. Ésta sí tiene plaza fija para el curso que viene. En este segunda temporada han dado protagonismo a otros miembros del clan Pritchet-Dunphy potenciando la vena cómica de Claire, una 'control freak' de las que meten miedo, o de su hija Hailey, que ha intentando engañar a sus padres con que se ha reformado y que realmente tiene un CI más alto del que parecía. Luke también han formado una dupla letal juntando la falta su falta de hervores junto a la de su padre Phil, al que he llegado a tolerar más que en el primer volumen, sobre todo, gracias a sus escenas con Jay. Alex, sin embargo, sigue pasando de refilón por los capítulos.

Cameron y Mitchell han visto las situaciones más desde la barrera, al igual que Gloria, Jay y Manny, aunque los momentos que se reservan siguen siendo los más alucinados e hilarantes de toda la serie. Ya sea por escapar de tu trabajo por la ventana o por disparar balines a un bote hinchable en medio en medio de la piscina, esta parte de la familia acumula los caracteres más fuertes, por lo que es normal que las estampas más chocantes salgan de aquí. Se podría decir que los Dunphy van hacia un humor con premisas más blancas y familiares, mientras que los núcleos de Pritchett resultan un pelín más destroyer y menos políticamente correctos.

En este sentido, también se ha notado un cambio en los finales de episodios, que ya no tiran tanto de la voz en off para recalcar la moraleja de lo que se nos pretende contar en cada uno de ellos. Modern Family es una fábula sobre la familia en clave de comedia por sí sola como para que se la corone con más accesorios. Han sabido corregir esos errores y evitar ese vuelo de Ícaro que se presagiaba en la segunda mitad de su temporada de debut y, si bien tanta nominación a los Emmys de comedia parecen un poco escándalo por avallasamiento (las listas a estos premios son siempre un escándalo bastante predecible todos los veranos), esta vez 'maloserá' que no caiga más de uno o, peor, que se vuelva a dar un 'gleekazo' que deje al resto de aspirantes patidifusos.

La hora de la khaleesi

2011-07-05T23:20:00.005+02:00

Poco voy a añadir acerca de lo disfrutable que es la primera temporada de Game of Thrones que no haya dicho ya la blogosfera seriéfila entera. El experimento de combinar novela homónima con serie cual carrera de San Fermín, siempre alerta para que no me pille el toro de las imágenes semana a semana, resultó mucho más agradecido de lo que esperaba. No voy a intentar convencer a nadie de los pros de esta estrategia, pero dejas la tarea de saber quién es quién para las páginas del libro, y te ahorras preguntas incómodas mientras ves la serie. Digamos que tienes más margen y libertad para fijarte en aquellas novedades que aporta la adaptación como producto diferenciado. Los primeros episodios de la superproducción de la HBO, con tanto personaje e historia de fondo, parecían arrojar al espectador neófito a una tierra de nadie como la que se encuentra al otro lado del Muro y dejarlo allí a sus expensas. Ésa era la percepción, que David Benioff y D.B. Weiss había creado una serie dirigida a los entusiastas de A Song of Ice and Fire, la monumental saga de fantasía épica del no menos monumental (por orondo) G.R.R. Martin.

Sin embargo, la cadena se esforzó en proveer información contextual en el sitio oficial y, en realidad, cualquier posible estado de desorientación sólo se extiende a los primeros compases de la temporada, que se corresponden con una buena porción de la novela. Game of Thrones es una obra a la que le cuesta arrancar por su carácter introductorio de algo mucho más grande (hablamos sólo del primero tomo de siete en total) y que, por su estructura multipersonaje y multipunto de vista, hacía muy difícil adaptar tanta disparidad de miradas sin el riesgo de que quedara como una colección de escenas montadas una detrás de otra. Prueba superada en este apartado. También estaba el reto de hacerle justicia a algunos personajes cuyo carisma supone uno de los mayores atractivos del libro. Con el 95% del reparto luciendo el oficio de la escuela británica (la épica siempre queda mejor con acento de las islas) se pasó el examen con nota, y en algunos casos acallando críticas tempraneras y excediendo las expectativas, sobre todo, en el caso de los personajes femeninos, con más protagonismo del que se piensa.

"I am Daenerys Stormborn, of House Targaryen, of the blood of Old Valyria. I am the Dragon's daughter. And I swear to you that those who would harm you will die screaming".

La casi principiante Emilia Clarke con su sensible retrato de una grande como es Daenerys 'Dany' Targaryen es el ejemplo más claro. El viaje de niña obligada a casarse con un tipo de aspecto imponente como Khal Drogo (Jason Momoa despertando instintos y dando mierdo a partes iguales) a khaleesi, a señora de la guerra por derecho propio, es de largo la historia que más me interesó del libro, a pesar de que este arco argumental está claramente desligado de las intrigas palaciegas de Desembarco del Rey y las caras de circunstancia de Eddard Stark (Sean Bean) y familia. Confieso que mis simpatías tiran más hacia los destronados, sanguinarios y ahora escasos dragones Targaryen que a los mojigatos lobos Stark o a los epicúreos ciervos Baratheon, pero no debería sorprender el estupendo trabajo de Clarke que con sus ojos y, quitando pelucas rubia platino que no conjuntan con cejas a lo Madonna, hace brillante en carne y hueso a un personaje que también es brillante en el papel.

La jovencísima Maisie Williams, en cambio, engrandeció a un personaje, Arya Stark, que en el libro no me atrapó tanto, pero que gracias a su interpretación ahora veo con otros ojos. Curioso que a Martin se le acuse de misógino cuando regala a un contenedor de tenacidad como es Arya y a una monarca en potencia como es Dany. Lo mismo ocurre con la pérfida y sedienta de poder la reina Cersei Lannister, a la que Lena Headey ayuda a humanizar, presentándola como un ser atormentado, entre la compasión, la fidelidad a su sangre y la realización de sus planes. Tampoco nos podemos olvidar de Catelyn Stark, la matriarca del clan, que exhibe el pragmatismo y mano izquierda que tanto hace falta en su familia. Hubiera sido interesante ver a Jennifer Ehle (Lizzy en Orgullo y Prejuicio), la primera opción para el papel, dando vida a Cat, aunque ya me he acostumbrado a Michelle Fairley.

Pero no sólo se trata de mostrar la cara más progresista de las mujeres, sino que Sophie Turner se encarga de mantener muy presente la tontería escalante de Sansa Stark, que vive en la inopía y se acerca al arquetipo de princesa medieval lista para que la rescate su príncipe. En las antípodas de su hermana Arya, vamos. Pero, a pesar de la manía que se le coge al personaje, su presencia es necesaria por el bien de la variedad y por qué no, porque Sansa encierra algo de verdad acerca del proceso de maduración de muchas mujeres. Sí, la tontería existe.

Como Battlestar Galáctica en su día, tenemos delante una serie donde donde no hay personajes femeninos que están de paso, bidimensionales o gratuitos. Por cada tres prostitutas cortesía de la HBO en una escena hay una khaleesi que las eclipsa. Todo ello, en un género tan 'de chicos' como es la fantasía épica al igual que ocurre con la ciencia-ficción. Para que luego hablen de estereotipos.

The Killing, ¿la evolución del procedimental políaco?

2011-06-25T14:30:00.008+02:00

ADVERTENCIA: No he usado código para esconder los spoilers en esta entrada, así que si no has visto o no has terminado la primera temporada de The Killing, mejor no sigas leyendo.

- "La competencia del destinatario no coincide necesariamente con la del emisor".
- "Generar un texto significa aplicar una estrategia que incluye las previsiones del otro".

Umberto Eco, Lector in fabula (Editorial Lumen, 1981)

La season finale de la primera temporada The Killing (AMC) ha dejado tras de sí una ola de indignación y rajamiento de vestiduras en críticos profesionales y aficionados como no se había visto desde el final de Lost el año pasado, y siempre con los mismos argumentos debajo de cada tecla: decepción y traición. Ambas sensaciones no se darían con esa fuerza a menos que las expectativas en la serie sean muy diferentes a lo que finalmente se ha recibido después de trece capítulos siguiendo las pesquisas de los detectives Sarah Linden (Mireille Enos) y Stephen Holder (Joel Kinnaman) en torno al asesinato de la joven Rosie Larsen, en el lluvioso y deprimente Seattle contemporáneo. Recupero las palabras del semiótico Eco porque esta reacción desaforada vuelve a confirmar una de sus ideas más conocidas: cada texto construye a su lector modelo, o si la adaptamos a esta circunstancia, cada historia audiovisual genera a su espectador modelo.

El conjunto de historias que componen el género procedimental policíaco ha predispuesto a los espectadores al sota-caballo-Rey de la resolución del caso, ya sea a nivel de capítulos autoconclusivos cada semana, o tomando ese caso y extendiendolo a lo largo y ancho de una temporada. De cualquiera de las maneras, el camino siempre apunta hacia un final, a la contestación de la pregunta que desencadena todo el desarrollo. "¿Quién mató a Rosie Larsen?" es la incógnita en esta ocasión, de la misma manera que aquel ya mítico "¿Quién mató a Laura Palmer?" de Twin Peaks, serie con la que The Killing comparte el mismo kilómetro cero.

Veena Sud, showrunner de la serie, admite que la intención aquí era romper con la tradición del policíaco, dejando que el relato se desarrollase con toda la naturalidad posible, libre de las constricciones del género. "Desde el principio sabíamos que no queríamos hacer un show bajo una fórmula. Por lo tanto hubo un montón de discusiones acerca de 'No vamos a hacer el procedimental de 45 minutos'. Entonces dimos un paso atrás y nos preguntamos: '¿Deberíamos hacer una temporada basada en un crimen? ¿Pero eso no es crear otra fórmula, y por tanto otra expectativa, y otra forma de poner un lazo en un regalo y envolverlo fácilmente?'", comenta Sud en una entrevista con Ausiello en TVLine, y recalca a Sepinwall la idea de que The Killing es "el anti-show de policías" y que "hay que deshacerse de las expectativas" porque se trata de una serie "donde nada es lo que parece".

Sin embargo, la planificación de la serie dedicando cada episodio a un día de la investigación cae en los convencionalismos del género, por lo que refuerza el esquema mental de los espectadores, que pensamos que Linden y Holder tenían trece días para pillar al asesino como 20 días/capítulos tuvieron los daneses de la producción original Forbrydelsen. Mientras buscan indicios, vemos cómo la familia de Rosie (Michelle Forbes y Brent Sexton) sufre las consecuencias de la muerte, cómo el caso salpica la carrera a la alcadía de Darren Richmond (Billy Campbell) y cómo afecta a la vida privada de la problemática Linden, madre de familia de un hijo adolescente y con una boda que preparar.

En realidad, el peso de la serie está en los personajes y todo lo que no es la investigación, especialmente en los dos protagonistas, Linden y Holder, que tampoco encajan dentro de la definición de detective tradicional. Ella, con sus pintas realistas de ama de casa que va con el monovolumen a buscar a su hijo al fútbol, y él, un ex adicto a las drogas, con su lenguaje gangsta y pintas de traficante, genuinos que no adquiridos durante su etapa en Narcóticos. Ambos son las estrellas de la serie, como bien se vio en el capítulo 'Missing', el primero de una recta final muy potente que nos llevó hacia el ¿inesperado? 'cliffhanger' de Holder.

No debería sorprender el comportamiento chanchullero de Holder puesto que la serie ya ha ido arrojando pistas sobre la naturaleza este personaje, ya sea a modo de llamadas telefónicas y encuentros extraños, lo que unido a la escasa información que se tiene sobre su pasado, hace que no se trate de una persona muy de fiar. Lo mejor de todo es que pese a su pretendido carácter revelador, la falsificación de la pruebas para inculpar a Richmond por parte de Holder no hace más que crear preguntas acerca de la figura del propio detective y sus motivaciones, y de si estamos ante un peón de una trama de corrupción política mucho mayor que tiene en Richmond a su cabeza de turco.

Habrá que esperar un año para contestar a esta incógnitas y cómo Linden capea el temporal de tener un compañero tramposo, porque, ¿de verdad que alguien duda de que en cuanto se baje del avión no va a coger otro (no va a ser problema de gastar dinero en un avión más viendo los vuelos que canceló durante la temporada)? El hecho de que se quedara quieta en el asiento también ha levantado su polvareda, pero se trata de una reacción de la vida misma, donde deja que su faceta de madre se superponga a su deber por un día. El cansancio en el rostro de una Enos 'emmyble' no es gratuito como tampoco lo es el sufrimiento y posterior abandono del hogar de la Forbes, si bien tanto ella como el resto de personajes no policías pierden en la comparación.

El experimento está lejos de ser perfecto como ocurre con cualquier acción atrevida. En primer lugar, plasma de forma confusa las intenciones de innovar en la organización de la temporada, que adolece claramente del síndrome del chicle estirado y blancurrio con la subtrama del supuestamente sospechoso profesor Ahmed, en la que se notaba demasiado su condición de dispositivo de despiste ya que el asesinato por sí mismo no tenía suficiente sustancia como para soportar tanto encandenamiento de 'cliffhanger' sin salida. ¿Que podría haber sido una temporada de un máximo de 10 episodios en vez de 13? Muy probablemente. En segundo lugar, nos encontramos con una campaña de publicidad con una 'catchphrase' que asienta ideas preconcebidas y que me hace preguntarme si llegará un día en el que los marketinianos de las cadenas trabajen realmente codo con codo con los que crean las historias para que se entiendan bien los mensajes. Irónicas las palabras del jefe del presidente de la AMC, Charlie Collier: "Si hubiéramos podido hacer algo distinto, hubiera sido gestionar las expectativas".

Pero el texto genera a su lector. Si The Killing hizo del 'cliffhanger' un arma recurrente en casi todos los episodios de esta temporada, al espectador se le han ido dando motivos para desconfiar de una season finale cerrada, dándole competencias enciclopédicas para que coopere activamente en la interpretación de la narrativa. Otra cosa es que haya pesado más el texto que son años de tradición en el género, y que se haya desatado la ira porque eso es lo que la mayoría de la audiencia esperaba, modelada por lustros viendo esos 'modi operandi' e, incluso, modelada por unos pocos años de más voz y autoría adquiridas gracias a ese otro texto que son las interfaces de los social media, como no para de machacar mi tutor. Pero ni con esas se puede demonizar a un grupo de gente por querer hacer algo diferente y más en un momento donde no la búsqueda de respuesta a los enigmas no sólo es patrimonio de los procedimentales, sino también de otro tipo de series que, incluso, multiplican esas preguntas. The Killing, partiendo el caso original en dos temporadas sólo ha atrasado la respuesta, pavimentando el camino para una mayor serialización o folletización del género policíaco en la televisión estadounidense.

La lluvia no me echa de Seattle, por el momento.

Glee, se me acabó el 'ship' de tanto usarlo

2011-06-19T21:00:00.005+02:00

Uno de los efectos colaterales de seguir una serie que fomente las tensiones sexuales no resueltas entre un par de personajes es que existe una alta probabilidad de que alguien se acabe convirtiendo en un 'shipper' de esa pareja (o 'ship', del inglés relationship, relación). Todo ello deriva en etapas de pasarlo mal hasta que el sueño de verlos juntos se hace realidad, seguidas después de periodos de felicidad absoluta durante los primeros compases de la relación, y rachas de odio amargo hacia cualquier amenaza externa en forma de tercera persona o muerte de uno de los dos (todo por culpa de los malditos guionistas, claro). En definitiva, por pura experiencia, puedo decir que la montaña rusa emocional del 'shipper' no garantiza una salud mental equilibrada durante el tiempo en que la serie esté en emisión. Y eso por no añadir que luego se puede desarrollar un sexto sentido para oler posibles líos en cuanto dos personajes comparten plano por primera vez, con un gran peligro de tornarse en un/a 'shipper whore' (adicto a 'shippear') y empezar 'shippear' a personas con mesas.

Esta introducción sobre el tipo de fan más extendido viene a cuento por la subversión que Glee (FOX), con su continua alternancia de parejas desde la primera temporada, ha representado para el placer culpable de seguir el desarrollo de una relación en una serie. El musical de Ryan Murphy es un fenómeno fan con todas las letras, con sus cualidades de fábrica, música y líos de instituto, diseñadas para azuzar a su potencial base de seguidores adolescentes (y no tan adolescentes). Comprobada la receta del éxito, a partir de ahí, el plan consiste en mantener contentos a esos fans a través de diversas acciones de márketing como la gira de conciertos que los miembros de New Directions están llevando a cabo estos días por diversas ciudades de Estados Unidos y el Reino Unido, la edición de discos y la inclusión de los artistas de moda en el repertorio. Nada que objetar hasta aquí pero, ¿hasta dónde llega el límite de agradar a los fans?

Cuando se escuchan expresiones como 'fan service' o 'pandering' no suele ser en contextos favorables a los creadores de la serie, que se cree están bailándole el agua a los intereses de un sector concreto del fandom de esa ficción. Acusaciones de 'fan service' son muy comunes entre 'ships' rivales como, por ejemplo, los que se forman con los miembros de un triágulo amoroso. El 'ship' perdedor siempre se quejará de que los creadores de la serie tienen preferencia por sus contrincantes, y se pueden encender mechas para guerras de 'ships' en foros. Glee, en su carácter de entretenimiento excesivo, lleva el 'fan service' a sus últimas consecuencias en su segundo año en antena, despojándolo de su razón de ser, convirtiendo en canon cualquier tendencia en boga dentro de su comunidad de fans.

Ya no se trata de dar salida a los 'ships' que nacen de una forma más o menos orgánica y trabajada dentro de la ficción (casos de los Fuinn -Finn/Rachel- , Fachel -Finn/Rachel-, Klaine -Kurt/Blaine- o Brittana - Brittany/Santana), sino también a los más inusitados que sólo podrían darse en el universo alternativo más alternativo (SPOILER ¿Mercedes y Sam tras sólo dos capítulos hablando? WTF! FIN del SPOILER). Esto no es más que otro indicador de que lo que todo el mundo sospechaba y que los propios responsables han confirmado: que la serie se hace sobre la marcha.

En este sentido, Glee es una serie muy meta que se aprovecha de su propio contexto de fans para mostrarlo y parodiarlo en los guiones, pero al mismo tiempo arruina esos estados de ánimo disparatados que enuncio al principio del post y que son parte de la diversión del 'shipper'. A los fans les gusta que les escuchen (como esos guiños o gags que se gestan en las comunidades y luego pasan a la pantalla), pero no todas las ideas deberían ser escuchadas. Los propios fans son conscientes de ello: hay cosas que pertenecen al fandom y no deben salir de ahí. Igual es que pertenezco a una generación de masocas, pero no me gusta que me lo den todo hecho en ficción. Sin llegar a los niveles de sufrimiento histórico de Sculder, no hay 'ship' que sin sufrimiento no venga.

Doctor Who 3, los orígenes del Señor del Tiempo

2011-06-07T00:15:00.015+02:00

Después de las dos primeras temporadas de la nueva etapa de Doctor Who no podía esperar a hincarle el diente a una tercera entrega que venía con, al menos, tres importantes novedades bajo el brazo. La primera de ellas, atañe nada menos que a la introducción de una nueva acompañante para el viajero en el tiempo: la estudiante de medicina Martha Jones (Freema Agyeman), un personaje muy diferente del que nos habíamos acostumbrado con Rose Tyler, la chica de barrio que sigue anquilosada en el recuerdo de muchos fans tras esa season finale en la bahía del Lobo Malo. La segunda tiene que ver con una apuesta mucho más decidida por parte de Russell T.Davies en seguir profundizando en temáticas menos amables y en el pasado del Doctor, mientras que la tercera está vinculada a una notable mejora en los efectos especiales, fruto de un aumento en el presupuesto de la serie.

El salto en la calidad visual es evidente desde el especial de Navidad 'The Runaway Bride' (3x00), donde tenemos el placer de conocer a Donna Noble, hasta 'The Last of The Time Lords' (3x13), cierre de una temporada donde unos Daleks evolucionados comparten protagonismo con arañas humanoides gigantescas y, sobre todo, con la Familia de la Sangre y los Ángeles Llorones. Dejando a un lado los tradicionales saleros malignos, estas dos nuevas amenazas episódicas son una buena muestra de la complejidad que empiezan a tomar las tramas, planteando retos más difíciles de resolver para el personaje interpretado por David Tennant que, por ejemplo, aquellos Slitheen y sus problemas de ventosas.

No es ninguna casualidad que los tres capítulos en los que intervienen estos nuevos 'malos' sean unos de los más destacados de esta tercera etapa. Así, el díptico 'Human Nature' y 'The Family of Blood' (3x08-09) ahonda en la naturaleza trágica del personaje y lo humaniza hasta el punto de hacerle dudar de su propia identidad y misión en el Universo. Se trata de dos episodios muy emocionales a los que le sigue una pequeña joya de terror psicológico llamada 'Blink' (3x10), que no en vano se ha ganado la fama a golpe de pestañeo. Steven Moffat, el actual jefe creativo de la franquicia y guionista del episodio, aprovecha la libertad que da la implantación por temporada de una hora sin el Doctor para jugar con miedos muy básicos y las paradojas temporales. También nos regala a una Carey Mulligan en la piel de la intrépida Sally Sparrow, personaje con suficiente carácter como para desplazar al Doctor y a Martha a un segundo plano sin que se note demasiado. La aparición de futuras caras conocidas como Mulligan, nominada al Oscar por An Education; Harry Llyod, el desquiciado Viserys Targaryen de Game of Thrones; y Andrew Gardfield, el nuevo Spider-Man y secundario en The Social Network, es otra de las curiosidades que se desprenden de esta temporada, en general.

Pero como ya he dicho, en este tercer acto empezamos a conocer un poco más acerca de los orígenes del Doctor: el nombre del planeta del que proviene, Gallifrey; cómo era la vida para un señor del tiempo cualquiera antes de que los Daleks destruyeran ese mundo, y por qué él no corrió el mismo destino que sus iguales. En realidad, a lo largo de los trece episodios se van arrojando pistas, muy en la línea de aquel meme "Bad Wolf" de los dos primeros años, que nos llevaran hacia una revelación similiar a la que encontramos en Superman II, pero esta vez con el actor Jon Simm en la piel del General Zod particular del universo whoviano. Una némesis, de la que me reservo su nombre, a la que se le pone solución de un forma un tanto facilona en contraste con el tono adquirido durante el tridente de episodios que clausuran la temporada, nada condescendientes con las habilidades del Doctor y lo que es más importante sembrando por primera vez la duda en un espectador hasta entonces optimista como la sonrisa del Capitán Jack Harkness.

En esta línea de descubrimientos, el yankee vuelve a hacer acto de presencia para, además de echarle un mano mágica al Doctor, hablarnos de su paradero actual y la verdadera razón por la cual puede protagonizar su propio 'spin-off' sin ningún problema, hacernos confesiones muy impactantes y resolvernos cabos sueltos de su serie. El misterio construido alrededor de un personaje como Harkness y su anclaje con Doctor Who es el principal motivo por el que no concibo Torchwood como una serie derivada más. Dicho de otro modo, el desarrollo del héroe encarnado por John Barrowman se extiende a través ambas series, con puntos fundamentales en Doctor Who, por lo que no basta con limitarse a consumir sólo Torchwood. De lo contrario, se pierde mucha información valiosa por el camino a menos que se opte por leer el wiki de turno. Tanta es la dependencia de Torchwood con Doctor Who (que no al revés, que por algo es la serie madre), que lo más recomendable es intercalar el visionado con las aventuras de nuestro alienígena de más de 900 años, sin riesgo de destripes, como parte de un amplio Whoverso expandido, en lugar de verlas en bloque por separado.

¿Y qué decir de la 'companion' Martha Jones? No porque la deje en último lugar significa que ya me estaba olvidando de ella... Me costó adaptarme a la muchacha, para qué mentir. El Doctor es un tipo fascinante, pero tanto arrastramiento por su persona no puede ser bueno. Pero, al mismo tiempo, poco a poco, se empatiza con ella en su búsqueda de afecto en un Doctor bastante amargado por las circunstancias en las que lo conoce. Se nos presentó como una niña de familia acaudalada, sin circunstancias aparentes que la empujaran a adentrarse en el torbellino del Doctor. Al final, superó la prueba con nota, tirando de ciencia humana para sacar de más de un embrollo al inquilino de la TARDIS y encandilando a Shakespeare entremedias. Porque si de algo puede presumir Miss Jones es de mucha, mucha cabeza... tanta como para decir "me bajo de la nave" cuando toca.

Actualización:

Si alguien se atreve a seguir el Whoverso a partir de 2005 en orden (vale mucho la pena, de verdad), voy a dejar tres propuestas de guías en función de la exhaustividad que queráis imprimirle a la tarea:

I. Nivel básico: mezcla temporadas de Doctor Who y Torchwood. En Carrusel de Series y El Diario de Mr. MacGuffin.

II. Nivel experto: intercala episodios de Doctor Who, Torchwood y, además, Sarah Jane Adventures, siendo muy fidedigno al orden de emisión original. En El condensador de fluzo.

En algunos de estos enlaces todavía falta por incluir las actuales temporadas de las tres series, pero son un buen referente para empezar.

The Good Wife Bloggers Day: Los personajes recurrentes

2011-06-01T15:00:00.043+02:00

Esta entrada libre de spoilers pertenece a la colección The Good Wife Bloggers Day, una iniciativa en la que hemos tomado parte unos cuantos blogueros locos por esta serie, que ha completado una temporada espectacular en su segundo año en la parrilla de la CBS. Como nosotros, Alicia Florrick está ahí fuera esperando a que le des una oportunidad y te conviertas en un 'florrickero/a' de pro. Para situarte, y saber más sobre el resto de temas que tratamos, acude aquí.

Espero que antes de leer este entrada os hayáis pasado antes por los posts de Rebeca y Elsa y compañía, puesto que lo que vais a encontrar es una continuación del eje central sobre el que se construye una serie como The Good Wife: los personajes. Sin embargo, aquí no nos vamos a parar a hablar de la protagonista, Alicia Florrick, o con los que se relaciona todos los días, sino de esos tipos que tan pronto como vienen, se van hasta nuevo aviso, muchas veces sin que nos aprendamos sus nombres. Nos referimos a los personajes recurrentes, unos activos valiosísimos en la ficción creada por Michelle y Robert King ya que sobre ellos descansa gran parte del peso de las tramas autoconclusivas de la serie. Por esta resposabilidad, los recurrentes en The Good Wife, a diferencia de otros de su clase, no pasan desapercibidos y exhiben una personalidad arrolladora o peculiar que nada tiene que envidiar a la de los personajes en nómina. Son como las hormigas obreras que se encargan de hacerle el trabajo sucio a la reina, pero que si no fuera por ellas, tampoco habría una colonia digna de la que presumir. Vamos a dar, pues, un repaso por las 10 mejores hormigas "in my (humble) opinion":

10) Becca (Dreama Walker)
Filiación: Familia Florrick/Eli Gold.
Vista por primera vez en: ' Threesome' (1x09).Becca es la típica amiga del instituto de tu hijo mayor o hermano pequeño que deseas con todas tus fuerzas que se mude a otra ciudad. Y bien lejos, si puede ser. Una compañía altamente tóxica e interesada, esta pequeña zorrilla puede meter al enano en más de un lío, pero gracias a sexto sentido para la malicia a temprana edad puede ser de ayuda para que aprenda algo de latín. Eso sí, todavía le queda mucho que copiar de maestros como Eli Gold.

9) Glenn Childs (Titus Welliver)
Filiación: Fiscalía del Estado.
Visto por primera vez en: 'Pilot' (1x01).
El colega de trabajo que se pirra por ocupar tu lugar como jefe y no parará de ponerte zancadillas hasta conseguirlo. Así es Glenn Childs, un segundón que se beneficia de la caída en desgracia de Peter Florrick, pero que hace todo lo posible por ocultar sus propios trapos mugrientos, utilizando las artes más rastreras que existen en política para lograr sus objetivos. Si el pobre Gargamel existiera en el universo de The Good Wife, sería Childs, siempre acompañado por su gato Azrael particular: el ayudante Matan Brody (Chris Butler).

8) Colin Sweeney (Dylan Baker)
Filiación: El banquillo de los acusados.
Visto por primera vez en: 'Bad' (1x13).Un excéntrico y sádico de mucho cuidado, a Alicia le costó lo suyó llegar a conectar con su defendido, Colin Sweeney, un ricacho que se había salvado por los pelos de ser condenado por matar a su mujer, y que volvía al banquillo por un asunto bastante más peregrino. La actuación ambigua de Baker y los comentarios llenos de sarcamo de su personaje nuncan da pistas de si realmente cometió el asesinato o no, por lo que para saber la verdad sólo queda ver el episodio.

7) Lana Delaney (Jill Flint)
Filiación: FBI/Colaboradora de Kalinda.
Vista por primera vez en: 'Unprepared' (1x08).
Kalinda Sharma, como buena investigadora, tiene contactos en todos los barrios, incluido el FBI, en el que trabaja la agente Lana Delaney. Enfundada en un conjunto ejecutivo y tacones, una media sonrisa suya implica que estás a punto de conseguir la información que quieres, pero cuando alargas el brazo para coger el sobre, probablemente dentro haya una proposición indecente que pone a prueba tu voluntad y ética profesional.

6) Nancy Crozier (Mamie Gummer)
Filiación: Abogados rivales colegiados en Los Mundos de Yupi.
Vista por primera vez en: 'Bad' (1x13).¿No os pasa a veces que al conocer a alguien os preguntáis cómo logró sacarse siquiera la educación básica? La misma pregunta puede hacerse todas las veces que vemos a Nancy Crozier dirigirse al jurado durante un juicio. Pero ahi donde la véis, la amiga es capaz de poner contra las cuerdas al equipo de Lockhart & Gardner, a pesar de que se pase las vistas dibujando corazones en los márgenes del folio.

5) Owen Cavanaugh (Dallas Roberts)
Filiación: Familia Florrick.
Visto por primera ver en: 'Breaking Fast' (2x03).
Hay hermanos con los que tienes tus más y tus menos, que suelen aparecer para darte la vara en el momento más inoportuno, y luego están esos que, aunque sigan teniendo un poco que afinar el sentido del 'timing' siempre acuden a tu rescate para devolverte el sentido y ponerte a andar, o echarte una mano con los críos. Owen, desde su cátedra en la universidad, es todo esto y más para Alicia en los momentos duros.

4) Lemond Bishop (Mike Colter)
Filiación: Crimen organizado.
Visto por primera vez en: 'Fleas' (1x16).
En la delgada línea que separa las buenas intenciones con los más turbios asuntos, se mueve como Pedro por su casa el traficante Lemond Bishop. Su dinero pasado por lejía tiene ramificaciones que llegan hasta los rincones más insospechados por la audiencia, y siempre dispone de un plan B para cuando la justicia se le acerca demasiado. Cumple perfectamente con el arquetipo de delincuente con tacto y cerebro.

3) Kurt McVeigh (Gary Cole)
Filiación: Perito en balas y armas de fuego.

Visto por primera vez en: 'Bang' (1x15).
En las distancias cortas, el experto Kurt McVeigh puede parecer uno de esos tipos duros chapados a la antigua, huraño, machista y con cero habilidad para la ironía y la conversación de altas pretensiones... hasta que Lockhart & Gardner acude a él para que rastree el origen de una bala después de un tiroteo. Nunca ser fan de Sarah Palin había resultado tan útil para garantizarse una cena en buena compañía.

2) Patti Nyholm (Martha Plimpton)
Filiación: Abogados rivales sección Sin vergüenza.
Vista por primera vez en: 'Crash' (1x05).
Desde que la letrada Patti Nyholm se coló por la pequeña pantalla es imposible no desconfiar de aquellas embarazadas y madres al cederles su asiento reservado en el trasnporte público. Mientras que tener hijos es sinónimo de quebradero de cabeza para algunas mujeres durante los nueve meses que dura el embarazo o el resto de su vida, ella no duda en sacarle partido a esta circunstancia para arañar un acuerdo de mínimos in extremis y poner de los nervios al contrincante.

1) Louis Canning (Michael J. Fox)
Filiación: Abogados rivales sección Las apariencias engañan.
Visto por pimera vez en: 'Poisoned Pill' (2x06).
Si sientes compasión por Luois Canning, estás perdido. Uno podría llegar a pensar que, por su discapacidad, este brillante abogado tiene ciertos estándares y se dedica a luchar por los intereses de los menos poderosos. ¡Ja! No sólo está lejos de eso, sino qu, como Patti, tampoco tiene escrúpulos para aprovechar al máximo para su trabajo su condición personal y, de paso, hacerte sentir mal por haber dudado (con razón) de él.

The Good Wife es una serie tan rica en este clase de caracteres que jueces como Abernathy (Denis O' Hare, True Blood) o defendidos tan interesantes como Natalie Flores (America Ferrera) necesariamente se ha quedado por el camino por una simple cuestión de espacio. Por eso, ¿qué otros personajes recurrentes incluiríais en la lista?

(Si vais a dar detalles en los comentarios, por favor, avisad de posibles spoilers).

Otros posts de The Good Wife Bloggers Day:

Sereína: 'Portada'
4:3/16:9 El blog de Antara: 'El piloto'
Como un fénix: 'Alicia Florrick y Juliana Margulies'
Con series y a lo loco: 'Personajes secundarios'
(A)ficciones: 'Sistema legal, política y ética: el otro triángulo'
Desesperate Cats: 'La actualidad en la serie'
I told you so: 'Los 10 mejores momentos de la serie'

Las consecuencias del 'game changer'

2011-05-29T13:50:00.008+02:00

Si lees esta entrada plagada de spoilers de la séptima temporada de Grey's Anatomy, creéme que tampoco sufrirás infartos. Podrás vivir perfectamente.

Después de la que montó el año pasado, poco se le podía exigir a Shonda Rhimes más que mantuviera a Grey's Anatomy en la espiral de excesos y drama loco en la que había instalado a su serie. Esta séptima temporada ha ofrecido algo de eso, pero en general le ha faltado 'punch', con episodios (salvo excepciones) nada estimulantes y, lo que es más grave, con una sala de descanso con menos tránsito que un páramo fantasma. Y esto es una situación grave dentro de las paredes del Seattle Grace-Mercy West Hospital.

El espectador habitual de Grey's se había acostumbrado a añadir líneas a su propio cuadro de relaciones año tras año, pero es que ni en ese frente la serie ha dado de sí. ¿El 'game changer' significaba un descenso de la actividad extramédica del lugar? Porque para que Sloan se mantenga cuasi célibe, es la única opción posible. Los 22 episodios que componen esta entrega se abrieron curando las heridas de la sangrienta season finale anterior, presentando unos personajes que pedían a gritos unos antidepresivos.

Y he aquí el primero de los cambios porque, si en un mundo normal, sería Meredith quien pidiera pastillas, el sambenito le cayó a Yang y Avery. Una con miedo a operar, y accediendo a casarse con Owen y el otro con la confianza por los suelos también. Meredith se dedicaba a intentar quedarse embarazada de Derek y a trabajar en un ensayo sobre el Alzheimer, mientras que su hermana, Lexie, parecía que se había pasado con el café (o con otras sustancias, a saber) de tan acelerada que iba, más de lo normal. April seguía siendo April acercándose a Bizcochito... digo el doctor pediatra Stark, mientras que Alex curaba sus heridas de guerra y concentrándose en salvar a niños y Bailey se daba una alegría al cuerpo con el enfermero. ¿Alguien se acuerda de Teddy y el Chief?

Todo el mundo sabe que la felicidad en Shondaland dura menos que lo que le dura una serie a Christopher Gorham en antena, así que a pesar de que Callie y Arizona se las prometían muy contentas... Nanay de la china. Es más, fueron objeto central de todas las tramas habidas y por haber en una misma temporada. Que levante la mano a quien le haya pasado más cosas a estas dos en este tiempo: Arizona se fue a África, entremedias Callie se acostó con Sloan para consolarse mutuamente por sus fracasos, por supuesto no puedes acostarte con nadie sin que haya regalo, Arizona vuelve rogando a Callie, que le da el regalo de bienvenida, y se reconcilian. Pero, claro, como el equipo de Mama Rhimes tiene que demostrar que a progre no le gana nadie, y dado que a Sloan había que darle algo que hacer porque Lexie pasaba de él con razón lo plantan de padre presente de la criatura, con un instinto paternal desatado después de que él mismo dejara ir a su propia hija y a su nieto.

Sloan solía ser unos de mis personaje favoritos de la serie, pero se lo han ido cargando a base de bien al involucrarlo tanto en tramas ajenas y convirtiéndolo en un llorón caprichoso. En vez de reconstruir su relación con Lexie, que me gustaba al principio (nunca tanto como Lexie con Alex he de decir), han ido arrastrando el tema hasta llegar a los niveles de hartazgo del MerDer de los primeros tiempos, mientras que estos últimos han destacado por su comportamiento digerible al pasar a un segundo plano. Parece que caer bien y adquirir protagonismo no es compatible en esta serie.

Pero mirad lo que han dado de sí Arizona y Callie que hasta han tenido experiencias cercanas a la muerte. El espíritu del 'game changer' también se ha extendido al diseño de los guiones con experimentos como ese episodio rodado en 'tiempo real' a lo 24 relatando una hora en el servicio de urgencias y, por supuesto, al musical hecho con hits de la serie. Han tenido siete años para innovar y lo hacen todo de golpe. El musical paranormal, en el que Sara Ramírez (como no podría ser de otra forma) brilló con su voz, tuvo sus momentos de vergüenza ajena como ese momento coche en las nubes muy Harry Potter y de canciones metidas con calzador, como esa 'Chasing Cars' mientras se opera (WTF!), en las que extrañamente Kevin McKidd adquiría protagonismo a la mínima oportunidad.

Cuando digo que esta temporada ha sido como un gran limbo en el que apenas ha pasado nada hasta los últimos cinco episodios es porque no me sobran las razones. Para terminar con el maratón hemos asistido a la megaboda de Callie y Arizona (ni queriendo se pueden hacer tantas cosas en un año, en serio), a la boda exprés civil de Meredith y Derek previa a la adopción de una niña africana, al embarazo no deseado de Christina y al despido de Grey del hospital tras hacer una pequeña trampa con los pacientes del ensayo médico.

Ya que Grey ha estado muy poco activa en el terreno sentimental, le tocó llevar el peso de una de las dos grandes tramas médicas de este año junto con la carrera por convertirse en jefe de residentes: la del ensayo para encontrar una cura al Alzheimer, enfermedad que parece perseguirla a ella y a Chief, porque en un alarde de originalidad le han pasado el mismo mal a Adele, mujer del Chief, que a Ellis, la difunta madre de Meredith y antigua amante del Chief. El chanchullo de Grey para darle la oportunidad a Adele de entrar en el ensayo ha servido para poner otra vez a Meredith en el camino de las actitudes borderline que tanto la caracterizan y, por qué no, para recordar que se parece a su madre más de lo que ella cree. La serie puede volver a sus fueros originales con este giro argumental.

El pobre Alex sigue siendo blanco del maltrato de los guionistas que se empeñan en presentarnos a un tipo odiable y presa de sus arrebatos, para después intentar arreglarlo con acciones muy dignos del propio Alex. Traicionado por su medio novia, Lucy (a la actriz la veremos en el remake de Los ángeles de Charlie que estrenará la ABC), detestado por sus compañeros y con las opciones de ser jefe de residentes por los suelos, es el personaje que ha acabado en el peor lugar de todos. En comparación, al menos Christina siempre puede acudir a casa de Grey, April es la nueva jefa, Jackson tiene a Lexie después de que el cansino de Sloan en un movimiento perdonavidas se la entregara oficialmente (?), Bailey va en serio con su enfermero, y Teddy por fin ha acabado con el amago de Denny Duquette 2.0. que es Henry, un insportable dramas de la vida interpretado por un necesitado (quiero pensar que ésta es la razón apra aceptar semejante papel) Scott Foley (Noel en Felicity)

Con este panorama más le vale a Derek acabar su casa en medio del monte, un asunto que siempre me viene a la cabeza porque, ¿este hombre no gana lo suficiente como para tener nada más que cuatro postes mal levantados?

Si es cierto que la octava temporada puede ser la última, ya va siendo hora. Eso, o que Shonda siga con pretensiones de superarse.

The beast, in my opinion

2011-05-21T13:47:00.008+02:00

Este aviso impide que me demandes por spoilearte la segunda temporada de The Good Wife y su season finale.

Yo lo dijo Pep Guardiola hace unas semanas: "Mourinho es el puto amo". Pues bien, viendo que no hay manera de calificar a esta serie que es The Good Wife, más vale aplicarse el cuento del entrenador blaugrana, aunque con ninguna ironía. La ficción de la CBS, con su espectacular segunda temporada recién finalizada, es la puta ama, la bestia parda de la liga de las networks este año. Sólo ha hecho falta que el matrimonio formado por Robert y Michelle King haya desatado al animal que vive dentro de Alicia Florrick. 'The beast is the best'. Si hace un tiempo decía que la única justicia que se le podría hacer a la serie era dejar una entrada en blanco porque no hay adjetivos que le hagan justicia, ahora, terminado este segundo ciclo de 23 episodios, la respuesta está clara: no busques epítetos desde la razón, sino desde el instinto.

Cada una de aquellas claves de la excelencia de The Good Wife alcanzan su sentido gracias al viaje emprendido por Alicia, desde aquel piloto en el que se nos presentaba una esposa estoica y apagada bajo la sombra de su poderoso marido putero, hasta este 'Closing Arguments' (2x23). Aquí, primero en esa sonrisilla satisfecha acariciando la butaca vacía de Diane, y luego en toda la contenidamente pasional escena del ascensor, vemos a un tiburón terminando de abrazar sus instintos, lo que ella realmente quiere: ser fiel a ella misma, aunque sea por una hora. El camino para llegar a este punto ha sido largo y doloroso para el personaje de Alicia que ha ido viendo cómo las decepciones provocadas por sus allegados la iba poniendo en fila para tomar decisiones que sus principios morales le impedirían tomar si no llega a ser por esas bofetadas. Porque para Alicia su familia está por encima de todo, aunque todo tiene un límite. Y esa frontera entre la correción y el 'voy a por todas con todo' tiene un nombre propio: Kalinda Sharma, otro monstruo imponente que ha vivido toda su vida en el territorio en el que el se acaba de adentrar la todavía señora Florrick.

Descubrir tras readmitirlo en su vida que su marido tuvo un lío de una noche con su "mejor amiga" antes de las dos que se conocieran, como modo de devolverle el favor a Peter por ayudar a la fugitiva Leela a cambiar su identidad a Kalinda, fue la bala que rompió el cristal de protección de Alicia. Pero lo que más le dolió a la Florrick no fue la enésima infidelidad de Peter después de haberle prestado una ayuda decisiva para recuperar la plaza de Fiscal del Estado: fue que Kalinda no se lo hubiera contando. Para Sharma, la del bate y los "yeahs" monótonos, repletos de acertijos, no parece existir el pasado (sin pasado no hay consecuencias). O eso parecía.

De entre todos los personajes cebolla de la serie, deliciosos y traicioneros, se podía decir que Blake Calamar (Scott Porter) es una patata porque sabíamos de sus intenciones desde el primer instante: acabar con la investigadora privada, o lo que es lo mismo, desmascararla y demostrar que es humana. Lo consiguió. Son curiosos los paralelismos entre las dos escenas de ascensor que vimos tanto en 'Getting off' (3x22), como en el el capítulo que cierra la doble season finale. En la primera, vemos a Kalinda llorar en primicia después de que Alicia le eche en cara lo que hizo, mientras que en la segunda Alicia y Will consuman su tensión sexual no resuelta (mil gracias). Ambas escenas reflejan con precisión el proceso de catársis que completan ambas mujeres esta temporada y dan una idea del cuadro mental con el que empezaran la tercera etapa, que en el caso de Kalinda se resume en esperar el perdón de su amiga e incluir algo de escrúpulos a su catálogo de seducciones futuras.

Perfección desde el oficio.

Hablando de conquistas, a The Good Wife le ha hecho falta muy poco para meterse en el bolsillo la crítica y a su audiencia fiel semana tras semana. Aunque todo depende de lo que entendamos por poco, claro. Poner toda la carne en el asador en guiones basados sólo en la brillantez de unos personajes sujetados por unos excelentes actores requiere maestría y un constante ejercicio de funambulismo porque a la mínima puedes fallar. Una narración desnuda, apoyada en los pequeño gestos y miradas, y encima inserta en uno de los géneros más hostiles, cartabonizados y vilipendiados de todos: el procedimental legal. Sin embargo, entre líneas, pacífica y elegantemente, ha reinvindicado otra forma de hacer 'procedurals', en la que los personajes llevan los casos de la semana, no al revés. En Chicago, pueden convivir las tramas autoconclusivas y una amplia red de tramas y subtramas serializadas.

La serie no ha inventado nada, pero exprime al máximo recursos narrativos ya existentes. En las tramas autoconclusivas se vale de una potente agenda de personajes recurrentes para enriquecer estas historias episódicas: el grupo de jueces con Abernathy (Dennis O'Hare) a la cabeza; el vengativo Glenn Childs (Titus Welliver); los abogados rivales como el incisivo Louis Canning (Michael J. Fox), la mordaz embarazada Patti Nyholm (Martha Plimpton) o la novata Nancy Crozier (Mamie 'MiniStreep' Gummer), o el ex socio de Lockhart & Gardner, Jonah Stern (Kevin Conway); la colega con beneficios de Kalinda Lana Delaney del FBI (Jill Flint); el hermano de Alicia, Owen (Dallas Roberts); el mafias Lemond Bishop (Mike Colter); el papá investigador Andrew Wiley (Tim Guinee); la trepilla Becca (Dreama Walker); el experto en armas que se liga a Diane Lockhart, Kurt McVeigh (Gary Cole); el rollete de Will, Tammy Linata (Elisabeth Reaser).... Y así hasta casi el infinito, por no mencionar el plantel de las estrellas invitadas en el que esta temporada ha sobresalido una estupenda America Ferrera en la piel de la inmigrante coquito capaz de tocarle la vena al lince de Eli Gold.

La pertinencia y complejidad de los casos ha sido otro de los puntales de The Good Wife en su faceta de procedimental con historias muy pegadas a los titulares e incluso profetizando escándalos como el del ex director gerente del FMI, Dominique Strauss-Khan, en esa maravilla de gris que es 'Vip Treatment' (2x05). O dando una idea de las triquiñuelas del sistema legal estadounidense en 'On Tap' (2x08), conocido oficiosamente como el del "In my opinion", o triturando el estereotipo del inmigrante ilegal en 'Silver Bullet' (2x15). Sin embargo, también es capaz de dar muestras de lo peor y lo mejor en un mismo capítulo. 'Foreign Affairs' (2x20) es prueba de ello, con un caso muy interesante que se ve manchado por parodia de Hugo Chávez que, si bien es proporcional a la realidad, desentona con la forma en que la serie tiende a tratar estos asuntos delicados. También chirrió la ausencia de Peter cuando el foco dramático se ha había puesto en la trama que protagonizaba.

- We've always had bad timing, haven't we?
- We have.
- What if would've suddenly had good timing just for... an hour? What'd that look like?

Si nos adentramos en el siguiente nivel de personajes, el de los protagonistas y secundarios, encontramos aquellas historias que se desarrollan de forma transversal durante toda la temporada y las que se completan en arcos argumentales de unos cuanto episodios. Dentro de este primer grupo tenemos tenemos el asunto inacabado de Will y Alicia; la campaña de Peter Florrick orquestada por Eli Gold (ambas con anclajes ya en la temporada de estreno); la relación tirante del matrimonio Florrick; la faceta de Alicia como madre y sus diferencias con su suegra, Jackie; las lealtades dividadas de un Cary Agos más agriado que nunca porque Alicia se quedó con la plaza en el bufete; y el misterio de Kalinda; y el nuevo frente abierto con Peter como Fiscal otra vez. En el segundo grupo de tramas dominan las intrigas palaciegas del bufete con la llegada de un socio bastante sucio en la figura de Derrick Bond (más Blake de paquete) y el plan para echarle que urden Diane, Will, David Lee y Julius Cain con una escena de gueto memorable a las afueras del edificio de la firma.

La guerra que dio Michael J. Fox...

¿Acaso todo esto es fácil de hilar? La serie de los King juega bien sus cartas y consigue transmitir una ilusión de oficio y tradición que bien podría suponer una barrera de entrada para una parte de los espectadores, pero que acaba por fascinar una vez vistos algunos de los capítulos. Visualmente tampoco aporta nada, y ni falta que le hace, porque está inmaculadamente producida y dirigida desde las bases. Pero cuando el propio Robert King logra darle un poderoso y original empaque dramático al tan manido cliché del ascensor (me parece que esto se ha convertido en un 'running gag' en Grey's Anatomy), queda patente que no hay una serie en la actualidad de las cadenas generalistas con un mejor sentido de la oportunidad que The Good Wife en la utilización de algunos recursos. Torpedama, en una de las charlas florrickeras en Twitter tras la season finale, destacaba las canciones como uno de estos elementos.

¿Una nueva CBS?

Un pensamiento frecuente acerca de esta ficción es preguntarse cómo se hubiera desarrollado en un canal de cable donde la libertad creativa es casi total. Al principio de su andadura era común leer comentarios acerca sobre lo poco arriesgado y mojigato de algunas de sus propuestas dramáticas, que a la vista está han ido intensificando conforme pasaban los capítulos, muchas veces sitúandose en el límite de los cánones permitidos una cadena tan fordista como la CBS. ¿Hubiera sido The Good Wife tal y como es de no emitirse en el Ojo? Cuestión de respuesta incierta, pero sí queda patente que la serie ha demostrado una capacidad de adaptación al entorno en que se mueve precisamente por maximizar las armas de las que dispone. La sutileza narrativa de la serie, su sorprendente éxito y sus méritos, en general, no se entienden sin el hecho de que provenga de este conglomerado mediático.

La CBS, por su parte, está dando signos de (lento) cambio en sus planteamientos creativos, apoyada en la única serie que lleva el nombre de la cadena a la lista de las nominaciones en los premios más importantes, ya sea en las categorías de programa como en las de interpretación. En los upfronts de este año se ha confirmado el claro cansancio de la franquicia CSI, otrora tótem de la CBS, cuyo centro CSI: Las Vegas ha sido desplazada de su posición privilegiada en la competida noche de los jueves por el nuevo proyecto de Jonathan Nolan (el hermano de Christopher) y la factoría de J.J. Abrams. Para The Good Wife empieza ahora otra etapa en su nuevo horario de los domingos a las nueva de la noche en confrontación directa con unas Desperates Housewifes lejos de una gloria que ahora se ha mudado a un bufete de abogados de Chicago.

Más apuntes sobre spoilers

2011-05-15T22:50:00.014+02:00

Spoiler: información presentada en forma textual, gráfica o audiovisual relativa a los acontecimientos que ocurrirán en futuras emisiones de un programa de televisión, y por tanto, desconocida por la mayoría del público. Los spoilers tienen dos consecuencias, una positiva y otra negativa. Por un lado, estas informaciones implican el riesgo de que, si se conoce su contenido, pueden anular el efecto sorpresa del programa en el público y, por otro, generan conversación y expectativa acerca de lo que se podrá ver durante las próximas emisiones, de modo que se refuerzan las acciones publicitarias oficiales del programa, dando visibilidad a esa marca televisiva en Internet.

Hace cosa de un mes escribí una entrada sobre cómo sacarle partido a los spoilers y me he dado cuenta de que quizás he estado empezando la casa por el tejado. Se trata de un palabra muy común en la jerga seriéfila y, por esa razón se asume que todo el mundo conoce su significado y uso, pero luego comentarios en Twitter y lecturas en medios indican que, al menos en nuestro ámbito hispanoparlante, cada uno tiene su propia idea personal de este neologismo (que viene del inglés to spoil, estropear, destripar) cuando, en realidad, está más que definido (mi aportación no hace más que amalgamar ideas ya asentadas sobre el tema para una investigación en la que participo).

En general, se considera spoiler cualquier detalle del argumento de una historia, es decir, de lo que ocurre dentro de los límites de la ficción. Sin embargo, cuando esa historia se cuenta de manera fragmentada en formatos tan periódicos y con un alcance tan masivo como son las series de televisión hay que añadir ciertos matices a ese concepto. El número de emisiones de nuevos desarrollos de la historia se organiza alrededor de un calendario, por lo que el público que sigue esa serie de acuerdo al calendario original del país de procedencia serán los primeros en saber la culminación de las tramas.

Los spoilers, dentro de este contexto y en todas las formas que adoptan (desde sólo texto, fotos, a promos y 'sneak peaks'), siempre hacen referencia a acontecimientos que ocurrirán en el futuro dentro de la narración y se crean para satisfacer las demandas de este primer grupo de espectadores. Los spoilers, por tanto, no tienen sentido fuera del momento actual de la serie y del público, nacional e internacional (gracias a Internet) que está al día. Cuando algo se emite por televisión la primera vez, deja de ser spoiler en sentido estricto, de ahí todas esas imágenes en Tumblr, por ejemplo, después de la emisión de la finale de Fringe o de cualquier otra serie. Porque lo que importa siempre es el futuro cuando se habla de spoilers, no lo ya emitido.

Autocensura, geografía y comunidad.

Sin embargo, la forma de funcionar de los spoilers tiene su paradoja particular porque mientras Internet favorece la propagación de estas informaciones, todavía se sigue pensando bajo esquemas geográficos o localizados y no a nivel global como exige la propia lógica de la Web. Muchos de esos Tumblr proceden de fans norteamericanos o británicos que están creando contenido (léase GIFs, recaps o lo que se tercie) para sus amigos o el resto de comunidad de seguidores de la serie a la que pertenecen, por lo que no se autocensuran pensando en el fan de las antípodas que sigue la serie doblada en su país. Pero pedir una autocensura generalizada tampoco sería la solución, ya que para eso está el bendito botón de 'unfollow'. Cualquier espectador que combina series e Internet sabe a lo que se expone, y tiene herramientas a su disposición para evitarlo, porque si alguna libertad conceden los medios sociales ésa es la de confeccionar como usuarios qué es lo que queremos consumir y lo que no, y como productores de contenido, segmentar el tipo de audiencia a la que nos dirigimos.

La comunidad de interés a la que se pertenece determina la libertad de circulación de los spoilers, o incluso su calificación como tal. En pocas palabras, todo depende del contexto. Por ejemplo, yo veo The Good Wife tan pronto como me es posible al día siguiente de su primera emisión, por lo que para mí deja de ser un spoiler lo que he visto en el último episodio. Sin embargo, cuando hablo de la serie en este blog tengo que poner avisos, o en Twitter, ser sutil (aunque a veces es ciertamente difícil) porque sé que no todo el mundo con el que interactúo está actualizado con la serie o ni siquiera la ha visto. En corto, la comunidad en la que me muevo es muy heterogénea, somos seriéfilos en general. Si sólo produjera para florrickistas de pro, u otro 'fandom' en concreto, la historia sería distinta.

No te fijes mucho en la imagen si no quieres ser spoileado

Vía Microsiervos

Noticias, noticias son.

En cualquier caso, un aspecto en particular no admite discusión: los spoilers atañen puramente a sucesos que ocurren en la ficción. Información paratextual del tipo noticias sobre bajas y nuevas incorporaciones en el cast de la serie son noticias, no spoilers. De lo contrario, ¿cómo harán su trabajo publicaciones del mundo del espectáculo como Variety o Hollywood Reporter? Decir simplemente que Robert Sheehan abandona Misfits la próxima temporada y que lo sustituirá Joe Gilgun bajo la piel de un nuevo personaje llamado Rudy no es un spoiler, porque, factor importante, no se indica cómo se produce esa marcha ni cómo se presenta al nuevo personaje, ni lo que hará en en la serie (a menos que eso qué hará sea un asunto vital en la trama como la identidad de la madre de los hijos de Ted en How I met your mother). Si esa noticia viniera acompañada de una descripción pormenorizada del episodio convendría poner al lector (o quien pinche en el link en Twitter) en sobreaviso de que puede encontrar spoilers en el cuerpo. Incluso con la elección de palabras hay que tener cuidado, porque "dramáticamente" dentro de la marcha de un personaje sólo podía significar una cosa para los seguidores españoles de House en Cuatro, que leyeron hace un par de años esta noticia en El Mundo sobre la actualidad de la quinta temporada que se emitía por entonces en USA. Muestra de lo que no hay que hacer.

Para terminar, retomo lo que defendí en mi anterior post sobre el tema: apreciar el cómo suceden los acontecimientos y los detalles en su contexto dentro de la historia es básico para minimizar el disgusto que a algunos le puedan producir los spoilers. Será por mi formación, pero distingo diferentes grados de contenido spoiler coincidiendo con las cinco preguntas clásicas de un texto periodístico: qué, quién, cuándo, cómo y por qué. El quién hace qué estaría dentro del nivel más superficial y con menos peligro de todos, que resulta prácticamente inexistente para quienes consumimos spoilers pues nuestro entretenimiento se construye a partir de ahí.

Si añadimos el cuándo nos encontraríamos en un estadio intermedio ya que empezamos a adentrarnos en la mencionada información contextual, de las que es imposible desprenderse en algunos tráilers, promos y sneak peek de poca duración por citar algunas situaciones. En cambio cuando tenemos enfrente un recap escrito con todo lujo de detalles o un vídeo con un fragmento más o menos largo de un capítulo estamos ante una alerta clara de cómo y por qué: el riesgo total de destripe. Por ello, para responder a estas dos últimas preguntas, lo mejor es ver el capítulo entero a su debido tiempo.

PD: La primera imagen es cortesía de @InakiO

Oro debajo del lodo

2011-05-03T20:50:00.006+02:00

Quería dejar esta crítica para más adelante porque no pretendo dar la impresión de que este blog vive de beber té a las cinco, pero una vez que tu vida se cruza con la de la prostituta Sugar, no puedes más que rendirte ante (again) la última maravilla que ha salido de la fábrica de chequés y corsés de la BBC: The Crimson Petal and The White, la adaptación de la novela homónima del holandés Michel Faber (titulada Pétalo carmesí, flor blanca, en español), un autor contemporáneo que se ha atrevido a mostrar las patologías de la muy flemática sociedad victoriana sin escatimar crudeza, fealdad y abriendo muchas alcantarillas. Y esto lo digo sólo con el recuerdo de la serie y el barro que se acumula en los bajos de los vestidos de la protagonista, de esas manchas producto de la falta de higiene que se pueden ver en su piel y de esos charcos de los bajos fondos londinenses cuya agua de cólera no quisieras que te salpicara. El ecosistema de cualquier historia de Dickens elevado a la enésima potencia al mezclarse con el descaro de lo posmoderno.

Como otras adaptaciones de la casa, el acabado de la ambientación y la fotografía es insultante, aunque esta vez los esfuerzos se centran en mostrar la cara menos amable y bucólica de la vida, la de la cruel ciudad, con un realismo llevado al extremo, hasta rozar la saturación. Una obra tan barroca visualmente que sería una suerte de equivalente catódico de esas sombras imposibles pintadas por Caravaggio, y su afición a representar a apóstoles de pies negros y rostros de vagabundo. Aunque, del mismo modo que ocurre con las telas del genio atormentado, estas imágenes de decrepitud y oscuridad irradian belleza y oficio.

The Crimson Petal and The White es una fábula de supervivencia, la de Sugar, que desde la pubertad lleva encandilando a los hombres en el prostíbulo de la enigmática Mrs. Castaway, interpretada por una sorprendente Gillian Anderson escondida bajo kilos de maquillaje. Autodidacta, la joven meretriz cultiva una afición pérfida por la literatura, que utiliza para volcar sus más primarios instintos. Y este amor por las letras, unido a su inteligencia y encantos evidentes, será lo que la lleva a convertirse en la favorita de William Rackham, un puslánime niño bien del barrio de Notting Hill, escritor frustrado al que no le queda más remedio que atender el negocio familiar de perfumería, mientras su mujer, Agnes, sufre encerrada en casa, víctima de la enfermedad mental.

No todo el constante delirio y opresión que se respira en los cuatro capítulos de la miniserie procede de las enajenaciones de Agnes. Si fuera así el bizarrismo y podredumbre moral que dominan la producción quedarían como un elemento decorativo. Apenas hay personaje libre de demonios o que no exhiba extravagancia retorcida. Así, Curlew el médico, el hermano de Rackham, Miss Fox, o personajes que sólo dicen una cuantas líneas, podrían catalogarse de espeluznantes o alucinados dejando a Sugar en un simple ángel de infierno (pero un ángel, a fin y al cabo) y a Rackham en un mindundi al que superan las circunstancias.

La actuación de Chris O'Dowd como Rackham, en un papel dramático alejado del geek Roy de The IT Crowd es una de las grandes sorpresas dentro de esta rosca de miniserie, donde Romola Garai, al igual que ya hiciera con Emma (habrá que ver qué ofrece este verano en The Hour), se adueña del personaje, haciendo más endeble su vulnerabilidad y azuzando más si cabe los maremotos interiores de Sugar. Si la producción golpea a los ojos en algunos momentos, es con las interpretaciones de un cast fusionado con la historia con lo que se te revuelven las entrañas y te atrapa.

Sin ser gore, The Crimson Petal and The White no es apta para espectadores aprenhesivos a las emociones en carne viva, pero a la vez resulta una experiencia imperdible porque se trata de un testimonio brillante de la subversión de géneros televisivos. De cómo la etiqueta 'de época' no determina un solo tipo de narrativa histórica, sino que se reduce un mero contexto donde pueden suceder multitud de pasiones universales y tienen cabida desde la comedia, el romance, el suspense o el thriller psicólogico que acertadamente destaca Serieína para este caso.

Una miniserie atípica para disfrutar de principio a fin.

Emma la listilla

2011-04-25T15:30:00.006+02:00

Seguimos con la ronda de adaptaciones literarias, y toca volver a la lección sobre Jane Austen. A diferencia de Orgullo y Prejuicio, esta vez no iba con el antecedente de la novela en la cabeza con lo que no puedo reseñar nada sobre la fidelidad de la BBC a la hora de recrear en tan sólo cuatro episodios la historia de Emma (2009), la pizpireta casamentera de Highbury. Sin embargo, sí se pueden destacar lugares comunes, ya sea en el habitual talento y pasión por lo exquisito de los equipos de producción que se encargan de las miniseries de época británicas, o en el verdísimo rural que rodea la casona donde suceden la mayoría de las fechorías de la rubia Emma Woodhouse, encarnada por una Romola Garai de sonrisa socarrona.

La pequeña Emma creció huérfana de madre y demasiado consentida por su rico y viejo padre, el señor Woodhouse (Michael Gambon, Dumbledore en Harry Potter), al que le aterra la idea de que su hija algún día se vaya del hogar como ya hizo la mayor, Isabella, a la que la misma Emma enredó para que se casara con el hermano de George Knightley (Jonny Lee Miller), un antiguo amigo de la familia que siempre está reprobando el comportamiento de Emma. Porque ésta, lejos de tener el cerebro dormido por una educación entre algodones, presenta una fachada de joven de vuelta de todo en la vida y que va cinco pasos más adelante que sus vecinos... ¡sin haber salido de su pueblo! Por eso, no es de extrañar que su pasatiempo favorito sea organizarles la vida y sus relaciones como si se trataran de marionetas, aunque ella no querría para sí el mismo destino. La celestina se niega a casarse.

Si no fuera porque estamos ante una comedia de enredo de manual, presentado así el personaje parecería una intrigante carente de escrúpulos. Nada más lejos de la realidad. La arrogancia inconsciente, vacía de maldad, que mueve las acciones de Emma la llevan a cometer más errores que aciertos. Aunque para el espectador sea una juego adivinar a qué pobre alma le va a tocar la china de las travesuras de la protagonista. En la película que le monta la joven Woodhouse a su nuevo proyecto de amiga, la muy dócil Harriet, recae el peso del relato y en ella confluyen gran parte de los conflictos que hacen avanzar la trama. Tampoco hay que olvidarse de la envidia no tan secreta de Emma hacia la modesta Jane Fairfax, la chica perfecta a la que todo el mundo adora, a través de la cual se ven muchas de las grietas del personaje.

Garai, una actriz a la que recordaba de aquella cosa llamada Dirty Dancing 2, hace gala de un amplísimo repertorio de registros faciales y gestos, pasando por la pillería, deteniéndose en la perplejidad y torciendo a la compasión con una gracia imperceptible a lo largo de los cuatro capítulos. Lee Miller, conocido por Trainspotting y por ser el primer ex de Angelina Jolie, se muestra más igualatario en su actuación, pero porque su personaje no experimenta una evolución sustancial y hace las veces de Pepito Grillo de la historia. Su Knightley es el tío más cabal del pueblo en contraste con el señor Elton, el vicario arribista, y el misterioso señor Churchill.

Si hay algo que se le pueda reprochar a la miniserie, inevitablemente se debe mencionar su duración. Cuando se habla de este tema, suele ser para alabar porque permite contar lo justo y necesario sin estirar el chicle. En este caso, sin embargo, sucede todo lo contrario. Sin tener idea de los acontecimientos del libro, cuatro actos resultan tacaños por esas prisas repentinas en cerrar las tramas que conforman un final metido a presión que rompe con el moderado ritmo narrativo que se mantiene durante casi todo el relato.

A excepción de este detalle, el conjunto es muy digerible, presentando los patrones típicos salpican la obra de Austen, con sus tensiones sociales latentes, maraña de malentendidos, y personajes excéntricos entre la vergüenza ajena y lo entrañable.

Skins US y los riesgos de los remakes

2011-04-16T18:45:00.003+02:00

Llevaba retrasando esta entrada un rato largo porque, después del mal sabor de boca general que me dejó el visionado del remake estadounidense de Skins, lo que menos me apetecía era que me saliera una crítica muy negativa. Y, aunque tampoco sea demasiado bueno el uso que le voy a dar a la serie a continuación, por lo menos me sirve para esbozar algunos de los peligros a los que se enfrentan las nuevas versiones de éxitos recientes, todavía calientes en la memoria como para inducir una molesta y resacosa visión doble cuando nos enfrentamos a las reescrituras:

1) La inevitable comparación. Si el propósito es remakear una serie que no ha muerto hace mucho, o más difícil, una que aún esté en emisión, se multiplican las probabilidades de que se pongan las dos sobre la mesa y se juegue a detectar las siete diferencias. Para esto también hay que tener el cuenta la fama y el alcance de la ficción original, porque no es lo mismo hacer un remake de una producción poco conocida o procedente de un país con peso pluma en la industria audiovisual (me viene a la cabeza The Killing que adapta a la danesa Forbrydelsen -que levante la mano quién la haya visto por estos lares-), que una serie británica con un número aceptable seguidores en el mundo. Skins US tenía todas las de perder la carrera de llegar primero a su audiencia, incluso en su propio territorio, porque el original ya se emitía en BBC América.

2) Cambiar o no cambiar elementos. El juicio de la comparación depende de lo mucho o poco que el adaptador se aleje del texto fuente. En este sentido, se aprecia un esfuerzo consciente por parte de Bryan Elsey de romper con su propia obra y de autocopiarse con otro acento. Pero es una tarea que se queda a mitad de camino, ya que por un lado cambia las personalidades de algunos personajes como el calculador y brillante Tony Stonem convirtiéndolo en el pseudolíder mediocre Tony Snyder, pero al final del día, sigue llamándose Tony y desempeñando una función parecida dentro del grupo. Y es ese cambio de actitud del personaje el que deja de justificar su nombre propio (los nombres se cargan de significados que asociamos a ciertas cualidades, en el universo Skins Tony es manipulación ) y su puesto en el centro del drama como el guión se ha encargado de recalcar de forma desastrosa.

La generación perdida

No obstante, el principal motor de los cambios es Tea, la (en teoría) irresistible lesbiana que vino a sustituir al testimonial e igualmente gay Maxxie, pero que ha actuado como una veleta a lo largo de todos los episodios, argumentando supuestas "conexiones" y enamoramientos que no encontraban su reflejo y explicación en lo que se veía en pantalla. El 'hábil' guión de la serie, merecería un post para el sólo, de verdad. En una luz más positiva se encuentran las modificaciones en los arcos argumentales de Daisy (Jal) y Abbud (Anwar), y sobre todo, Cassie (Cadie), Stanley (Sid) y Michelle, gratas sorpresas que quedan enterradas por la chapuza general. Con Chris, no entro porque se trata del personaje más calcado, si bien, su historia está ligada a una decisión creativa que termina por sentenciar cualquier resquicio del espíritu del original en este remake. ¿Qué hace un adulto protagonizando uno de los diez episodios?

3) Las costumbres del país. Todo el mundo se temía lo peor cuando se anunció el proyecto de remake: "No van a ser la mitad de atrevidos, seguro que censuran cosas". Las drogas y el sexo adolescentes son un tema tabú en Estados Unidos, así que la rebaja en el atrevimiento había que aceptarla, aunque se trate de la misma MTV que no se corta en sus realities. Lo más gracioso del tema es que ni con autocensura, la serie fue del gusto de la inanerrable defensora de la moral Parent Television Council (PTC), que convirtió a la serie en objeto de sus ataques por una supuesta promoción de la pornografía infantil (y todo porque se le ve el trasero a Chris). Al final, tanto escándalo desembocó en una retirada cuasi masiva de anunciantes al que ni siquiera la audiencia fue capaz de responder, porque Skins US perdió nada menos que dos millones de espectadores entre la premiere y el segundo episodio.

Dicen que el morbo hace subir el share, pero el mérito no fue de la PTC, sino de una serie muy mal planteada en el que hasta las escenas polémicas resultan artificiosas en un contexto social en el que quizá el desfase suceda o esté concebido de otra forma a esas edades. En otras palabras, ¿así es la versión exagerada del adoelscente yanki a pesar del trabajo de campo realizado con adolescentes de la zona? Sigo afirmando que hubiera sido mucho más satisfactorio crear unos personajes y tramas totalmente inéditos.

La cara 'triste' de Tony Snyder

4) Los actores escogidos. Si el conjunto ya aparece impostado e increíble, mejor no discutir sobre el bajísimo nivel de las actuaciones. La televisión británica, o ya puestos, las islas, es un caso aparte por su capacidad producir como churros talento interpretativo a edades muy tempranas. Pero lo que se encuentra en US Skins no llega a un mínimo. Obviando el desafortunado libreto, Sofia Black D'Elia (Tea) y James Newman (Tony), por ejemplo, no son capaces de añadir un nuevo registro facial a sus expresiones ni darle tonos diferentes a su pronunciación. Es como si los robots actuaran, muy por debajo de lo que se espera en papeles sobre los que recae gran parte de los conflictos. Y la situación no hace más que empeorar cuando, como ocurre con Tony, se tiene el referente británico de Nicholas Hoult a la vuelta de la esquina. No es que todos los actores de la primera generación de Skins fueran consistentes en sus habilidades, pero lograban transmitir con bastante más solvencia que esta pandilla, donde Britne Olford (Cadie) y Rachel Thevenard (Michelle), dentro de lo que cabe, logran maquillar un poco lo inmaquillable.

A día de hoy, la MTV no se ha pronunciado acerca del futuro de la serie. Con tanto silencio y ratings en mano, todo parece indicar que está más cerca de la cancelación pero, si el canal decide renovarla, con una vez ya me habrá bastado.

¿Se os ocurren otras razones para pensárselo dos veces antes de rehacer una serie?

Pilotando The Borgias: Corrupción celestial

2011-04-08T22:20:00.010+02:00

Vicio ha existido desde que el hombre se alzó sobre dos extremidades, pero parece que Showtime sólo lo encuentra en la Edad Moderna, cuando se comenzaron a formar los primeros Estados. No se lo puede culpar de nada porque si hubo una época en la que la lujuria por el poder fue más obvia es ésa. El humanismo floreciente devolvía el protagonismo al hombre, que hasta entonces había vivido a la sombra de Dios, pero algunos se lo tomaron demasiado al pie de la letra y le dieron una buena razón a Maquiavelo para escribir aquello de "el fin justifica los medios". Tras las seis esposas del hereje Enrique VIII en The Tudors (2007-2010), el canal de cable premium se va con The Borgias al Vaticano que lo excomulgaría unos años después para contarnos que los Papas de aquella época eran tan, o más, candidatos a ser expulsados de la Santa Madre Iglesia Católica. Porque las tiaras papales también estaban llenas de ínfulas principescas y de toneladas de avaricia, y si no que se lo digan al Papa Alejandro VI, o como lo conocían en Valencia antes de italianizarse el apellido: Rodrigo Borja.

El título de la serie va en plural porque, como buena saga de mafiosos (se diría la decana de todas las sagas), aquí la familia importa mucho. El papa Borgia era también papá, faltaría menos. Ahí estaban los guapos César y Lucrecia y Juan criados en las comodidades de un palacio donde vivían con su madre. Y como buena familia se apoyaban los unos a los otros, especialmente si se trataban de españoles inmigrantes odiados por sus nuevos vecinos, y bajo la sospecha fundada de que su padre había amañado la votación del cónclave que lo eligiría como Sumo Pontífice previo soborno de los cardenales más débiles. Éste es el punto de arranque del doble piloto que presenta una primera temporada de 13 capítulos en los que Neil Jordan (director de Entrevista con el Vampiro) tiene la tarea de tejer la tela de araña de corrupción, sexo, asesinato, incesto, conjuras y la lista de pecados capitales multiplicada por cinco que hizo famosa a esta csa.

Lo primero que resalta en el visionado es el sublime nivel de la producción, que provoca un piscinazo total en los ambientes del Vaticano de la época, que todavía estaba a la espera de que otro Borgia, el Papa Julio II, retomara las obras que con el tiempo le darían el aspecto que tiene hoy. Desde los espectaculares y pictóricos títulos de crédito hasta las telas de las sotanas, todo ello supera con creces la prueba de garantía de verosimulitud necesaria en cualquier producto que bebe de la Historia. No pongo la mano en que los siguiente capítulos los hechos no se adaptaran a los requirimientos del drama, pero el material lo tiene todo para enganchar. Sobre todo, a aquellos enamorados de las intrigas palaciegas que nos contaban los profesores y que eran la salsa de las clases.

Junto con esta atención al detalle, encontramos una actuaciones acertadas (se nota el oficio británico en el reparto) entre las que destaca un excelente Jeremy Irons, como el patriarca Borgia, un personaje que cae de lleno en la bolsa de personajes retorcidos y perversos que acostumbra a interpretar el actor inglés. Menos seguro en su rol está el actor que interepreta a César, François Arnaud, al que me tendré que creer un poco más en sus sospechosas interacciones con Lucrecia (Holliday Grainger) y en sus tratos con el asesino Micheletto, un tipo inquietante y de pocas palabras, al que el rostro afilado de Sean Harris contribuye a dar forma.

Si hay algo que se le pueda reporchar a este piloto es su excesiva duración. La estrategia del doble episodio, además de espantar a los alérgicos a este tipo de aperturas, también entraña el riesgo de aburrir. En comparación con la segunda parte, la primera adolece de una falta de ritmo y acción considerable, posiblemente por abusar de la repetición de escenas que cuentan lo mismo, como todo el proceso de las dos votaciones que tuvo que superar Borgia para salir elegido desde la muerte de Inocencio VIII. Por el contrario, en el segundo acto se vislumbra lo que la serie está dispuesta a dar y nos muestra de una forma más plausible las artimañas de Rodrigo y los desplazamientos de lealtades que sólo acaban de empezar.

Esperemos que los próximos capítulos den más empaque al origen de los protagonistas y agilicen el paso de los guiones porque, sin duda, la trama tiene todos los ingredientes y morbo para establecer un entretenido culebrón de época. De momento, con 1,4 millones de espectadores, es el estreno más visto de Showtime en los últimos siete años.

Disfrutar de los spoilers

2011-04-03T21:45:00.008+02:00

- "The initial shock value may be ruined, but if a drama has nothing else to offer then it isn't worth watching in the first place".
- "Spoilers make the difference between informed speculation and crackpot theories".
- "The words of a quickly written spoiler don't do justice to the actual episode".

Testimonios de fans acerca de los spoilers en Lost en Show Sold Separately: Promos, Spoilers and Other Media Paratexts de Jonathan Gray (NYU Press, 2009, págs. 147-153).

Leyendo uno de los libros de interés para mi investigación de tesis, di con un pasaje en el que me vi reflejada como persona inmune a los spoilers, sospechosos habituales de polémicas entre seriéfilos, figuras satánicas para muchos, y fuente de diversión para otros, entre los que me incluyo. En realidad, la informaciones sobre qué pasará en los próximos capítulos ha estado ahí siempre, si es que consideramos las sinopsis en prensa como una forma arcaica de spoilers. Pero fue la eclosión de Internet lo que provocó la proliferación y circulación de estas pistas de la trama, que, encima, se hicieron mucho más accesibles. El éxito de Lost evidenció de forma masiva unas actividades que se llevaban labrando desde que la Red dejó de ser patrimonio exclusivo de universidades y complejos militares y Twin Peaks volvía loca a la gente a principios de los años 90.

Empieza a sonar a tópico gastado pero la Red cambió la forma de ver la televisión. No sólo en cuanto a los soportes, o la ruptura con los horarios de las parrillas, sino que también puso patas arriba el propio acto de ver sentarse ante la pantalla. Aquello no sería nunca más un entretenimiento exclusivamente solitario de una hora, sino una experiencia social que si uno quiere puede alargar durante toda una semana hasta el capítulo siguiente. La ansiedad del qué pasará después, preguntas que antes, o bien, se las guardaba uno y aguantaba con la intriga, o bien, se podían intentar responder con un grupo reducido de personas, ahora se ponen en común en una conversación online con otros muchos, de manera que es una forma distinta, ni mejor ni peor, de 'ver' y 'vivir' la serie.

Distinta percepción: importa el cómo.

La especulación entra a formar parte del juego también y los spoilers son el instrumento perfecto para animarla. De este modo, la sorpresa del que ignora deja de ser la única forma por la que se obtiene una gratificación viendo el episodio de una serie, sino que ahora el divertimento se desplaza hacia la propia charla y en ver si se superan las expectativas creadas o se desmontan las teorías y escenarios mentales generados por ese spoiler. Porque lo irónico del caso es que quienes leen, miramos y discutimos spoilers estamos deseosos de ser sorprendidos.

La diferencia está en el objeto principal de la sorpresa. La importancia que se le da al 'qué sucede' (la historia) es muy relativa, mientras que el 'cómo sucede' (el relato) se convierte en el centro de gravedad. Se sabe lo que le ocurrirá a los personajes, pero no se tienen detalles del lugar, de las líneas de diálogo, o de todo el inuendo que lleva a la situación descrita o mostrada el spoiler. La historia pierde relevancia frente al relato, ya que se cede protagonismo a otros aspectos de la serie como producto. Pero ¿se pierde emoción y capacidad de disfrute? No. Saber lo que vendrá continuación, pero sin tener una idea clara de ello, es igual de desnortante y aumenta la anticipación. Construimos ideas y no podemos esperar hasta ver el resultado de nuestras predicciones. Existe una sorpresa, pero es un shock que no parte de la ignorancia (que se neutraliza al ver el contenido del spoiler y al comentarlo con otros) sino del conocimiento. Una especie de sorpresa en segundo grado que nada tiene que envidiar a la que obtenemos cuando nos aproximamos a las series con muy poca idea sobre su argumento.

Y como en Internet la popularidad se mide por el nivel de ruido de la conversación, decir que la especulación basada en spoilers es un pulsómetro de cómo está acogiendo la serie una parte de la audiencia. Esa porción será mayor en el caso de que el target de la ficción se acerque al segmento de 18-34 años, pero, en general, se puede hablar de una economía de los spoilers bastante consolidada que incluso responde a las estrategias comerciales de cadenas y productoras. La columna de Ausiello en EW no existiría sin que hubiera portavoces en la compañías encargados de revelar detalles de los próximos capítulos. Y a veces ni siquiera hacen falta intermediarios. Por poner un ejemplo, Shonda Rhimes, creadora de Grey's Anatomy, utiliza su Twitter como un constante 'teaser'. La figura del 'insider', el topo amigo-de-alguien que filtra información sigue existiendo, pero con menos trabajo del que tenía hace unos años. Como afirma Gray, se trata de "contenido spoiler fomentado por la propia industria", función que también cumplen los sneaks peeks o los 'next time' al final de los episodios.

Buenas prácticas.

Por eso, al contrario de lo que comenta MissMacGuffin, no salgo corriendo con los 'next time' de las series británicas que veo en emisión, es más, me ponen en alerta y alimentan mi hambre de más. Aunque coincido en que debería haber una transición más clara entre lo que es el capítulo y el avance, creo que los británicos están muy por encima de esas biblias enciclopédicas que son los 'próximamente' de las series españolas, donde se encuentran escenas del final porque sí. Lo importante es que se de opción a los dos tipos de espectadores que están viendo la serie: el anti-spoilers y el pro-spoilers. En cualquier caso, siempre se está a tiempo para apagar la pantalla o de no clicar esos sneak peaks en la web.

Porque al igual que entre simples aficionados hay una etiqueta para no desvelar información, para no estropearle la experiencia al otro, de igual forma no se debería privar a nadie de su modo de disfrute. De ahí que también que resulten poco más que descabellados argumentos extremos a favor de eliminar los 'next time' o contrarias a los sneak peaks, que además de ser un intento de ponerle valla al campo, responden a una forma sesgada de entender las interacción entre web y la televisión de la que nos beneficiamos todos. Los spoilers, para bien o para mal, también son parte del lote.

PD: Ahora los busco menos que antes (por falta de tiempo), pero si me los ponen en bandeja, hay 80 por ciento de probabilidades de que acabe cayendo en la tentación.

Voy y vengo como los fantasmas

2011-03-31T22:10:00.003+02:00

Sabéis eso que se dice de los fantasmas, de que están atrapados entre dos dimensiones de forma que están por ahí pero tampoco son una presencia real. Como una idea que vaga sin llegar a materializarse nunca. La tercera temporada de Being Human (BBC3) ha tenido mucho de fantasmagórica, de inconsistente, de tenerlo todo para dar un paso más en la historia y, sin embargo, permitir que los elementos de su universo sobrenatural la superasen.

El impactante final de la segunda entrega ponía las expectativas por las nubes ante el regreso del malvado vampiro Herrick, al que todo el mundo veía persiguiendo a unos Mitchell, Annie, George y Nina recién instalados en su nueva casa de Cardiff. En su lugar, Toby Whithouse se ha dedicado a explorar a lo largo de los primeros capítulos otros submundos fantásticos, como el de los hombres lobo y cierta clase alta de vampiros, de una manera un tanto dispersa y con muy poco impacto en el arco argumental que atraviesa la temporada.

Para sólo contar con ocho capítulos, la mayoría se sienten como un largo prólogo para retrasar la llegada de lo bueno. Una circunstancia que no beneficia en nada al conjunto, ya que se fuerzan situaciones y se llevan al límite las acciones de ciertos personajes por amor al arte. Mitchell ha estado realmente insorportable en algunos tramos, arrastrando consigo a Annie, menos inspirada y más fantasma de lo habitual. después de un prometedor comienzo en los confines del Purgatorio. George y Nina tienen sus dramas de camada lobuna, que ya de por sí resultaban interesantes sin la necesidad de traer agentes externos.

Sin ánimo de destripar la trama, decir que la presentación más interesante ha sido la de Adam, un eterno vampiro adolescente, que pese a contar con 47 años sigue comportandose como cuando dejó de ser humano. La introducción de este personaje no ha sido casual ya que Adam protagoniza el spin-off de ocho webisodios de 15 minutos, Becoming Human al que le echaré un vistazo próximamente.

Renovada para una cuarta tanda de episodios tras el arrollador éxito de este año (una media de 1,4 millones de espectadores es muchísimo para un canal digital), el gran interrogante ahora se centra en qué va a pasar el próximo año con un Aidan Turner inmerso en el rodaje de esa película que de tan anticipada parece una procesión: El Hobbit. Sólo espero que después de la decepción que resultó el desenlace de Herrick esta vez, no jueguen la carta del 'todo vale' y se salten a la torera las propias normas y límites que han consolidado a la serie como una (todavía) apuesta refrescante dentro de su género.

Skins y la generación tranquila

2011-03-24T22:43:00.022+01:00

Voy a extenderme demasiado sobre la quinta temporada de Skins, que no extrañen los spoilers.

Ser muy fan de algo, en general, tiene su miserias y sus recompensas. Por un lado, te cuesta mucho más distanciarte del objeto de tu crítica, pero, como contrapartida, tienes los ojos más abiertos a detalles que de otra forma se te escaparían. Así es como me siento todas las veces que escribo sobre Skins, que acaba de finalizar su quinta temporada y a la vez de presentar a la nueva (y ya van tres) generación de muchachos: Franky (Dakota Blue Richards, The Golden Compass), Nick (Sean Teale), Alo (Will Merrick), Grace (Jessica Sula), Rich (Alex Arnold), Mini (Freya Mavor), Liv (Laya Lewis) y Matty (Sebastian de Souza). Todos ellos llegaron al canal E4 tras el terremoto emocional que supuso la segunda generación, que genial y controvertida a partes iguales, significó el clímax de Skins como producto de ficción a nivel de propuesta narrativa (complejidad de personajes, incluida), de audiencia y como fenómeno de culto entre los fans. Mientras que en la tercera temporada la serie pulverizó estas tres facetas, la cuarta tiró por tierra cualquier avance en la forma de cohesionar las dinámicas de esos personajes, con el consecuente descontento general de los espectadores. Aprovechando el cambio de cast era el momento para que el equipo de jóvenes guionistas comandado por Jamie Brittain se redimiera de los errores y volvieran con la cara lavada. Lo consiguieron a medias.

Con respecto a la estructura de los capítulos y el tipo de interacción que se produce entre los chicos de Bristol, la quinta entrega se encuentra más cercana a la tercera temporada que a la primera como se suele apuntar. Principalmente, porque las dos últimas generaciones no parten de un grupo unido de amigos. En este sentido, el esquema de episodios monográficos no supone un reto narrativo en la primera generación como en las siguientes, es más, favorece a la trama coral porque se va del todo ya dado a las partes. Siempre es más fácil desmontar el puzzle pieza a pieza que montarlo. ¿Por qué pasa cuándo tienes que juntar ocho historias con muy poca conexión entre sí y menos capítulos para llevarla a cabo? Es ahí cuando el formato de Skins se resiente porque su naturaleza tiende a exlcuir aquello ajeno al mundo del protagonista de la semana. Por eso no tiene sentido incluir en el episodio dos, el de Rich, una escena de éste hablando con Liv o Mini sin que resulte forzado, pues ¿qué clase relación tienen esos personajes a esas alturas tan tempranas de la temporada? Ninguna.

La quinta tanda de capítulos incluso ha tenido el panorama más difícil que la tercera donde la trama era un continuo movimiento de unión y desunión entre grupillos orquestado por las constantes puñaladas que se daban entre ellos y, encima, contaban con Effy como ancla con la generación anterior. Como digo, el objetivo aquí era unir y, si bien existen elipsis molestas (todo el personaje de Nick a partir del capítulo 5), no llegan a los extremos de la cuarta entrega donde Thomas pasó del 'me echan del instituto', 'me pongo a correr' a 'me voy a Harvard aunque no den becas deportivas' en un sólo episodio. He aquí el primer frente superado por esta quinta temporada a pesar de las limitaciones de la estructura y de la historia que se quiere contar.

Pedir más escenas de grupo con unos personajes separados de entrada deja de tener sentido cuando el producto tiene un defecto de fábrica que lo hace incompatible con la satisfacción total de esas demandas. Una de dos: o se renuncia al esquema tan particular de los episodios, a unas de las marcas de indentidad de la serie como relato televisivo, para que se amolde a la construcción de una historia coral; o se asumen los inconvenientes del formato aplicado a la clase de tramas que se pretenden desarrollar en tan pocos episodios. Asociada a esta problemática de guión, se encuentra una cuestión no menos polémica como es la distribución del protagonismo de los capítulos, algo que parece que sigue sin entrarles en la mollera después del desbarajuste del año pasado: Matty se ha quedado sin su momento, ¡cuando él tío ha estado en el centro del huracán esta temporada! Y aquí no se puede achacar a la falta de previsión de que les iban a recortar el presupuesto y se vieron con más personajes que episodios.

"Glorious fucking headfuck thing"

Normalmente, tanto los agujeros de la trama como la falta de minutos para ciertos personajes se ven compensados con las extensiones crossmedia de la serie (webisodios, novelas...), que si no se les echa una ojeada luego dan lugar a expresiones como "sacado de la manga" cuando hay más allá que eso. La serie de televisión como producto cerrado no debería exigir el consumo de estos añadidos, que son parte de la historia general de la serie, pero esto no hace más que recalcar los hándicaps del molde sobre el que está escrita Skins. Y dado que este año ha habido menos dinero para gastar y no se han producido 'Unseens' (en su lugar se han creado twitters de personaje que no cumplen ni la mitad de las funciones de los webisodios y acaba de salir una novela anterior a los acontecimientos de esta entrega), la quinta temporada ha salido bastante airosa del paso salvo, como he venido diciendo, en la situación de los hermanos Levan, Matty y Nick, aunque éste último tuvo más suerte que la amiga Pandora en la cuarta y contó con un episodio para él solo antes de semiesfumarse.

Con esta atención en el retrato personalizado, en los personajes recae la responsabilidad de establecer el tono de la serie. Si esta temporada no se puede calificar de extrema es porque los personajes están en las antípodas de lo que hemos visto. Por decirlo de alguna forma, esta generación destaca por su equilibrio y sus problemas, aunque aderezados con algo de desmadre, se sienten todavía más pegados a la realidad. Las emociones a flor de piel del adolescente, que es la verdadera premisa de la serie en el fondo, están intactas. Claro que sigue habiendo drogas y sexo, pero el enfoque cambia por completo y en un movimiento muy antiSkins lo que antes parecía una atractivo escapismo para sus personajes ya no lo es tanto. Es más, da miedo. Para ejemplo, el de una Mini aterrorizada en su penosa primera vez en una escena durísima y desagradable de ver.

En general, por su normalidad los miembros de esta pandilla no despiertan pasiones encontradas, pero tampoco dejan indiferente. Falta un carácter fuerte o peculiar (al estilo de los Stonem, Cassie, Chris o Cook), o una relación épica (Emily y Naomi, para mí, los personajes mejor escritos de toda la serie, sobre todo, la segunda) pero, aún así no veo que Skins deba ser la esclava de un tipo de adolescente muy carismático. Con una temporada más introductoria que nunca y dedicada a unir a los ocho, todavía queda por ver quién lleva el timón. Mini, no obstante, tiene todas las papeletas para ello.

La joven McGuinness es la sorpresa de esta tanda de capítulos y, sin duda, el personaje más brillante gracias a buen desarrollo dramático combinado con una estupenda y sutil interpretación de Freya Mavor. La atracción de la supuesta 'bitch' Mini hacia Franky no se entiende sin las expresiones que aporta Mavor desde el primer capítulo, algo que sólo se hace obvio a partir del séptimo acto pero que ha estado ahí latente desde el inicio. Con algunos personajes Skins tiene la costumbre de jugar a Hansel y Gretel e ir arrojando migas de pan que una vez colectadas minimizan el shock sin que haya que leer demasiado entrelíneas. En eso, los openings de la serie tienen mucho que decir también ya son material spoiler si uno realmente repara en ellos. No se trata de la ficción más compleja del mundo, pero las supuestas decisiones "sacadas de la manga", cuando se ponen en retrospectiva, resulta que están más planificadas de lo que se piensa.

Franky, el personaje ambiguo y cuyas tribulaciones, en un desmentido del cliché, al final no tienen que ver con la orientación sexual (con su "I'm into people" apunta hacia la liga del Capitán Jack Harkness) se ha ido desinflando a pesar de la magnífica presentación. Durante gran parte de la temporada, ha sido víctima de uno de los vicios crónicos de la serie: los triángulos amorosos. Y me atrevo a decir que ha sido el peor llevado de todos, amago de trío aparte (WTF!). De verdad, ¿hay algo de construcción dramática en el romance Matty/Franky? El arco de Franky ha sido encontrar un lugar al que pertenecer y sentirse aceptada por los demás por lo que no sorprende su fascinación hacia Matty el primero que le dice algo bonito tras meses aguantando mierda. Todavía hay que ver qué tienen preparado para ella en la recámara porque la finale insinuó unos lugares muy oscuros en la mente de la moderna Fitzgerald.

Pero, ¿y Matty? ¿Cómo se entiende su juego entre Liv y Franky? Justificar sus acciones básándose en el misterio no es un argumento válido y, menos cuando se detecta un vacío brutal en el fondo del personaje. Si alguien necesita de su hora de gloria era él, porque a pesar de que su intervención en el capítulo de Nick era generosa, ahí se trataba de mostrar su faceta de hermano. De la otra cara, la de rompecorazones, la nada, o bueno sí, la mirada loca de Seb de Souza. Y ya.

Por todo esto, es por lo que considero que Alo, al menos en esta temporada, no es un personaje para llevar un episodio entero a sus espaldas a pesar del divertimento que aporta. No hubiera desentonado compartiendo capítulo con Rich, su mejor amigo y hermano en la práctica. De largo, el granjero pelirrojo tiene la subtrama menos exigente y cuando están disponibles siete episodios (el 'Everyone' queda fuera) invididuales para repartir entre ocho personajes hay que sacrificar por algún lado. Como ya dije, una pésima distribución de los minutos, aunque maquillada por las apariciones de otros personajes. Afortunadamente no se trata de otro 4x06 ('JJ') donde la sensación de capítulo tirado a la basura planea durante todo el tiempo de visionado.

Para echado a perder el desarrollo de Nick después de su episodio. Quizá por ello se trate de la adición menos orgánica al grupo de amigos que vimos en la finale, aunque el potencial cómico del personaje junto con Alo promete. Muy distinta a la imagen acartonada de estrella del equipo de rugby al principio de la serie, Nick ha acabado por revelarse como el bonachón perdedor y adorable. Por su parte, Liv ha ido dando tumbos durante toda la temporada en consonancia con la actitud impulsiva y salvaje de la chica, pero en contraste con Franky sí salió beneficiada de lo suyo con Matty, y si bien su reconciliación con Mini fue un tanto apresurada, acabé con una mejor opinión de ella.

Rich y Grace fueron la cara más amable de la temporada con su romance a lo Romeo y Julieta y su no-boda (menos mal) claramente fue un recurso juntar a los personajes en la finale. El uso de Shakespeare en Skins no es baladí, pues discutiendo Hamlet en una clase ya presagiaron la muerte de Freddie allá por el 3x05. Como todavía queda una temporada de drama por delante, no hay que descartar ninguna baja, aunque ya puestos a cambiar patrones, sería una novedad que nadie se viera borrado del mapa.

En definitiva, habrá que esperar a los próximos diez episodios (¿no había crisis? ) para ver hacia dónde se dirige esta recién formada pandilla. Datos de audiencia en mano, puede que estemos ante la última generación de Skins. La acogida de la quinta ha sido muy tibia y tras seis temporadas en antena, la serie habrá viajado por todos los mundos posibles, así que una retirada a tiempo no suena descabellada. Eso sí, la despedida no será para siempre hasta que no empiecen a rodar la condenada película de una vez.

No suelo dedicar posts, pero parte de esta parrafada se ha ido cociendo en horas de chat y risas con @Spidermarga, @citizenerased__ y @Gromix, así que ahí queda :)

Orgullo y Prejuicio, un clásico como la novela

2011-03-22T00:45:00.004+01:00

He vuelto a leer Orgullo y Prejuicio (Pride & Prejudice) de Jane Austen. Y digo leer porque ver la adaptación que hizo la BBC en 1995 con Colin Firth como Mr. Darcy, y Jennifer Ehle, en el papel de Elizabeth 'Lizzy' Bennet, no se puede describir de otra forma. Leer una miniserie de televisión, una experiencia sinestésica en cuanto a los medios porque la fidelidad a la novela es palpable incluso en los diálogos. Que los seis capítulos no me hayan durado ni una semana dice mucho del fevor con el que los he ido devorando, mucho más rápido de lo que tarda Lizzy en darse cuenta del partido que es Darcy.

El cuidadísimo diseño de producción que la BBC imprime a sus 'period dramas' y, en concreto, a sus adaptaciones de clásicos literarios no es una afirmación que se repite porque sí y para quedar bien. De momento sólo he visto Jane Eyre (2009), pero no hace falta mucho más para rendirse a la evidencia de que así se las gasta la corporación, atenta al último detalle de la porcelana para servir el té. Tanto esfuerzo por retratar con precisión de daguerrotipo atmósferas y sociedades tan particulares exige una inmersión completa en esos mundos. De lo contrario, la fidelidad a la época puede generar rechazo si nos aproximamos a estas series como lo haríamos con obras contemporáneas, sobre todo si, como se ha dicho, la forma de expresarse de los personajes no se ha adaptado a un lenguaje más moderno. Es un contrato de todo o nada.

Pero, irónicamente, lo que hace grande a esta adaptación de la obra de Austen, y por ende, al libro, es su resistencia al paso del tiempo, esa prueba que todo clásico inmortal supera una y otra vez. Las tribulaciones e intereses de cada personaje son tan reales que no cuesta ponerles cara hoy en día. Por supuesto, Orgullo y Prejuicio es la representación de la Inglaterra rural de principios del siglo XIX, una sociedad donde Lizzy iba unos pequeños pasos por delante con su franqueza y elocuencia, pero más allá están el resto de hermanas Bennet, a cada cada cual más diferente y rebelde en orden de mayor a menor. El eco cotidiano que resuena de esas miradas por encima del hombro de las mayores y discretas Jane y Lizzy a las menores y hormonales Kitty y Lydia , con una Mary que por ser la de en medio siempre pasa desapercibida.

La dinámica familiar de los Bennet, con esa señora Bennet histérica capaz de vender el alma de sus hijas con tal de verlas casadas con un rico, y de un padre que, cómo no, pasa de discutir con su mujer, sirve de contrapunto cómico y contrasta con el estoicismo romántico del orgulloso Darcy. Sus aires de ser superior deberían resultar antipáticos al margen de su amor por Lizzy, pero es imposible no conectar con él viendo el gallinero/Sálvame Deluxe en el que la señora Bennet y Lydia convierten las fiestas del pueblo. La obviedad de las intenciones y la vergüenza ajena son unas de las temáticas que explota la miniserie, y cómo afectan estas situaciones a la relación entre Jane y Mr. Bingley, y a la propia Lizzy.

En un ambiente donde lo que no se decía tenía tanta o más importancia que el discurso, las interpretaciones deben conseguir trasmitir esas pasiones con simples gestos y miradas, algo de lo que van sobrados un Firth y Ehle embriagadores. Los cambios de registro de Firth son tan sutiles que hay que fijarse en la forma en la que mira para darse cuenta de que Darcy ha bajado la guardia cuando Lizzy está en la misma habitación. No me extrañan los enamoramientos masivos desde hace 16 años ha venido provocando Firth en este papel, cuestiones físicas y de buen ver aparte. Incluso los secundarios como el verborreico Mr. Collins, las brujas de las hermanas de Bingley, o Mr. Wickham están encarnados con tino.

Como recuerda Felipe en Serieina, parte del rotundo éxito de esta adaptación reside en la mente pensante de Andrew Davies. Un guionista muy vintage, a la vista de su especialidad profesional, pero que gracias a su extraordinario trabajo con Orgullo y Prejuicio ha terminado por contagiarme la fiebre por las adaptaciones literarias. "Indeed".

Tres son multitud

2011-03-13T19:10:00.003+01:00

Durante esta semana que ya termina, Moltisanti ha estado celebrando el tercer aniversario de su imprescindible Carrusel de series, y por estos lares hemos querido unirnos a la fiesta siguiendo su 'Meme del 3' seriéfilo:

1. Con o sin orden de preferencia, y centrándonos por ahora en series americanas, ¿cuáles son tus 3 series favoritas "en emisión" y "finalizadas"?:
Mi tridente de finalizadas, sin ninguna duda, son Alias, Battlestar Galactica y Dawson's Creek. En emisión, de momento sólo una me quita el sueño, y ésa es The Good Wife.

2. ¿Qué 3 series inglesas recomendarías a todo el personal?
Skins, The IT Crowd y sé que la acabo de empezar, pero me está encantando, Pride and Prejudice. Un poco de transgresión, mala leche y drama de época 'made in' BBC no pueden faltar. Diría también Doctor Who, pero ya serían cuatro.

3. ¿Qué 3 cancelaciones de series nunca olvidarás?
No tengo mucha experiencia con series canceladas, pero la muerte de Kings hace un par de años no se supera.

4. ¿Eres capaz de dar de 1 a 3 curiosidades seriéfilas que pienses que sólo tú conoces?:
Yo y el resto de gente que leyó el artículo, y los que lo vivieron in situ, seguro, pero después de que se emitiera el capítulo de la cyberwoman en la primera tempraoda Torchwood, los fans de Doctor Who se dieron cuenta de que el capítulo entero tenía un error en el argumento. Preguntaron a los guionistas cómo podía ser que a la cyberwoman no la tragara el vórtice junto con el resto de los cybermen en la finale de la S2 de Doctor Who. Luego, los guionistas medio arreglaron el asunto con un post aclaratorio en la web oficial de Torchwood, explicando que la cyberwoman había sido construída con materiales del otro lado de la brecha, a diferencia de los cybermen por lo que a ella no le afectaba el efecto arrastre del vórtice.

5. Nombra 3 canciones que descubriste en una serie y que ahora forman parte de tu lista de favoritas:
Las series me han provisto de muchos temas, pero por dar nombres: 'Such Great Heights', de The Postal Service (Grey's Anatomy); 'Bad things', de Jace Everett (True Blood); y 'California', de Phantom Planet (The OC).

6. ¿Los 3 momentos friki-seriéfilos por antonomasia de tu vida?
Recibir el año viendo un capítulo de Alias en compañía de mi mejor amigo, que me banearan la IP en un foro de Dawson's Creek en una de esas encendidas batallas dialécticas entre fans de Pacey y fans de Dawson (no juzguéis, era una joven PJer :P), y el día que decidí abrir este blog.

7. ¿Qué 3 "openings" nunca saltas (o saltabas) al poner un capítulo?:
Batltlestar Galactica, pero porque dura menos de un minuto y contiene información, Weeds en la segunda temporada, porque eran camaleónicos, y Los Simpsons, por la misma razón. En general, soy de las que se los saltan aunque sean maravillas reconocidas. Ya sabéis, el ansia...

8. ¿Cuáles son las 3 últimas series que has visto en versión doblada?
House, Greys Anatomy, Desperate Housewives aunque después me pasé a la versión original.

9. ¿Qué series tienes originales en DVD o Blu-Ray?
Tengo las tres primeras de Alias y la primera de Smallville, que fue un regalo. La ministra Sinde podría emprender acciones legales contra mi persona, está claro.

Esposados a Florrick y compañía

2011-03-09T00:30:00.005+01:00

Me parece que el mejor homenaje que se le puede a hacer a The Good Wife sería publicar una entrada en blanco. Casi dos temporadas después de su estreno, cualquier nueva palabra de alabanza será rápidamente enterrada en el olvido ante el continuo reto semántico al que nos expone el matrimonio King con su serie semana tras semana. Así que lo más probable es que este post lleno de escritura vacía se haya quedado corto para cuando Alicia Florrick y los suyos hayan regresado a la CBS en los próximos quince días, después de un pequeño hiato en las emisiones. Casi un mes de doloroso parón en el que te das cuenta de que tú, que crees tener un corazón con forma de Dalek, eres peor que esas parejas ultradependientes a las que tanto criticas, sólo que no es de tu otra mitad de la que estamos hablando, sino de una serie. ¿Demasiado patético? Sí, sólo The Good Wife es capaz de hacerte perder la dignidad de esa manera y que, encima, empieces a balbucear sinsentidos como sólo lo hace la voz en off de Meredith en casi todos los episodios de Grey's Anatomy. Pero, ¿qué tiene esta serie para hacer que alguien delire tanto? Fácil respuesta: te esposa a sus episodios. (Conciencia: - ¿Eso no suena un poco porno?, - ¡No! ¡Pretendía hacer un juego de palabras con el título de la serie en español y la adicción y ataduras que crea!; Conciencia: - Te lo dije, Charlie Sheen no es un modelo a seguir). Y aquí van las razones que harán que desees que la llave se pierda para siempre:

1) Personajes. Todos y cada uno de ellos son como los cimientos de un edificio; si quitas uno, el resto se cae. Nadie sobra, desde la íntegra Alicia hasta el odioso Blake Calamar, pasando por la genialidad críptica de Kalinda y los maquivélicos métodos de Mr. Eli Gold, o la risa de Diane Lockhart. Hasta recurrentes son sensacionales, como el abogado Louis Canning interpretado por Michael J. Fox; Owen, el hermano de Alicia, o cualquiera de los peculiares jueces (ese Abernathy vampirizado por Denis O' Hare) . Todos y cada uno de ellos tienen su razón de ser y hacen avanzar la trama. Eso, aparte de que posee un rasgo poco común para tratarse de una serie dirigida al público adulto: los personajes adolescentes no irritan ni están de decoración. Becca la trepa es un descubrimiento para la comedia en sus diálogos con Eli, y unida a Zach, el hijo de Alicia, forma un tándem muy peligroso.

2) Sólidas interpretaciones. Los grandes personajes necesariamente deben ir la mano de unos estupendos actores. Por ejemplo, la cantidad de matices que Juliana Margulies es capaz de añadir a Alicia, entre la contención y una súbita explosión de sinceridad, o las ya clásicas caras de póker y el tono de voz casi monotono de Archie Panjabi como Kalinda.

3) Temas de actualidad sin que parezcan pegotes en el guión. Los casos e historias de The Good Wife beben directamente de lo que sucede en el mundo de hoy. No en vano, el germen de esta ficción fue el escándalo de un político con más de una falda de por medio, pero los guiones continúan alimentándose de temas tan calientes como la censura informativa china, Facebook, el mal camino que toman las estrellas de Disney, el ascenso de las mujeres a la primera fila de la política, Obama, el aborto, la corrupción en el ejército estadounidense y los abusos de las farmacéuticas, entre otras muchas y complejas cuestiones que, en otras series se presentan de forma panfletaria y nada sutil. Que la serie pertenezca al género de abogados facilita la tarea, aunque eso no evita que la ambigüedad moral se cuele en las historias: los letrados del bufete Lockhart & Gardner no siempre salen de los tribunales con la certeza de que han defendido la causa correcta.

El momentazo de la temporada. Kalinda no se anda con chiquitas.

4) Tensión sexual no resuelta. Lo de Alicia y Will es un partido que empezó a jugarse hace mucho tiempo, y en el que Peter Florrick y Tammy Linata aka la no-novia de Will tienen todas las de perder. Los capítulos no dejan de torturarnos con una posible resolución que nunca llega, siempre pasa algo que deshace todo progreso hasta ese momento. Aún así, ese muro tiene que caer.

5) Giros argumentales. Las intrigas palaciegas del bufute son casi tan importantes como los casos o el binomio Will-Alicia. La entrada de Derrick Bond en la sociedad no ha hecho más que elevar el listón durante la segunda temporada, con conversaciones a puerta cerrada, miradas sospechosas y unos modus operandi un tanto gangstas. Se trata de una batalla a ver quién es el más fuerte de la jungla que, episodio a episodio, no ha dado tregua con golpes de última hora que volvían a poner en jaque tanto al enemigo como al espectador.

6) Es de la CBS. Decir "serie de la CBS" suele ser sinónimo de "no la veas", de poner en la mente del otro suficientes ideas (procedimentales, cadena de montaje...) para persuadirlo de que no pierda el tiempo. Pero no en este caso. Con más razón se debe recalcar de dónde viene The Good Wife para recordar su carácter único y excepcional en el contexto de una cadena enrocada en el inmovilismo creativo que permite el éxito de audiencia. Su planteamiento será clásico y poco innovador, sin embargo, ocurre como cuando llevas unos simples vaqueros que sientan de muerte: a veces no hacen falta demasiados artificios para resultar la más elegante del lugar.

Torchwood, sobreviviendo a la Cyberwoman

2011-02-28T23:00:00.007+01:00

En mi empeño por ir paso a paso con el universo de Doctor Who, le ha tocado el turno a la primera temporada de Torchwood, el 'spin-off' protagonizado por el carismático Capitán Jack Harkness, al que conocimos en la primera temporada de las aventuras del nuevo Doctor. Esta serie de la BBC, estrenada en 2006 bajo la batuta del mismo Russell T. Davies, cuenta con un tono más adulto y oscuro que la ficción de la que deriva, y se centra en mostrar en qué consisten las actividades del aquel famoso y secreto Instituto Torchwood que tan indisimuladamente se nombró a lo largo del segundo año de Doctor Who. Puede darse el caso de que quien sólo haya visto Torchwood no logre entender mucho de lo que sucede con el personaje de Harkness, lo cual es un problema porque dos tercios del atractivo de la serie, al menos en este volumen de apertura, corresponden al Capitán yankee. Por eso, desde aquí aprovecho para insistir en que vale mucho la pena ver los dos primeros años de Doctor Who antes de embarcarse con el 'spin-off'. Más que nada, porque no estamos ante una secuela al uso que se pueda disfrutar de forma separada, ya que el vínculo de la trama de Harkness con la serie matriz es demasiado relevante.

Localizada en la capital de Gales, Cardiff, la base Torchwood Three se dedica a combatir en secreto cualquier tipo de ameneza alienígena en nombre del gobierno británico. En la base, escondida bajo una plaza muy transitada de la ciudad, trabajan la hacker Toshiko Sato (Naoko Mori) , el biomédico Owen Harper (Burn Gorman), el azafato Ianto (Gareth David-Lloyd) y Susie la mecánico, que responden a las órdenes de su jefe, el misterioso Capitán Jack Harkness (John Barrowman), de cuya vida apenas saben unos pocos detalles. Esta intriga es menor para el espectador de Doctor Who, que fue testigo de cómo Harkness ayudó al Doctor a derrotar a los Daleks. No obstante, hay algo que éste no sabe: los efectos secundarios que esa batalla dejó en el Capitán. El episodio piloto de Torchwood nos presenta también a otro de los personajes clave de la serie, Gwen Cooper (Eve Myles), una joven policía local que entrará a formar parte del equipo después de que Susie traicione a sus compañeros. La curiosidad y persistencia de Gwen arrinconan a Harkness que, de una forma gráfica, le revela su condición de inmortal y la hace prometer que no se lo contará a nadie. (SPOILER de Doctor Who 1) Y es que cuando Rose Tyler le devolvió la vida haciendo uso de la energía del vórtice espacio-temporal en la season finale 'Parting of the Ways', lo dejó un cargamento para toda la eternidad. (FIN)

Como su serie madre, la primera temporada de Torchwood se caracteriza por contar con un total de trece capítulos estructurados al estilo 'monstruo de la semana', esto es, con una amenaza que empieza y y acaba en el mismo episodio como ocurre con los casos de las series procedimentales. Aunque, a diferencia de los remilgos de algunas series de este género, aquí no se andan con muchos miramientos, y se muestran historias atrevidas tanto en forma como en contenido, acordes al tipo de horario y público al que se dirige la serie. Este riesgo en las tramas es evidente en los primeros compases de la temporada, en los que la producción lucha para encontrarse a sí misma, dubitativa en profundizar en el personaje Harkness, y en el resto, o dar más importancia al misterio de cada episodio.

Es en esta última cuestión donde radica el principal defecto de esta tanda de capítulos. Por un lado, la serie quiere dar una apariencia de cierta seriedad, y de atrevimiento, como son esas tramas en ambientes turbios o con mucha carga sexual, pero que aplicadas a algunos de los villanos que pueblan la serie se quedan en puro 'camp', provocando más de una risa. No en vano, ahí queda de ejemplo el segundo capítulo de la serie, 'Day One', más conocido como el de la muerte por kiki. Eso, por no mencionar el infeble episodio de la cyberwoman, sacado directamente de una película de serie Z, que, de tan malo, se carga de un plumazo en sólo 45 minutos la continuidad del mito de los cybermen. Una chapuza en toda regla.

Por suerte, la serie muestra su potencial cuando se centra en su galería de personajes peculiares, todos ellos con problemas de sociabilidad y sin apenas vida social debido al trabajo que desempeñan. Todo lo contrario que Gwen, que por ser la novata, se abandona a la emoción del mundo privado que acaba de descubrir, lo cuál le crea más de un problema con su novio Rhys. La confianza, salpicada con una pizca de tensión, que se va forjando entre Gwen y el Capitán avanza poco a poco y sirve como ventana a la personalidad de Harkness, un tipo mucho más oscuro y complicado de lo que pueda dar a entender su fachada de conquistador caradura . Es en estos momentos cuando la producción de Davies se deja ir y es capaz de brindar escenas relevantes y una poderosa recta final de temporada que alcanza su máximo con el meláncolico 'Captain Jack Harkness', un episodio clave por lo que cuenta del pasado de este veterano de guerra.

No estamos ante una producción para todos los paladares, y el recorrido irregular de la temporada desde luego no ayuda a dibujar un garabato demasiado decente, pero ante la promesa de un salto de fe en la segunda entrega, me quedo cazando aliens hasta nuevo aviso.

The CW quiere montar un aquelarre

2011-02-12T21:45:00.001+01:00

A veces pienso que The CW, de tan adolescente que es, hasta mimetiza comportamientos del target al se dirige la 'netlet'. Ya sabe que muchos hijos de vecino entre los 12 y los 18 años pasan por diferentes fases desde la etapa choni-raperilla a la moderna-gafapástica seguidora del videoarte (una misma persona es capaz de pasar por muchas tribus urbanas en su vida), según las modas del momento. Pues bien, después del bombardeo de dramas centrados en jóvenes ricos y 'chic', la cadena comandada por Dawn Ostroff quiere seguir potenciando su experiencia en asuntos sobrenaturales tan en boga con el encargo de un piloto basado en la serie de libros The Secret Circle, sobre una mujer que se muda a un nuevo pueblo, donde descubre que es una bruja, pero no una mindundi, sino una por la que se volverá a desencadenar eterna la lucha entre el bien y el mal, cuyo parón navideño estaba durando demasiado.

Con este argumento lo primero que viene a la mente es una nostalgia por la etapa 'buffyana' que marcó una gran parte de la vida de la difunta Warner, la madre de la criatura CW. Buffy: The Vampire Slayer (1997-2003) y Angel (1999-2004) se repartían el bacalao en cuanto a seres del más allá a principios del milenio, y contaban con el añadido de que formaban parte de un mismo universo de ficción. Después, ambas series terminaron su andadura casi al mismo tiempo que otra de las glorias de la cadena del mítico estudio cinematográfico, Dawson's Creek (1998-2003), dejando solas las Gilmore de Star Hollow, que sólo sobrevivieron al primer año de la fusión con UPN, en 2006.

The CW no se ha caracterizado por emular las audiencias alcanzadas por Warner, no al menos hasta hace un par de temporadas, cuando Kevin Williamson se puso detrás del proyecto de adaptación de The Vampires Diaries, que se ha convertido en el sancta sanctorum de la cadena verde por acumular méritos más que evidentes en la competida noche de los jueves. Y como en en televisión el éxito es ultrafugaz, no hay nada mejor que explotar el filón.

Además de los parecidos en el plateamiento, la referencia a las series de Joss Whedon también sirve para detectar un claro intento de The CW por construir una marca entorno a las historias de L.J. Smith, creadora de los hermanos Salvatore, protagonistas de la serie de vampiros, pero también de la bruja novata de The Secret Circle (las portadas de ambos libros son casi iguales). Encima, Williamson doblará en su labor de showrunner y se pondrá a cocinar ancas de rana para sacar adelante el piloto. Si la pócima sale bien, Dawn Ostroff ya puede subirle los honorarios a ambos.

Sin olvidarnos de la veterana Supernatural, que resiste cancelaciones hasta nuevo aviso, con este anuncio queda confirmado que The CW prefiere pasar su tiempo libre estos días en pueblos con pinta de ser un agujero, pero donde siempre ocurren cosas raras, en vez de tostarse a orilla de la piscina, copa de champán en mano.

El 'lip service' de la BBC

2011-02-07T22:45:00.003+01:00

El tercer canal de la BBC es el campo de experimentos de la corporación británica, reconocido por ellos mismos: "The digital TV that's never afraid to try something new". Y me creo la afirmación, aunque mi experiencia con el canal sólo se limita a dos series hasta el momento. La primera de ellas es Being Human, que acaba de empezar su tercera tanda de capítulos, y la segunda, Lip Service, unas de las apuestas de la actual temporada televisiva, y que confirma que el slogan no son palabras vacías, al menos en el ámbito de las televisiones públicas, donde The Beeb siempre ha sido sinónimo de innovación y riesgo. La verdad, no me imagino otro servicio público en Europa que se atreva con una serie sobre lesbianas, cargada de sexo y de otras sustancias como éste que nos ocupa ahora.

En realidad, la etiqueta de serie 'sobre' lesbianas, no es del todo precisa. Se trata, más bien, de un drama 'con' lesbianas, centrado en las relaciones de un grupo de amigos de Glasgow (Escocia), en el que se da el caso de que las mujeres gay son mayoría y ocupan los roles protagonistas. Cat (Laura Fraser), Tess (Fiona Button), Ed (James Anthony Pearson), Jay (Emun Elliot) son testigos del regreso al hogar de Frankie (Ruta Gedmintas), que, tras dos años ausente, volverá para enterrar a su tía Carol y saber qué era aquello que le quería contar antes de morir. Sin embargo, y en la mejor tradición de los elementos indeseados, la vuelta de la fotógrafa reabrirá viejas heridas que están muy lejos de cicatrizar, el tema central que atraviesa cada uno de los seis capítulos que componen esta primera temporada.

Mientras que todos la reciben con estusiasmo, su presencia causa migrañas en Cat, resentida después de que Frankie se montara sin avisar en el primer vuelo a Nueva York cuando su relación empezó a ponerse seria. Además, para rizar más el rizo, Frankie sabe en qué momento hacer sus apariciones, puesto que Cat ha empezado a salir con Sam (Heather Peace), una policía. Triángulo a la vista, entre la mala espina clavada y la relación sana, del que depende gran parte del peso de Frankie como personaje, además de su complicada situación familiar. De entrada, no es de esas personalidades que caiga bien. Egoísta, autodestructiva y usuaria del sexo y las drogas como vía de escape a los problemas, sus acciones tienen consecuencias en cada uno de los personajes secundarios, para bien y para mal. Todo lo contrario que Cat, que vive una vida demasiado ordenada como arquitecta y cuesta imaginarla al lado de Frankie.

Con unos caracteres tan marcados y diferentes, el guión tarda demasiado en dejar ver parte de ese vínculo que unía a las dos en el pasado, algo que afecta a la interpretación de las actrices, con una evidente diferencia de edad (en la ficción se llevan dos años), y cuya química no comienza a dar señales de vida hasta pasados un par de episodios. Tampoco ayuda la incorporación de Sadie (Natasha O'Keeffe), una robascenas de cuidado, amante ocasional de Frankie, que se acaba convirtiendo en uno de los personajes más sorprendentes por su amoralidad y hedonismo libre de traumas, que da lugar a una de las escenas que ocupan el podio WTF de lo que podido ver últimamente.

La escenas de alto voltaje están a la orden del día en Lip Service, y aunque la mayoría de las veces cumplen su función en la trama, en otras, el tema se va un poco de las manos y hacen pensar que están puestas de parche para tapar las carencias de ritmo en algunos puntos de la historia, claramente polarizada entre la búsqueda privada de Frankie y su tirante relación con Cat, que, eso sí, no defrauda en eso de ganarse antipatías por indecisa y nada sincera (el título de la serie, dobles sentidos aparte, es un 'idiom' referente a la falta de honestidad). Justo lo que se le pide a todo buen personaje en medio de un triángulo.

Para sacarle kilos dramáticos al tono de la serie, tenemos a Tess, actriz con poca fortuna, y menos todavía en sus relaciones, pues siempre acaba con la peor de cada casa. Torpe como la que más es inevitable no reírse con sus meteduras de pata y que resulte entrañable en el tándem que forma con Ed, hermano de Cat y aspirante a escritor, que bebe los vientos en secreto por su amiga. El otro chico, Jay, un ligón empedernido, se debate entre la estabilidad de su relación con su novia o el regreso a las noches locas, una lucha interna a la que está invitada Frankie en representación del 'lado oscuro'.

Como ya comentamos, el acento en las relaciones con todo lo que tienen de montaña rusa emocional, es el eje que mueve a la serie. No en vano, su creadora, Harriet Braun, viene de la cantera de Mistresses, otro drama que enganchaba por la intensidad de las interacciones entre sus personajes. Lip Service, en este sentido, potencia posicionamientos radicales a favor o en contra de los portagonistas que es lo que se le pide a cualquier melodrama. En conjunto, está por debajo de la calidad de otras producciones de la casa, pero si realmente la etiquetamos como una serie lésbica, supone algo diferente al lado de productos pioneros en este aspecto, como The L Word (Showtime, 2004-2009), con la que se la ha venido comparando.

La resaca de mañana va a ser mundial.

Con independencia de los parecidos razonables entre los personajes de Shane y Frankie (modernas con pinta de no haber comido en un mes), las pretensiones de ambas series no pueden ser más distintas en sus sus temporadas de debut, al menos desde mi punto de vista como espectadora heterosexual. Aunque en la ficción de Showtime las relaciones tengan su peso y haya situaciones disparatadas, se aprecia al mismo tiempo una vocación sociológica de intentar reflejar un ambiente concreto, el de la comunidad de lesbianas de Los Ángeles, hasta el punto de convertirlo en un personaje más de la serie. La producción de la BBC, por el contrario, no pone el foco en la orientación de sus protagonistas, por lo que los líos en los que se ven envueltas son el motor exclusivo de las tramas de la serie. Todo esto, junto el mundo donde se mueven los personajes (aquí no viven en chalets con piscinas) contribuyen a crear un producto más cercano y con menos afán enciclopédico que The L Word, que, en este sentido, cumplió a la hora de poner sobre la mesa temas que resultaban desconocidos o que había sido poco tratados en televisión hasta ese momento.

Renovada para una segunda temporada, Lip Service no va más allá de ser un drama sexy, que hará las delicias de aquellos que disfrutan viendo las tribulaciones un grupo de personajes, y sus múltiples meteduras de pata emocionales. Lo que viene siendo un culebrón, en resumidas cuentas. Debe corregir algunas pájaras mentales que dañan el resultado global, pero atrapa lo suficiente como para querer saber qué le deparará a Frankie y compañía el próximo año.